Este fue el concierto No 23 al que he asistido, uno de los mejores después de 10 años
sin Metallica visita la Ciudad de México realizando tres conciertos, el día 4, 6 y 7 de Junio de 2009teniendo como abridores del evento a la Banda Mexicana Resorte y a la banda Estadounidense Avenged Sevenfold, yo obtuve boletos para el día 4 y 6 de Junio de 2009.
La primera vez que escuche de Metallica fue el Master of Puppets desde ese momento mis gustos musicales dieron un completo giro, ya que antes solo oía a Ramnstein, Beastie Boys y variedad de grupos, pero en ese momento me incline por gustos del Hardcore y Metal como AC DC, Black Sabbath, y rock como Led Zeppelín y Deep Purple, siendo Metallica la banda de Trash Metal que más me influyo hasta para querer aprender a tocar la guitarra.
Reseña del concierto del día 4 de junio de 2009.
La narración de los hechos tal como los presencie, llegue al Foro Sol siendo las 4:00 pm fui junto con mi hermano Marco Antonio, ya que los dos somos muy fans de Metallica quedamos en la fila 4 del “General A” de pie el inicio del concierto fue a las 7:00 pm teniendo como abridor…..
Para Seguir viendo la reseña
-
Para recibir mas articulos como este, Subscribete gratis a Publicalpha por Email
Para: Publicalpha.com
sábado, 27 de junio de 2009
lunes, 15 de junio de 2009
El rock an roll en la hitoria
por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock ....
Sumo importante del pop-rock latinoamericano, Sumo impresionante maquinaria sonora imposible de clasificar
Mucho punk, new wave y ritmo mucha energía contenida…
Celeste carballo, fito páez, alejandro lerner que se sumaron a los grandes de la otra década charly Garcia, luis a.
Spinetta, litto nebbia, león gieco, raúl porchetto, david lebón, miguel cantilo.
Lentamente, el pop ganó espacio en la música de rock, y los grupos "modernos" fueron venciendo la resistencia del publico.
Contrariamente a lo que muchos pensaban, la llegada de la democracia tras los oscuros días de régimen militar mermó la popularidad del rock.
La intensa difusión lograda en la época de malvinas sirvió para ensanchar el margen de edad de los consumidores del género.
En 1983 resurgió el rock duro.
De la mano del viejo líder del estilo, pappo, con su grupo riff, el rock pesado se implantó como un metálico movimiento de resistencia del avance del pop.
Pero el furor no duró mucho y para el ‘84, el heavy metal comenzaba a mostrar sus primeros signos de eclipsamiento.
Sin embargo grupos como la torre y Púrpura mantuvieron viva la llama del rock and roll. los twist, virus, los abuelos... conformaron la punta del iceberg del rock moderno.
Si bien no estaba serú giran para liderar el panorama, la carrera solista de charly garcía sirvió de parámetro para medir las nuevas tendencias.
Miguel mateos y zas pudieron diferenciarse del resto con su segundo disco huevos, y el tercero, tengo que parar.
Cuatro muchachas díaz, epumer, sinessi y ruffianatti) conformaban viudas e hijas de roque enroll, una idea comercial que funcionó mejor de lo que se esperaba.
En 1985, sale al aire la radio rock & pop.
Es el primer intento de una radio que sólo se dedique al rock y resulta ser un boom de audiencia.
Con medios soda stereo grababa su segundo disco nada Personal, que iniciaba una escalada en el gusto popular.
También por aquellos días recorre el circuito rockero un grupo totalmente underground e independiente que lleva años en la escena: patricio rey y sus redonditos de ricota.
Oriundos de la ciudad de la plata y liderados por el indio solari y el guitarrista skay, tocaron durante años en salas de 200 personas sin que nadie pudiera imaginar que promediando los años 90 tocarían en estadios de fútbol para 100.000 personas manteniendo su clarísima postura de independencia.En Diciembre de 1987 muere luca prodan .
No podía controlar el alcoholismo.
Iban a internarse en una clínica para desintoxicarse, pero murió dos días antes de cobrar la suma que se lo permitiría.
Moría el hombre y nacía la leyenda.
Cuando el rock no había asimilado la perdida de luca, moría miguel abuelo.
Sólo, con pocos amigos alrededor y sin plata, dejaba este mundo cruel en marzo de 1988.
Otro nombre importante que aparece promediando los años 80 es el rosarino fito páez, que tras integrar la banda de juan carlos baglietto primero y la de charly garcía después, comenzaría una exitosa carrera solista.
Llegan también los heavies v8 y rata blanca; los rockeros con sonido stone, ratones paranoicos; los punkeros ramonianos de attaque 77;
Las pelotas y divididos, estos dos últimos nacidos de las cenizas de Sumo, tras la muerte de su lider, luca prodan.
El éxito comercial sin precedentes que consigue patricio rey y sus redonditos de ricota polariza por completo la escena del rock argentino.
A la sombra de los redondos surge un movimiento musical denominado rock barrial o rock chabón, bandas de rock con temática barrial y alusiones a las drogas, el alcohol y el rechazo a la policía y las autoridades.
Esta corriente musical se masifica y muchos de los grupos surgidos venden gran cantidad de discos y llenan grandes recintos en sus conciertos.
En esta corriente se enrolan la renga, los piojos, los caballeros de la quema, viejas locas y los más veteranos divididos, las pelotas y bersuit vergarabat.
Por otra parte, y con una repercusión comercial muchísimo menor, surge el denominado Nuevo Rock argentino, integrado por grupos y bandas de sonidos alternativos y vanguardistas:
Babasónicos, suárez, victoria abril, avant press, peligrosos gorriones y el otro yo, entre muchos otros.
También en la última década del siglo XX el mestizaje hace acto de presencia en el rock argentino: los fabulosos cadillacs se afirman como una banda de prestigio internacional.
Todos tus muertos llega incluso a estados unidos con su mezcla de reggae y punk y los auténticos decadentes siguen derrochando fiesta punk-pachanguera cada vez que se presentan en directo.
También en estos años se consolidan varios nombres propios:
Fito páez llega a vender 500.000 copias de su álbum el amor después del amor, gustavo cerati comienza su carrera en solitario tras la separación de soda stereo y andrés calamaro consigue el reconocimiento masivo tanto en argentina como en españa con su impecable alta suciedad.
Surgen bandas con propuestas y estilos diferentes:animal, con fuerte sonido metálico; fun people y su punk autogestivo; illya kuryaki & the valderramas y su original propuesta funk-hiphopera; y varios nombres cercanos a la escena electrónica...
por:<-oiluj rasec el rocker->si quieres mas articulos como esteSubscribe a mi blog por Email...es gratis
Sumo importante del pop-rock latinoamericano, Sumo impresionante maquinaria sonora imposible de clasificar
Mucho punk, new wave y ritmo mucha energía contenida…
Celeste carballo, fito páez, alejandro lerner que se sumaron a los grandes de la otra década charly Garcia, luis a.
Spinetta, litto nebbia, león gieco, raúl porchetto, david lebón, miguel cantilo.
Lentamente, el pop ganó espacio en la música de rock, y los grupos "modernos" fueron venciendo la resistencia del publico.
Contrariamente a lo que muchos pensaban, la llegada de la democracia tras los oscuros días de régimen militar mermó la popularidad del rock.
La intensa difusión lograda en la época de malvinas sirvió para ensanchar el margen de edad de los consumidores del género.
En 1983 resurgió el rock duro.
De la mano del viejo líder del estilo, pappo, con su grupo riff, el rock pesado se implantó como un metálico movimiento de resistencia del avance del pop.
Pero el furor no duró mucho y para el ‘84, el heavy metal comenzaba a mostrar sus primeros signos de eclipsamiento.
Sin embargo grupos como la torre y Púrpura mantuvieron viva la llama del rock and roll. los twist, virus, los abuelos... conformaron la punta del iceberg del rock moderno.
Si bien no estaba serú giran para liderar el panorama, la carrera solista de charly garcía sirvió de parámetro para medir las nuevas tendencias.
Miguel mateos y zas pudieron diferenciarse del resto con su segundo disco huevos, y el tercero, tengo que parar.
Cuatro muchachas díaz, epumer, sinessi y ruffianatti) conformaban viudas e hijas de roque enroll, una idea comercial que funcionó mejor de lo que se esperaba.
En 1985, sale al aire la radio rock & pop.
Es el primer intento de una radio que sólo se dedique al rock y resulta ser un boom de audiencia.
Con medios soda stereo grababa su segundo disco nada Personal, que iniciaba una escalada en el gusto popular.
También por aquellos días recorre el circuito rockero un grupo totalmente underground e independiente que lleva años en la escena: patricio rey y sus redonditos de ricota.
Oriundos de la ciudad de la plata y liderados por el indio solari y el guitarrista skay, tocaron durante años en salas de 200 personas sin que nadie pudiera imaginar que promediando los años 90 tocarían en estadios de fútbol para 100.000 personas manteniendo su clarísima postura de independencia.En Diciembre de 1987 muere luca prodan .
No podía controlar el alcoholismo.
Iban a internarse en una clínica para desintoxicarse, pero murió dos días antes de cobrar la suma que se lo permitiría.
Moría el hombre y nacía la leyenda.
Cuando el rock no había asimilado la perdida de luca, moría miguel abuelo.
Sólo, con pocos amigos alrededor y sin plata, dejaba este mundo cruel en marzo de 1988.
Otro nombre importante que aparece promediando los años 80 es el rosarino fito páez, que tras integrar la banda de juan carlos baglietto primero y la de charly garcía después, comenzaría una exitosa carrera solista.
Llegan también los heavies v8 y rata blanca; los rockeros con sonido stone, ratones paranoicos; los punkeros ramonianos de attaque 77;
Las pelotas y divididos, estos dos últimos nacidos de las cenizas de Sumo, tras la muerte de su lider, luca prodan.
El éxito comercial sin precedentes que consigue patricio rey y sus redonditos de ricota polariza por completo la escena del rock argentino.
A la sombra de los redondos surge un movimiento musical denominado rock barrial o rock chabón, bandas de rock con temática barrial y alusiones a las drogas, el alcohol y el rechazo a la policía y las autoridades.
Esta corriente musical se masifica y muchos de los grupos surgidos venden gran cantidad de discos y llenan grandes recintos en sus conciertos.
En esta corriente se enrolan la renga, los piojos, los caballeros de la quema, viejas locas y los más veteranos divididos, las pelotas y bersuit vergarabat.
Por otra parte, y con una repercusión comercial muchísimo menor, surge el denominado Nuevo Rock argentino, integrado por grupos y bandas de sonidos alternativos y vanguardistas:
Babasónicos, suárez, victoria abril, avant press, peligrosos gorriones y el otro yo, entre muchos otros.
También en la última década del siglo XX el mestizaje hace acto de presencia en el rock argentino: los fabulosos cadillacs se afirman como una banda de prestigio internacional.
Todos tus muertos llega incluso a estados unidos con su mezcla de reggae y punk y los auténticos decadentes siguen derrochando fiesta punk-pachanguera cada vez que se presentan en directo.
También en estos años se consolidan varios nombres propios:
Fito páez llega a vender 500.000 copias de su álbum el amor después del amor, gustavo cerati comienza su carrera en solitario tras la separación de soda stereo y andrés calamaro consigue el reconocimiento masivo tanto en argentina como en españa con su impecable alta suciedad.
Surgen bandas con propuestas y estilos diferentes:animal, con fuerte sonido metálico; fun people y su punk autogestivo; illya kuryaki & the valderramas y su original propuesta funk-hiphopera; y varios nombres cercanos a la escena electrónica...
por:<-oiluj rasec el rocker->si quieres mas articulos como esteSubscribe a mi blog por Email...es gratis
lunes, 8 de junio de 2009
Quinteto británico Deep Purple
por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock
Es una de las más legendarias bandas de la historia del rock y pilar fundamental del Hard-Rock, uno de los géneros con mas seguidores en el mundo.
La noche caraqueña se volverá púrpura.
Que una agrupación de rock pueda alcanzar los 40 años de actividad y vigencia no es común.Deep Purple es un caso particular, una banda que ha conservado la lealtad de sus viejos fans, influenciado a una miríada de bandas alrededor del planeta y ganado nuevos adeptos a través del tiempo, aún a pesar de las idas y venidas de algunos de sus más conocidos integrantes y que su período más fértil e influyente se ubica en la primera mitad de los años 70.
Deep Purple definió el sonido clásico del Hard Rock gracias en especial a la voz de Ian Gillan y la guitarra de Ritchie Blackmore.
Con la trilogía In Rock (1970), Fireball (1971) y Machine Head (1972) se convirtió en uno de los vértices a partir del cual se desarrolló el Heavy Metal, un género del cual, paradójicamente, siempre ha guardado una distancia prudencial.
A Deep Purple se deben algunas de las más representativas canciones de la historia del rock, famosas por los legendarios riffs y solos de guitarra de Blackmore.
Las catárquicas vocalizaciones de Gillan, las densas y distintivas excursiones del órgano de John Lord y una base rítmica efectiva comandada durante 40 años por el baterista Ian Pace, único músico que ha aparecido en todos sus discos.
Canciones como “Smoke on The Water”, “Highway Star”, “Lazy”, “Space Truckin’”, “Fireball”, “When a Blind Man Cries”, “Child on Time” o el tempranero éxito de 1968, “Hush”, son columna vertebral de su historia y de la de un género popular en todo el planeta.
Luego de la primera etapa con Nick Simper (bajo) y Rod Evans (voz), en la que aun tenían influencia de la psicodelia, apareció Concerto for Group and Orquestra (1970), uno de los primeros intentos serios de una banda de rock junto a una orquesta sinfónica.
Tras él Blackmore tomó el control y el grupo emprendió la etapa más exitosa de su carrera, unos años que fueron testigos de su conversión en una de las más grandes bandas en vivo del mundo, junto a Led Zeppelín y The Rolling Stones.
De uno de esos shows surgió Made in Japan (1972), ubicado por fans y crítica en el panteón de los mejores discos en directo de todos los tiempos, el primero de una larguísima lista de álbumes en vivo editados en las siguientes décadas, muchas veces para tapar las carencias de nuevo material o simplemente para saciar el apetito de los seguidores más leales.
La historia ha dejado claro que los escenarios son el lugar ideal para Deep Purple.
La retroalimentación con el público, aunado a que en estos tiempos los conciertos son la principal fuente de ingresos para los músicos, hacen que la banda haya sobrevivido a la oxidación y a importantes deserciones como la de John Lord y Ritchie Blackmore.
Como muchas bandas longevas, Deep Purple no ha escapado a los cambios de formación, a las reconciliaciones y desencuentros cada cierto tiempo. Cuando ya habían escalado el Olimpo, Gillan y Glover abandonaron el grupo en 1973. Hoy son de nuevo el soporte del grupo.
El siguiente gran varapalo lo dio Blackmore quien después de grabar Stormbringer (1974) se retiró para formar su nueva banda Rainbow. Su reemplazante de entonces, Tommy Bolin, apenas alcanzó a grabar un disco, Come On Taste The Band (1975), luego del cual comenzó un largo período de hibernación, roto en 1984.
Fue la llegada del guitarrista Steve Morse en Purpendicular (1996), lo que trajo la estabilidad perdida. Bananas (2003) y Rapture of The Deep (2005) son dos discos dignos, los cuales han estado presentando por todo el planeta durante varios años.
La noche púrpura
Deep Purple visita Caracas en el cierre de la gira latinoamericana que incluyó conciertos en Ecuador, Mexico, Argentina, Brasil, Perú y Chile.
La formación actual incluye a uno solo de los fundadores, Ian Pace (batería), dos miembros de la etapa clasica de 1969-73, Ian Gillan (voz) y Roger Glover (bajo) y dos miembros claves en el resurgimiento de la banda, Steve Morse (guitarra) y Don Airey (teclados), quienes han tenido la inmensa responsabilidad de sustituir a los fundadores Jon Lord y Ritchie Blackmore, responsables de su sonido.
por:<-oiluj rasec el rocker->si quieres mas articulos como esteSubscribe a mi blog por Email…es gratis
Para recibir mas articulos como este, Subscribete gratis a Publicalpha por Email
Para: Publicalpha.com
Es una de las más legendarias bandas de la historia del rock y pilar fundamental del Hard-Rock, uno de los géneros con mas seguidores en el mundo.
La noche caraqueña se volverá púrpura.
Que una agrupación de rock pueda alcanzar los 40 años de actividad y vigencia no es común.Deep Purple es un caso particular, una banda que ha conservado la lealtad de sus viejos fans, influenciado a una miríada de bandas alrededor del planeta y ganado nuevos adeptos a través del tiempo, aún a pesar de las idas y venidas de algunos de sus más conocidos integrantes y que su período más fértil e influyente se ubica en la primera mitad de los años 70.
Deep Purple definió el sonido clásico del Hard Rock gracias en especial a la voz de Ian Gillan y la guitarra de Ritchie Blackmore.
Con la trilogía In Rock (1970), Fireball (1971) y Machine Head (1972) se convirtió en uno de los vértices a partir del cual se desarrolló el Heavy Metal, un género del cual, paradójicamente, siempre ha guardado una distancia prudencial.
A Deep Purple se deben algunas de las más representativas canciones de la historia del rock, famosas por los legendarios riffs y solos de guitarra de Blackmore.
Las catárquicas vocalizaciones de Gillan, las densas y distintivas excursiones del órgano de John Lord y una base rítmica efectiva comandada durante 40 años por el baterista Ian Pace, único músico que ha aparecido en todos sus discos.
Canciones como “Smoke on The Water”, “Highway Star”, “Lazy”, “Space Truckin’”, “Fireball”, “When a Blind Man Cries”, “Child on Time” o el tempranero éxito de 1968, “Hush”, son columna vertebral de su historia y de la de un género popular en todo el planeta.
Luego de la primera etapa con Nick Simper (bajo) y Rod Evans (voz), en la que aun tenían influencia de la psicodelia, apareció Concerto for Group and Orquestra (1970), uno de los primeros intentos serios de una banda de rock junto a una orquesta sinfónica.
Tras él Blackmore tomó el control y el grupo emprendió la etapa más exitosa de su carrera, unos años que fueron testigos de su conversión en una de las más grandes bandas en vivo del mundo, junto a Led Zeppelín y The Rolling Stones.
De uno de esos shows surgió Made in Japan (1972), ubicado por fans y crítica en el panteón de los mejores discos en directo de todos los tiempos, el primero de una larguísima lista de álbumes en vivo editados en las siguientes décadas, muchas veces para tapar las carencias de nuevo material o simplemente para saciar el apetito de los seguidores más leales.
La historia ha dejado claro que los escenarios son el lugar ideal para Deep Purple.
La retroalimentación con el público, aunado a que en estos tiempos los conciertos son la principal fuente de ingresos para los músicos, hacen que la banda haya sobrevivido a la oxidación y a importantes deserciones como la de John Lord y Ritchie Blackmore.
Como muchas bandas longevas, Deep Purple no ha escapado a los cambios de formación, a las reconciliaciones y desencuentros cada cierto tiempo. Cuando ya habían escalado el Olimpo, Gillan y Glover abandonaron el grupo en 1973. Hoy son de nuevo el soporte del grupo.
El siguiente gran varapalo lo dio Blackmore quien después de grabar Stormbringer (1974) se retiró para formar su nueva banda Rainbow. Su reemplazante de entonces, Tommy Bolin, apenas alcanzó a grabar un disco, Come On Taste The Band (1975), luego del cual comenzó un largo período de hibernación, roto en 1984.
Fue la llegada del guitarrista Steve Morse en Purpendicular (1996), lo que trajo la estabilidad perdida. Bananas (2003) y Rapture of The Deep (2005) son dos discos dignos, los cuales han estado presentando por todo el planeta durante varios años.
La noche púrpura
Deep Purple visita Caracas en el cierre de la gira latinoamericana que incluyó conciertos en Ecuador, Mexico, Argentina, Brasil, Perú y Chile.
La formación actual incluye a uno solo de los fundadores, Ian Pace (batería), dos miembros de la etapa clasica de 1969-73, Ian Gillan (voz) y Roger Glover (bajo) y dos miembros claves en el resurgimiento de la banda, Steve Morse (guitarra) y Don Airey (teclados), quienes han tenido la inmensa responsabilidad de sustituir a los fundadores Jon Lord y Ritchie Blackmore, responsables de su sonido.
por:<-oiluj rasec el rocker->si quieres mas articulos como esteSubscribe a mi blog por Email…es gratis
Para recibir mas articulos como este, Subscribete gratis a Publicalpha por Email
Para: Publicalpha.com
martes, 2 de junio de 2009
Historia de la guitarra eléctrica
Por:Giovanni BV->Visita mi blog y aprende mas de guitarra
COMPLETO (PARTE1 Y PARTE 2)
EL PASO HACIA LA GUITARRA ELÉCTRICAEn los años veinte las guitarras se usaban en jazz y para acomprañar bailes: el protagonísmo que tradicionalmente había tenído el banjo hasta entonces fue desapareciendo en favor de los modelos como la Gibson L-5.
Debido al poco volumen natural de la guitarra, comparada con otros instrumentos, su utilización se limitaba por lo general al acompañamiento rítmico.
la solución apareció con el desarrollo de la pastilla magnética.Buscando cómo resolver el problema del volumen de la guitarra, Lloyd Loar, uno de los ingenieros de Gibson, empezó a experimentar con imanes, y ya en 1924 diseñó una primera pastílla que podía instalarse en una guitarra tradicional de seis cuerdas.
Gibson no supo valorar la importancia de este hecho, y Loar acabó por fundar su propia empresa, Vivitone, donde empezó a producir sus sistemas de pastíllas sensoras en los años treinta; antes ya había tenido un papel muy activo en el desarrollo de la extraordinaria L-5.
El mayor avance se produjo en 1931, cuando Paul Barth y George Beauchamp, empleados de la Compañía Nacional en California, que también había estado creando pastillas, se asociaron con Adolph Rickenbacker para formar la “Electro String Company”, la primera en comercializar instrumentos eléctricos.
Juntos crearon las guitarras de acero y aluminio fundído, conocidas como “sarténes” por su forma.
LAS PRIMERAS GUITARRAS ELÉCTRICAS “AUTÉNTICAS”En 1932 Rickenbacker probó su nuevo invento con la guitarra, creando la primera guitarra eléctrica, la “Electro Spanish”.
Era un diseño básico de tapa abombada provista de la misma pastilla magnética en forma de herradura de la “sartén”.
Sin embargo, sería la famosa Gibson ES-150, lanzada en 1935, la que cautivó al guitarrista de jazz Charlie Christian, y fue precisamente él el responsable, más que ningún otro músico, d proponer la guitarra eléctrica como un instrumento musical serio.
LA ERA DE LAS GUITARRAS COMPACTASDurante los años cuarenta, varias personas sin relación alguna se dispusieron a diseñar y fabricar una guitarra eléctrica compacta. Aunque no se sabe quién lo consiguió primero, lo cierto es que Les Paul y Paul Bigsby fueron los verdaderos pioneros. Leo Fender fue el responsable de dar a conocer la idea.
Cómo surgió la idea
El principal problema de incorporar pastíllas a las guitarras acústicas era que, si el volumen del amplificador era demasiado alto, el sonido del altavoz hacía vibrar el cuerpo de la guitarra produciendose una molesta distorsión del sonido conocida como “feedback” o realimentación.
La solución lógica era aumentar la masa del instrumento, para reducir su capacidad de vibración; de aquí que aparecieran las guitarras eléctricas compactas (o de cuerpo sólido).No hay acuerdo respecto a quién fue el que creó la primera de ellas.
A principios de los años cuarenta el guitarrista de country-jazz Les Paul creó su propia guitarra “Log” (tronco), usando un mástil Gibson adherido a un bloque de madera de pino, sobre el cual se montaron las pastillas y el puente.
Cuando trató de vender la idea a Gibson, éste no demostró ningún interés en ese momento.
Otro candidato era Paul Bigsby, quien, ayudado en el diseño por el guitarrista de country Merle Travis, creó una forma con claras influencias de los diseños de Fender.
Se fabricaron una docena de instrumentos, por lo que cabe hablar de la primera producción de guitarras eléctricas compactas.
Empieza una nueva eraLeo Fender es el nombre más importante en la historia de estas guitarras.
Propietario de una tienda de reparaciones de aparatos eléctricos, fundó en 1946 la “Fender Electrical Instrument Company” para la fabricación de guitarras eléctricas y amplificadores.
Dos años más tarde, juntamente con uno de sus empleados, George Fullerton, decidió crear una línea de producción de guitarras eléctricas compactas.
En 1950 su diseño vió la luz por primera vez: La “Fender Broadcaster”. Un año despues, obligado por la empresa Gretsh que fabricaba tambores “Broadcaster”, rebautizó su instrumento con el nombre de “Telecaster”.
Presa de pánico por el éxito de este primer instrumento compacto, Gibson se puso otra vez en contacto con Les Paul, de quien se había reído por sus “palos de escoba con pastillas” unos años antes, y le propuso que tomara parte en la creación de un instrumento rival.
La nueva guitarra, lanzada al mercado en 1952, llevaba su propio nombre: la Gibson Les Paul Standard, a la cual Fender respondió, dos años más tarde, con la “Stratocaster”, tal vez la más famosa de todas.
Las dos guitarras de Fender se fabrican desde entonces y siguen siendo dos de las guitarras eléctricas más populares que se hayan hecho jamás.
La de Les Paul tuvo un bajón entre 1961 y 1967, aunque la demanda de modelos clásicos la llevó a un relanzamiento exitoso.
Ésta última se continúa produciendo desde entonces, aunque las originales de finales de los años cincuenta se consideran hoy en día piezas de coleccionista, y es más probable encontrarlas en la caja fuerte de un banco que en un concierto de rock.
Aunque Fender y Gibson con los fabricantes de guitarras eléctricas más famosos, también ha habído otros buenos fabricantes en Estados Unidos a lo largo de los años, nombres clásicos como Gretsch, Rickenbacker, Epiphone y Kramer en los años setenta, y Jackson y Paul Reed Smith en los ochenta.
Los fabricantes europeos Selmer, Vox, Hofner y Burns, también han dejado su huella en la historia de la guitarra.
En los años ochenta, las imitaciones baratas llegaron a ser un problema; desde hacía largo tiempo, los fabricantes japoneses hacían réplicas a bajo precio de la mayoría de los modelos clásicos de Fender y Gibson.
Al principio no significaron una seria amenaza ya que eran de muy baja calidad, pero a medida que empresas como Tokai empezaron a imitarlas, surgió un problema de competencia.
Esto llevó a Fender a empezar a fabricar en países como Corea y México versiones alternatívas de sus propias guitarras, premitiendo a principiantes o personas con un poder adquisitívo bajo tener guitarras Fender originales y bien fabricadas, en caso de no poder permitirse las de alta calidad fabricadas en Estados Unidos.Al mismo tiempo, algunas compañías japonesas empezaron a tener reputación por sus propios diseños.
Ibanez, por ejemplo, que junto con Steve Vai crearon los modelos Jem y Universe, es hoy día un constructor muy respetado, y sus mejores instrumentos pueden competir en calidad precio.
EL FUTURO DE LA GUITARRA ELÉCTRICAHay que admitir que en los últimos 40 años ha habido pocos cambios de fondo en el mundo de la guitarra.
Los fabricantes han probado nuevas formas: la Steinberg “sin cabeza” fue popular durante un breve tiempo en los años ochenta, mientras que la guitarra acústica Ovation, con la espalda redondeada, creada a finales de los años setenta, ha permanecído como estandar de su clase.
También han probado nuevos materiales: Dan Armstrong creó instrumentos con cuerpo de plástico, y Kramer utilizó mástiles de aluminio y, aunque en ambos casos se reducía su peso, los intérpretes las siguieron prefiriendo de madera.
También se han producído cambios radicales en la manera de tocar.A principios de los años ochenta mucha gente pensó que el siguiente paso en la evolución de la guitarra sería un instrumento híbrido con sitetizador.
Ejemplo de ello fueron el Synthaxe y el Stepp, ciertamente muy impresionantes, pero de coste elevado.
El fabricante japonés Roland creó un sistema de conectores MIDI que puede colocarse en una guitarra estándar y que permite controlar unidades MIDI extrernas con gran precisión.
A pesar del empeño que puso en ello, los guitarristas que tocan con sintetízador continúan siendo pocos.
Por lo que respecta a los periféricos, como el amplificador, efectos y amplificación, los diseños ingeniosos (como el sistema de bloqueo de Floyd Rose) y la tecnología digital han producído los mejores adelantos.
En cuanto al instrumento se refiere, parece que para la gran mayoría de los intérpretes ya se ha inventado el formato perfécto, y ello quizá sea debído a que los compradores de guitarras son, por lo general, muy conservadores.
No deja de resultar extraño que el más querido y deseado instrumento sólido sea un modelo creado hace casi medio siglo.
Podría deberse a cierta nostalgia -entre quienes vean una Gretsch Double Anniversary como una asequible alternatíva a una Coupe de Ville clásica-, pero la razón podría ser más sencilla: quizá los gustos de Leo Fender, Paul Bigsby, Merle Travis y Les Paul fueran acertados desde el principio.
Fuentes: Método Completo de Guitarra - Editorial ParramónTerry Burrows
Articulo anterior de este autor: Historia de la guitarra eléctrica (parte 1)
Para recibir mas articulos como este, Subscribete gratis a Publicalpha por Email
Para: Publicalpha.com
COMPLETO (PARTE1 Y PARTE 2)
EL PASO HACIA LA GUITARRA ELÉCTRICAEn los años veinte las guitarras se usaban en jazz y para acomprañar bailes: el protagonísmo que tradicionalmente había tenído el banjo hasta entonces fue desapareciendo en favor de los modelos como la Gibson L-5.
Debido al poco volumen natural de la guitarra, comparada con otros instrumentos, su utilización se limitaba por lo general al acompañamiento rítmico.
la solución apareció con el desarrollo de la pastilla magnética.Buscando cómo resolver el problema del volumen de la guitarra, Lloyd Loar, uno de los ingenieros de Gibson, empezó a experimentar con imanes, y ya en 1924 diseñó una primera pastílla que podía instalarse en una guitarra tradicional de seis cuerdas.
Gibson no supo valorar la importancia de este hecho, y Loar acabó por fundar su propia empresa, Vivitone, donde empezó a producir sus sistemas de pastíllas sensoras en los años treinta; antes ya había tenido un papel muy activo en el desarrollo de la extraordinaria L-5.
El mayor avance se produjo en 1931, cuando Paul Barth y George Beauchamp, empleados de la Compañía Nacional en California, que también había estado creando pastillas, se asociaron con Adolph Rickenbacker para formar la “Electro String Company”, la primera en comercializar instrumentos eléctricos.
Juntos crearon las guitarras de acero y aluminio fundído, conocidas como “sarténes” por su forma.
LAS PRIMERAS GUITARRAS ELÉCTRICAS “AUTÉNTICAS”En 1932 Rickenbacker probó su nuevo invento con la guitarra, creando la primera guitarra eléctrica, la “Electro Spanish”.
Era un diseño básico de tapa abombada provista de la misma pastilla magnética en forma de herradura de la “sartén”.
Sin embargo, sería la famosa Gibson ES-150, lanzada en 1935, la que cautivó al guitarrista de jazz Charlie Christian, y fue precisamente él el responsable, más que ningún otro músico, d proponer la guitarra eléctrica como un instrumento musical serio.
LA ERA DE LAS GUITARRAS COMPACTASDurante los años cuarenta, varias personas sin relación alguna se dispusieron a diseñar y fabricar una guitarra eléctrica compacta. Aunque no se sabe quién lo consiguió primero, lo cierto es que Les Paul y Paul Bigsby fueron los verdaderos pioneros. Leo Fender fue el responsable de dar a conocer la idea.
Cómo surgió la idea
El principal problema de incorporar pastíllas a las guitarras acústicas era que, si el volumen del amplificador era demasiado alto, el sonido del altavoz hacía vibrar el cuerpo de la guitarra produciendose una molesta distorsión del sonido conocida como “feedback” o realimentación.
La solución lógica era aumentar la masa del instrumento, para reducir su capacidad de vibración; de aquí que aparecieran las guitarras eléctricas compactas (o de cuerpo sólido).No hay acuerdo respecto a quién fue el que creó la primera de ellas.
A principios de los años cuarenta el guitarrista de country-jazz Les Paul creó su propia guitarra “Log” (tronco), usando un mástil Gibson adherido a un bloque de madera de pino, sobre el cual se montaron las pastillas y el puente.
Cuando trató de vender la idea a Gibson, éste no demostró ningún interés en ese momento.
Otro candidato era Paul Bigsby, quien, ayudado en el diseño por el guitarrista de country Merle Travis, creó una forma con claras influencias de los diseños de Fender.
Se fabricaron una docena de instrumentos, por lo que cabe hablar de la primera producción de guitarras eléctricas compactas.
Empieza una nueva eraLeo Fender es el nombre más importante en la historia de estas guitarras.
Propietario de una tienda de reparaciones de aparatos eléctricos, fundó en 1946 la “Fender Electrical Instrument Company” para la fabricación de guitarras eléctricas y amplificadores.
Dos años más tarde, juntamente con uno de sus empleados, George Fullerton, decidió crear una línea de producción de guitarras eléctricas compactas.
En 1950 su diseño vió la luz por primera vez: La “Fender Broadcaster”. Un año despues, obligado por la empresa Gretsh que fabricaba tambores “Broadcaster”, rebautizó su instrumento con el nombre de “Telecaster”.
Presa de pánico por el éxito de este primer instrumento compacto, Gibson se puso otra vez en contacto con Les Paul, de quien se había reído por sus “palos de escoba con pastillas” unos años antes, y le propuso que tomara parte en la creación de un instrumento rival.
La nueva guitarra, lanzada al mercado en 1952, llevaba su propio nombre: la Gibson Les Paul Standard, a la cual Fender respondió, dos años más tarde, con la “Stratocaster”, tal vez la más famosa de todas.
Las dos guitarras de Fender se fabrican desde entonces y siguen siendo dos de las guitarras eléctricas más populares que se hayan hecho jamás.
La de Les Paul tuvo un bajón entre 1961 y 1967, aunque la demanda de modelos clásicos la llevó a un relanzamiento exitoso.
Ésta última se continúa produciendo desde entonces, aunque las originales de finales de los años cincuenta se consideran hoy en día piezas de coleccionista, y es más probable encontrarlas en la caja fuerte de un banco que en un concierto de rock.
Aunque Fender y Gibson con los fabricantes de guitarras eléctricas más famosos, también ha habído otros buenos fabricantes en Estados Unidos a lo largo de los años, nombres clásicos como Gretsch, Rickenbacker, Epiphone y Kramer en los años setenta, y Jackson y Paul Reed Smith en los ochenta.
Los fabricantes europeos Selmer, Vox, Hofner y Burns, también han dejado su huella en la historia de la guitarra.
En los años ochenta, las imitaciones baratas llegaron a ser un problema; desde hacía largo tiempo, los fabricantes japoneses hacían réplicas a bajo precio de la mayoría de los modelos clásicos de Fender y Gibson.
Al principio no significaron una seria amenaza ya que eran de muy baja calidad, pero a medida que empresas como Tokai empezaron a imitarlas, surgió un problema de competencia.
Esto llevó a Fender a empezar a fabricar en países como Corea y México versiones alternatívas de sus propias guitarras, premitiendo a principiantes o personas con un poder adquisitívo bajo tener guitarras Fender originales y bien fabricadas, en caso de no poder permitirse las de alta calidad fabricadas en Estados Unidos.Al mismo tiempo, algunas compañías japonesas empezaron a tener reputación por sus propios diseños.
Ibanez, por ejemplo, que junto con Steve Vai crearon los modelos Jem y Universe, es hoy día un constructor muy respetado, y sus mejores instrumentos pueden competir en calidad precio.
EL FUTURO DE LA GUITARRA ELÉCTRICAHay que admitir que en los últimos 40 años ha habido pocos cambios de fondo en el mundo de la guitarra.
Los fabricantes han probado nuevas formas: la Steinberg “sin cabeza” fue popular durante un breve tiempo en los años ochenta, mientras que la guitarra acústica Ovation, con la espalda redondeada, creada a finales de los años setenta, ha permanecído como estandar de su clase.
También han probado nuevos materiales: Dan Armstrong creó instrumentos con cuerpo de plástico, y Kramer utilizó mástiles de aluminio y, aunque en ambos casos se reducía su peso, los intérpretes las siguieron prefiriendo de madera.
También se han producído cambios radicales en la manera de tocar.A principios de los años ochenta mucha gente pensó que el siguiente paso en la evolución de la guitarra sería un instrumento híbrido con sitetizador.
Ejemplo de ello fueron el Synthaxe y el Stepp, ciertamente muy impresionantes, pero de coste elevado.
El fabricante japonés Roland creó un sistema de conectores MIDI que puede colocarse en una guitarra estándar y que permite controlar unidades MIDI extrernas con gran precisión.
A pesar del empeño que puso en ello, los guitarristas que tocan con sintetízador continúan siendo pocos.
Por lo que respecta a los periféricos, como el amplificador, efectos y amplificación, los diseños ingeniosos (como el sistema de bloqueo de Floyd Rose) y la tecnología digital han producído los mejores adelantos.
En cuanto al instrumento se refiere, parece que para la gran mayoría de los intérpretes ya se ha inventado el formato perfécto, y ello quizá sea debído a que los compradores de guitarras son, por lo general, muy conservadores.
No deja de resultar extraño que el más querido y deseado instrumento sólido sea un modelo creado hace casi medio siglo.
Podría deberse a cierta nostalgia -entre quienes vean una Gretsch Double Anniversary como una asequible alternatíva a una Coupe de Ville clásica-, pero la razón podría ser más sencilla: quizá los gustos de Leo Fender, Paul Bigsby, Merle Travis y Les Paul fueran acertados desde el principio.
Fuentes: Método Completo de Guitarra - Editorial ParramónTerry Burrows
Articulo anterior de este autor: Historia de la guitarra eléctrica (parte 1)
Para recibir mas articulos como este, Subscribete gratis a Publicalpha por Email
Para: Publicalpha.com
martes, 26 de mayo de 2009
Afinacion y cuidado de la guitarra electrica.
por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock ...
Las partes que se compone una guitarra electrica.
El mastil se compone de las las clavijas, clavijero, cajetilla, traste, diapasón, y marcador de posición.
El cuerpo se compone de la pastilla, puente, palanca de vibrato, controles de tono y volumen, selector de pastilla y protector.
Las cuerdas se conocen por suposición siendo la mas gruesa la 6 y la mas delgada la 1.
Cuerda # 6 da la nota ”e” (mi).
Cuerda # 5 da la nota “a” (la).
Cuerda # 4 da la nota “d” ( re).
Cuerda # 3 da la nota “g” (sol).
Cuerda # 2 da la nota “b” (si).
Cuerda # 1 da la nota “e” (mi).
La afinación.
La mejor menera de conseguir una afinación precisa de la guitarra es utilizando un afinador electronico quepuede ser adquirido en cualquier tienda de musica.
En caso de notener unafinador se puede utilisar un silbatopara afinar o un diapasón el cualda la nota “la” (a) que es el sonido de la quinta cuerda al aire.
La afinación e debe igualar apretando o aflojando las cuerda lo cual se consigue girando ligeramente en uno u otro sentido las clavijas de afinación de cada cuerda.
Una ves que tengamos por ejemplo la 5 cuerda afinada podemos tomarla como base para ir afinando cada cuerda.
Puede tomarse como referencia cualquier otra cuerda aunque lo normales utilisar la 6 o 5 e ir descendiendo de la siguiente manera.
La cuerda 6ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 5ª cuerda al aire.
La cuerda 5ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 4ª cuerda al aire.
La cuerda 4ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 3ª cuerda al aire.
La cuerda 3ª tocada en el 4ª traste te dara el mismo sonido que la 2ª cuerda al aire.
La cuerda 2ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 1º cuerda al aire.
La cuerda 1º tocada al aire dara el mismo sonido que la 6ª cuerda al aire(octava).
Cuidados y limpieza.
Siempre que no se este utilizando guarde la guitarra dentro de su funda la manera mas simple de cuidar el acabado es limpiar la guitarra con un trapo sueve de algodón después de cada uso.
Esto evitara que se depositen impuresas que e acumulan a medida que se desprenden los acidos de la piel y la mantendra brillante durante mucho tiempo.
Las cuerdas deben de estar limpias si se decea un buen timbre y afinación.
La suciedad y la grasa se acumulan rapidamente altocar y la sal de la transpiracion produce corrosion si se deja aun en periodos muy breves.
Deben limpiarse después de tocar con una tela limpia sin pelusas que puede pasarse por debajo a traves del largo de las cuerda.
Su limpiesa disminuye la sensivilida al tocarlas alarga su vida util y mantiene su brillo original.
por:<-oiluj rasec el rocker->si quieres mas articulos como esteSubscribe a mi blog por Email...es gratis
Las partes que se compone una guitarra electrica.
El mastil se compone de las las clavijas, clavijero, cajetilla, traste, diapasón, y marcador de posición.
El cuerpo se compone de la pastilla, puente, palanca de vibrato, controles de tono y volumen, selector de pastilla y protector.
Las cuerdas se conocen por suposición siendo la mas gruesa la 6 y la mas delgada la 1.
Cuerda # 6 da la nota ”e” (mi).
Cuerda # 5 da la nota “a” (la).
Cuerda # 4 da la nota “d” ( re).
Cuerda # 3 da la nota “g” (sol).
Cuerda # 2 da la nota “b” (si).
Cuerda # 1 da la nota “e” (mi).
La afinación.
La mejor menera de conseguir una afinación precisa de la guitarra es utilizando un afinador electronico quepuede ser adquirido en cualquier tienda de musica.
En caso de notener unafinador se puede utilisar un silbatopara afinar o un diapasón el cualda la nota “la” (a) que es el sonido de la quinta cuerda al aire.
La afinación e debe igualar apretando o aflojando las cuerda lo cual se consigue girando ligeramente en uno u otro sentido las clavijas de afinación de cada cuerda.
Una ves que tengamos por ejemplo la 5 cuerda afinada podemos tomarla como base para ir afinando cada cuerda.
Puede tomarse como referencia cualquier otra cuerda aunque lo normales utilisar la 6 o 5 e ir descendiendo de la siguiente manera.
La cuerda 6ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 5ª cuerda al aire.
La cuerda 5ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 4ª cuerda al aire.
La cuerda 4ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 3ª cuerda al aire.
La cuerda 3ª tocada en el 4ª traste te dara el mismo sonido que la 2ª cuerda al aire.
La cuerda 2ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 1º cuerda al aire.
La cuerda 1º tocada al aire dara el mismo sonido que la 6ª cuerda al aire(octava).
Cuidados y limpieza.
Siempre que no se este utilizando guarde la guitarra dentro de su funda la manera mas simple de cuidar el acabado es limpiar la guitarra con un trapo sueve de algodón después de cada uso.
Esto evitara que se depositen impuresas que e acumulan a medida que se desprenden los acidos de la piel y la mantendra brillante durante mucho tiempo.
Las cuerdas deben de estar limpias si se decea un buen timbre y afinación.
La suciedad y la grasa se acumulan rapidamente altocar y la sal de la transpiracion produce corrosion si se deja aun en periodos muy breves.
Deben limpiarse después de tocar con una tela limpia sin pelusas que puede pasarse por debajo a traves del largo de las cuerda.
Su limpiesa disminuye la sensivilida al tocarlas alarga su vida util y mantiene su brillo original.
por:<-oiluj rasec el rocker->si quieres mas articulos como esteSubscribe a mi blog por Email...es gratis
miércoles, 13 de mayo de 2009
ALGUNOS GENEROS DE LA MUSICA
por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock
La Música es antes que todo un arte, que combina los sonidos y el silencio conforme a los principios de la melodía, la armonía y el ritmo, siendo estos sus elementos esenciales.
Al mismo tiempo, es una ciencia, por lo cual debe ser apreciada emocionalmente y comprendida intelectualmente.
Música es la combinación de sonidos agradables al oído.
Es el arte de combinar los sonidos de la voz humana o de instrumentos. Composición musical.
Arte de combinar los sonidos y los silencios, a lo largo de un tiempo, produciendo una secuencia sonora que transmite sensaciones agradables al oído, mediante las cuales se pretende expresar o comunicar un estado del espíritu.
Acid:
El estílo de música acid corresponde a la evolución del house hacia los sonidos crujientes, y repetitivos. Tomó como icono la famosa "carita feliz".
El Dj Pierre fue su inventor con el tema "Acid Trax".
Acid Jazz:
Corresponde a la combinación del jazz de siempre con ritmos de baile y rap.
Uno de los principales representantes de este estilo es el grupo US3 con una música que muestra un particular romance: el jazz, el rap y el hip-hop componen un incesto armónico que acaba en sorpresa.
Agropop:
El género viene de un pueblo de Andalucía (España) y que institucionalizó la agrupación "No me pises que llevo chanclas".
Es una mezcla de fino humor con lo más inesperado e improvisado que puede suceder en un bar de moda; es cantando con acento flamenco, pero con la universalidad inconfundible del pop.
Art-rock:
Es un término que se utiliza para hablar del rock conceptual y el rock progresivo. Es un concepto quizás ceñido a la dialéctica del rock europeo derivado del Liverpool sound.
Ambient:
Música electrónica caracterizada por la ausencia de ritmo. Es considerada una evolución del new age.
Arena Filtres:
Este género es sosegado y muy instrumentado, donde los temas son de corte sentimental a encajando perfectamente en la sociedad de los años sesenta.
Sus principales representantes son Chicago, Fleetwood, Boston, Eric Clapton, The Police y U2.
Bebop:
Surge con la segunda Guerra Mundial y fue un genero muy importante dentro de la evolución del jazz, ya que los músicos y casi todos los hombres en edad abandonan sus vidas para entregarlas en el campo de batalla.
Dejaron sus casas pero no los instrumentos para irradiar esta música al mundo. Desarrolló la poliritmia latente de la tradición jazz ,blues, la cruzó más con el Caribe y alteró significativamente el papel de instrumentos como la batería, que hasta entonces no tenían solos.
Introdujo el contrabajo como actor de peso.
Blues:
Género proveniente de los negros americanos y su contenido es básicamente social y sexual. Tiene dos variantes claramente identificadas:
el blues urbano, interpretado por voces femeninas acompañadas de piano; y el blues rural, interpretado por hombres acompañados de un banjo o guitarra.
Breakbeat:
Su ritmo está fundamentado en el hip-hop, y surgió como una corriente del techno en Gran Bretaña.
Calipso:
Es un género – rito en el que el ritmo está acompañado principalmente por percusión y voces.
Esta tradición musical está ligada a un baile en el que la utilización de las caderas es fundamental.Candombia:
Es la base del tango milonguero y surge presuntamente de la influencia de los marinos pertenecientes a una flota que Cuba tenía en el siglo XIX.
Los viajeros, además de pernoctar en Nueva Orleáns, lo hacían en el Río de La Plata en el propio Montevideo, y Buenos Aires.
Canción de protesta o propuesta:
Es el alma del blues siendo su origen y extensión. Como lo dice su nombre, es un canto de protesta ante la opresión y la injusticia social.
Cool – jazz:
Sobre la base del jazz, su particular cualidad es la de tener armonías sobrias y ritmos relajados.
Country:
Es una música vocal que se ocupa, en sus inicios, de la presentación y tratamiento de los problemas de los trabajadores y los blancos oprimidos.
Si embargo, en la tradición country hay muy poco de agresividad política colectiva.
Al contrario de la música negra, su problemática gira en torno a los efectos de la marginación social producto de la urbanización, pero con las expectativas de que con el trabajo y la voluntad individual es posible superarla.
DDance: De estilo cantado y melódico, es un género también conocido como música comercial. Su definición más amplia es la de conjunto de estilos de música de baile o electrónica.
Deep house:
Es una corriente del house mucho más calida que la tradicional.
Su principal influencia proviene del disco.
Disco:
Este género se caracteriza por la predominancia del ritmo sobre la melodía. Alcanzó su punto máximo de popularidad en los años setenta.
Eurobeat:
Este estilo, proveniente de Europa, es principalmente bailable y de melodías muy pegajosas, de instrumentación techno y con elementos del rap y el reagge.
Folk: Nació en Estados Unidos con figuras como Woody Guthrie, Pete Seeger, Bob Dylan y Joan Baez, teniendo sus raíces en las canciones populares.
Se caracteriza por la temática social y combativa de sus letras y la sencillez formal.Free
jazz:
Otorga libertad total al solista intérprete de jazz.
Garage:
Es un género hijo del disco y también del soul. Incorpora vibrantes voces cargadas de sentimiento.
Grunge:
Es un híbrido entre el rock y el punk originado en los años noventa. Su exponente máximo fue Kurt Cobain, el vocalista fallecido de la agrupación Nirvana.
HHip-Hop:
Este género es el padre del rap y su origen es principalmente urbano, su expresión máxima se da en la calle misma. Incluye expresiones tales como el graffiti y el breakdance.
House:
Este género bailable se caracteriza por un ritmo lento y la preponderancia del bajo en sus composiciones. A veces incorpora voces y/o melodías cantadas.
JJazz:
Originario de los Estados Unidos.
Concede gran importancia a la improvisación y se caracteriza por su ritmo cambiante. Surge a finales del siglo XIX de la conjunción de ritmos negroafricanos con melodías del folklore anglosajón. Sus características principales son el ritmo sincopado y la alternancia o superposición de los tiempos, el swing o balanceo que produce tensión emocional y la libertad de improvisación. En su origen recogió formas musicales tales como los espirituales y el godspel.
Música electrónica:
Se basa en tonos puros electrónicamente generados en el laboratorio.
Esta música fue desarrollada en los talleres de la radio de Colonia (Alemania) a partir de 1985, y sus exponentes se apoderaron de la música concreta en poco tiempo.
Música minimalista: El minimalismo es una corriente academicista típica de este siglo.
Se alimenta de lo sacro, de lo espiritual y se fundamenta en lo mínimo.
NNew Age: Sus raíces son el rock y el jazz.
En el tronco se injertan retoños de música étnica, electrónica y minimalista.Nueva onda: Este género, de raíces mexicanas, funde art-rock, ska, sicodélica, alternativa, gótica, metal, punk y pop.
Pop:
Se dice de la música popular ligera. Se desarrolló en los países anglosajones desde la década de los cincuenta bajo la influencia de estilos musicales negros, especialmente el rythm and blues, y de la música folk británica.
En la actualidad y desde hace décadas, constituye un importante fenómeno de comunicación de masas prácticamente en todo el mundo.
Ragtime:
Género musical de origen afro norteamericano que junto con el blues es la base del jazz. Es una música muy sincopada caracterizada por un bajo monótono. Alcanzó gran popularidad hacia 1900 gracias a la aparición de la pianola.
Rap:
Este género musical surgió en los barrios negros e hispanos neoyorquinos en los ochenta y alcanzó su apogeo en los noventa. Se caracteriza por un juego de réplicas y contrarréplicas de lenguaje combativo.
Reggae:
Estilo musical popular jamaiquino, de ritmo simple y repetitivo, que alcanzó su máxima difusión en los setenta gracias a los jamaiquinos residentes en Londres y al cantante Bob Marley.
TTango:
Fiesta y baile popular de Hispanoamérica.
Nació en los arrabales de Buenos Aires a principios del siglo XIX y con el tiempo se convirtió en el símbolo de la música argentina.
Tecno:
Es una variedad de la música pop desarrollada durante los años setenta y ochenta que utiliza instrumentos musicales electrónicos, especialmente sintetizadores.
Trance:
Esta variante del techno se originó en la ciudad alemana de Frankfurt a comienzos de los noventa, y combina ritmos rápidos con efectos ácidos.
Trancecore:
Es mucho más rápido que su padre:
el trance y se combina con el hardcore.
Trash metal:
Voces de ultratumba, casi rugidos, sobre bases guitarreras metálicas. Representó una revolución en el campo del heavy metal.
Trip-hop:
Es una evolución del hip hop (rapeo lento) que se abre a sonidos ambientales y tecnológicos, es decir, al tecno.
Trova:
Composición poética compuesta o cantada por los trovadores. Poesía o ferso. Composición poética escrita para ser cantada.
En Cuba significa mentira.
Underground:
Es una vertiente del house, que surgió en medio del ambiente musical de los clubs neoyorkinos.
También se utiliza para describir el estado inicial de cualquier género musical.
World Music:
Es el término que recopila la música tradicional de todas las naciones del mundo. Su escalada a la globalización se dio gracias a mezcla de ritmos e instrumentos modernos con la música étnica.
El principal exponente de este movimiento es Peter Gabriel.
Zarzuela:
Obra dramática y musical en la que alternativamente se habla, se canta y a veces se baila.
Las primeras representaciones de obras teatrales musicales españolas se dieron en la residencia real de La Zarzuela, en época de Felipe IV, y de ahí tomaron su nombre.
por:<-oiluj rasec el rocker->si quieres mas articulos como esteSubscribe a mi blog por Email...es gratis
La Música es antes que todo un arte, que combina los sonidos y el silencio conforme a los principios de la melodía, la armonía y el ritmo, siendo estos sus elementos esenciales.
Al mismo tiempo, es una ciencia, por lo cual debe ser apreciada emocionalmente y comprendida intelectualmente.
Música es la combinación de sonidos agradables al oído.
Es el arte de combinar los sonidos de la voz humana o de instrumentos. Composición musical.
Arte de combinar los sonidos y los silencios, a lo largo de un tiempo, produciendo una secuencia sonora que transmite sensaciones agradables al oído, mediante las cuales se pretende expresar o comunicar un estado del espíritu.
Acid:
El estílo de música acid corresponde a la evolución del house hacia los sonidos crujientes, y repetitivos. Tomó como icono la famosa "carita feliz".
El Dj Pierre fue su inventor con el tema "Acid Trax".
Acid Jazz:
Corresponde a la combinación del jazz de siempre con ritmos de baile y rap.
Uno de los principales representantes de este estilo es el grupo US3 con una música que muestra un particular romance: el jazz, el rap y el hip-hop componen un incesto armónico que acaba en sorpresa.
Agropop:
El género viene de un pueblo de Andalucía (España) y que institucionalizó la agrupación "No me pises que llevo chanclas".
Es una mezcla de fino humor con lo más inesperado e improvisado que puede suceder en un bar de moda; es cantando con acento flamenco, pero con la universalidad inconfundible del pop.
Art-rock:
Es un término que se utiliza para hablar del rock conceptual y el rock progresivo. Es un concepto quizás ceñido a la dialéctica del rock europeo derivado del Liverpool sound.
Ambient:
Música electrónica caracterizada por la ausencia de ritmo. Es considerada una evolución del new age.
Arena Filtres:
Este género es sosegado y muy instrumentado, donde los temas son de corte sentimental a encajando perfectamente en la sociedad de los años sesenta.
Sus principales representantes son Chicago, Fleetwood, Boston, Eric Clapton, The Police y U2.
Bebop:
Surge con la segunda Guerra Mundial y fue un genero muy importante dentro de la evolución del jazz, ya que los músicos y casi todos los hombres en edad abandonan sus vidas para entregarlas en el campo de batalla.
Dejaron sus casas pero no los instrumentos para irradiar esta música al mundo. Desarrolló la poliritmia latente de la tradición jazz ,blues, la cruzó más con el Caribe y alteró significativamente el papel de instrumentos como la batería, que hasta entonces no tenían solos.
Introdujo el contrabajo como actor de peso.
Blues:
Género proveniente de los negros americanos y su contenido es básicamente social y sexual. Tiene dos variantes claramente identificadas:
el blues urbano, interpretado por voces femeninas acompañadas de piano; y el blues rural, interpretado por hombres acompañados de un banjo o guitarra.
Breakbeat:
Su ritmo está fundamentado en el hip-hop, y surgió como una corriente del techno en Gran Bretaña.
Calipso:
Es un género – rito en el que el ritmo está acompañado principalmente por percusión y voces.
Esta tradición musical está ligada a un baile en el que la utilización de las caderas es fundamental.Candombia:
Es la base del tango milonguero y surge presuntamente de la influencia de los marinos pertenecientes a una flota que Cuba tenía en el siglo XIX.
Los viajeros, además de pernoctar en Nueva Orleáns, lo hacían en el Río de La Plata en el propio Montevideo, y Buenos Aires.
Canción de protesta o propuesta:
Es el alma del blues siendo su origen y extensión. Como lo dice su nombre, es un canto de protesta ante la opresión y la injusticia social.
Cool – jazz:
Sobre la base del jazz, su particular cualidad es la de tener armonías sobrias y ritmos relajados.
Country:
Es una música vocal que se ocupa, en sus inicios, de la presentación y tratamiento de los problemas de los trabajadores y los blancos oprimidos.
Si embargo, en la tradición country hay muy poco de agresividad política colectiva.
Al contrario de la música negra, su problemática gira en torno a los efectos de la marginación social producto de la urbanización, pero con las expectativas de que con el trabajo y la voluntad individual es posible superarla.
DDance: De estilo cantado y melódico, es un género también conocido como música comercial. Su definición más amplia es la de conjunto de estilos de música de baile o electrónica.
Deep house:
Es una corriente del house mucho más calida que la tradicional.
Su principal influencia proviene del disco.
Disco:
Este género se caracteriza por la predominancia del ritmo sobre la melodía. Alcanzó su punto máximo de popularidad en los años setenta.
Eurobeat:
Este estilo, proveniente de Europa, es principalmente bailable y de melodías muy pegajosas, de instrumentación techno y con elementos del rap y el reagge.
Folk: Nació en Estados Unidos con figuras como Woody Guthrie, Pete Seeger, Bob Dylan y Joan Baez, teniendo sus raíces en las canciones populares.
Se caracteriza por la temática social y combativa de sus letras y la sencillez formal.Free
jazz:
Otorga libertad total al solista intérprete de jazz.
Garage:
Es un género hijo del disco y también del soul. Incorpora vibrantes voces cargadas de sentimiento.
Grunge:
Es un híbrido entre el rock y el punk originado en los años noventa. Su exponente máximo fue Kurt Cobain, el vocalista fallecido de la agrupación Nirvana.
HHip-Hop:
Este género es el padre del rap y su origen es principalmente urbano, su expresión máxima se da en la calle misma. Incluye expresiones tales como el graffiti y el breakdance.
House:
Este género bailable se caracteriza por un ritmo lento y la preponderancia del bajo en sus composiciones. A veces incorpora voces y/o melodías cantadas.
JJazz:
Originario de los Estados Unidos.
Concede gran importancia a la improvisación y se caracteriza por su ritmo cambiante. Surge a finales del siglo XIX de la conjunción de ritmos negroafricanos con melodías del folklore anglosajón. Sus características principales son el ritmo sincopado y la alternancia o superposición de los tiempos, el swing o balanceo que produce tensión emocional y la libertad de improvisación. En su origen recogió formas musicales tales como los espirituales y el godspel.
Música electrónica:
Se basa en tonos puros electrónicamente generados en el laboratorio.
Esta música fue desarrollada en los talleres de la radio de Colonia (Alemania) a partir de 1985, y sus exponentes se apoderaron de la música concreta en poco tiempo.
Música minimalista: El minimalismo es una corriente academicista típica de este siglo.
Se alimenta de lo sacro, de lo espiritual y se fundamenta en lo mínimo.
NNew Age: Sus raíces son el rock y el jazz.
En el tronco se injertan retoños de música étnica, electrónica y minimalista.Nueva onda: Este género, de raíces mexicanas, funde art-rock, ska, sicodélica, alternativa, gótica, metal, punk y pop.
Pop:
Se dice de la música popular ligera. Se desarrolló en los países anglosajones desde la década de los cincuenta bajo la influencia de estilos musicales negros, especialmente el rythm and blues, y de la música folk británica.
En la actualidad y desde hace décadas, constituye un importante fenómeno de comunicación de masas prácticamente en todo el mundo.
Ragtime:
Género musical de origen afro norteamericano que junto con el blues es la base del jazz. Es una música muy sincopada caracterizada por un bajo monótono. Alcanzó gran popularidad hacia 1900 gracias a la aparición de la pianola.
Rap:
Este género musical surgió en los barrios negros e hispanos neoyorquinos en los ochenta y alcanzó su apogeo en los noventa. Se caracteriza por un juego de réplicas y contrarréplicas de lenguaje combativo.
Reggae:
Estilo musical popular jamaiquino, de ritmo simple y repetitivo, que alcanzó su máxima difusión en los setenta gracias a los jamaiquinos residentes en Londres y al cantante Bob Marley.
TTango:
Fiesta y baile popular de Hispanoamérica.
Nació en los arrabales de Buenos Aires a principios del siglo XIX y con el tiempo se convirtió en el símbolo de la música argentina.
Tecno:
Es una variedad de la música pop desarrollada durante los años setenta y ochenta que utiliza instrumentos musicales electrónicos, especialmente sintetizadores.
Trance:
Esta variante del techno se originó en la ciudad alemana de Frankfurt a comienzos de los noventa, y combina ritmos rápidos con efectos ácidos.
Trancecore:
Es mucho más rápido que su padre:
el trance y se combina con el hardcore.
Trash metal:
Voces de ultratumba, casi rugidos, sobre bases guitarreras metálicas. Representó una revolución en el campo del heavy metal.
Trip-hop:
Es una evolución del hip hop (rapeo lento) que se abre a sonidos ambientales y tecnológicos, es decir, al tecno.
Trova:
Composición poética compuesta o cantada por los trovadores. Poesía o ferso. Composición poética escrita para ser cantada.
En Cuba significa mentira.
Underground:
Es una vertiente del house, que surgió en medio del ambiente musical de los clubs neoyorkinos.
También se utiliza para describir el estado inicial de cualquier género musical.
World Music:
Es el término que recopila la música tradicional de todas las naciones del mundo. Su escalada a la globalización se dio gracias a mezcla de ritmos e instrumentos modernos con la música étnica.
El principal exponente de este movimiento es Peter Gabriel.
Zarzuela:
Obra dramática y musical en la que alternativamente se habla, se canta y a veces se baila.
Las primeras representaciones de obras teatrales musicales españolas se dieron en la residencia real de La Zarzuela, en época de Felipe IV, y de ahí tomaron su nombre.
por:<-oiluj rasec el rocker->si quieres mas articulos como esteSubscribe a mi blog por Email...es gratis
viernes, 1 de mayo de 2009
Historia de la guitarra eléctrica
Por:Giovanni BV->Visita mi blog y aprende mas de guitarra
COMPLETO (PARTE1 Y PARTE 2)
EL PASO HACIA LA GUITARRA ELÉCTRICAEn los años veinte las guitarras se usaban en jazz y para acomprañar bailes: el protagonísmo que tradicionalmente había tenído el banjo hasta entonces fue desapareciendo en favor de los modelos como la Gibson L-5. Debido al poco volumen natural de la guitarra, comparada con otros instrumentos, su utilización se limitaba por lo general al acompañamiento rítmico.
la solución apareció con el desarrollo de la pastilla magnética.Buscando cómo resolver el problema del volumen de la guitarra, Lloyd Loar, uno de los ingenieros de Gibson, empezó a experimentar con imanes, y ya en 1924 diseñó una primera pastílla que podía instalarse en una guitarra tradicional de seis cuerdas.
Gibson no supo valorar la importancia de este hecho, y Loar acabó por fundar su propia empresa, Vivitone, donde empezó a producir sus sistemas de pastíllas sensoras en los años treinta; antes ya había tenido un papel muy activo en el desarrollo de la extraordinaria L-5.
El mayor avance se produjo en 1931, cuando Paul Barth y George Beauchamp, empleados de la Compañía Nacional en California, que también había estado creando pastillas, se asociaron con Adolph Rickenbacker para formar la “Electro String Company”, la primera en comercializar instrumentos eléctricos.
Juntos crearon las guitarras de acero y aluminio fundído, conocidas como “sarténes” por su forma.LAS PRIMERAS GUITARRAS ELÉCTRICAS “AUTÉNTICAS”En 1932 Rickenbacker probó su nuevo invento con la guitarra, creando la primera guitarra eléctrica, la “Electro Spanish”.
Era un diseño básico de tapa abombada provista de la misma pastilla magnética en forma de herradura de la “sartén”.
Sin embargo, sería la famosa Gibson ES-150, lanzada en 1935, la que cautivó al guitarrista de jazz Charlie Christian, y fue precisamente él el responsable, más que ningún otro músico, d proponer la guitarra eléctrica como un instrumento musical serio.
LA ERA DE LAS GUITARRAS COMPACTASDurante los años cuarenta, varias personas sin relación alguna se dispusieron a diseñar y fabricar una guitarra eléctrica compacta.
Aunque no se sabe quién lo consiguió primero, lo cierto es que Les Paul y Paul Bigsby fueron los verdaderos pioneros.
Leo Fender fue el responsable de dar a conocer la idea.
Cómo surgió la idea
El principal problema de incorporar pastíllas a las guitarras acústicas era que, si el volumen del amplificador era demasiado alto, el sonido del altavoz hacía vibrar el cuerpo de la guitarra produciendose una molesta distorsión del sonido conocida como “feedback” o realimentación.
La solución lógica era aumentar la masa del instrumento, para reducir su capacidad de vibración; de aquí que aparecieran las guitarras eléctricas compactas (o de cuerpo sólido).No hay acuerdo respecto a quién fue el que creó la primera de ellas.
A principios de los años cuarenta el guitarrista de country-jazz Les Paul creó su propia guitarra “Log” (tronco), usando un mástil Gibson adherido a un bloque de madera de pino, sobre el cual se montaron las pastillas y el puente.
Cuando trató de vender la idea a Gibson, éste no demostró ningún interés en ese momento. Otro candidato era Paul Bigsby, quien, ayudado en el diseño por el guitarrista de country Merle Travis, creó una forma con claras influencias de los diseños de Fender.
Se fabricaron una docena de instrumentos, por lo que cabe hablar de la primera producción de guitarras eléctricas compactas.Empieza una nueva eraLeo Fender es el nombre más importante en la historia de estas guitarras. Propietario de una tienda de reparaciones de aparatos eléctricos, fundó en 1946 la “Fender Electrical Instrument Company” para la fabricación de guitarras eléctricas y amplificadores.
Dos años más tarde, juntamente con uno de sus empleados, George Fullerton, decidió crear una línea de producción de guitarras eléctricas compactas.
En 1950 su diseño vió la luz por primera vez: La “Fender Broadcaster”. Un año despues, obligado por la empresa Gretsh que fabricaba tambores “Broadcaster”, rebautizó su instrumento con el nombre de “Telecaster”.
Presa de pánico por el éxito de este primer instrumento compacto, Gibson se puso otra vez en contacto con Les Paul, de quien se había reído por sus “palos de escoba con pastillas” unos años antes, y le propuso que tomara parte en la creación de un instrumento rival.
La nueva guitarra, lanzada al mercado en 1952, llevaba su propio nombre: la Gibson Les Paul Standard, a la cual Fender respondió, dos años más tarde, con la “Stratocaster”, tal vez la más famosa de todas.
Las dos guitarras de Fender se fabrican desde entonces y siguen siendo dos de las guitarras eléctricas más populares que se hayan hecho jamás.
La de Les Paul tuvo un bajón entre 1961 y 1967, aunque la demanda de modelos clásicos la llevó a un relanzamiento exitoso.
Ésta última se continúa produciendo desde entonces, aunque las originales de finales de los años cincuenta se consideran hoy en día piezas de coleccionista, y es más probable encontrarlas en la caja fuerte de un banco que en un concierto de rock.Aunque Fender y Gibson con los fabricantes de guitarras eléctricas más famosos, también ha habído otros buenos fabricantes en Estados Unidos a lo largo de los años, nombres clásicos como Gretsch, Rickenbacker, Epiphone y Kramer en los años setenta, y Jackson y Paul Reed Smith en los ochenta.
Los fabricantes europeos Selmer, Vox, Hofner y Burns, también han dejado su huella en la historia de la guitarra.En los años ochenta, las imitaciones baratas llegaron a ser un problema; desde hacía largo tiempo, los fabricantes japoneses hacían réplicas a bajo precio de la mayoría de los modelos clásicos de Fender y Gibson.
Al principio no significaron una seria amenaza ya que eran de muy baja calidad, pero a medida que empresas como Tokai empezaron a imitarlas, surgió un problema de competencia. Esto llevó a Fender a empezar a fabricar en países como Corea y México versiones alternatívas de sus propias guitarras, premitiendo a principiantes o personas con un poder adquisitívo bajo tener guitarras Fender originales y bien fabricadas, en caso de no poder permitirse las de alta calidad fabricadas en Estados Unidos.Al mismo tiempo, algunas compañías japonesas empezaron a tener reputación por sus propios diseños.
Ibanez, por ejemplo, que junto con Steve Vai crearon los modelos Jem y Universe, es hoy día un constructor muy respetado, y sus mejores instrumentos pueden competir en calidad precio.EL FUTURO DE LA GUITARRA ELÉCTRICAHay que admitir que en los últimos 40 años ha habido pocos cambios de fondo en el mundo de la guitarra.
Los fabricantes han probado nuevas formas: la Steinberg “sin cabeza” fue popular durante un breve tiempo en los años ochenta, mientras que la guitarra acústica Ovation, con la espalda redondeada, creada a finales de los años setenta, ha permanecído como estandar de su clase.
También han probado nuevos materiales: Dan Armstrong creó instrumentos con cuerpo de plástico, y Kramer utilizó mástiles de aluminio y, aunque en ambos casos se reducía su peso, los intérpretes las siguieron prefiriendo de madera.
También se han producído cambios radicales en la manera de tocar.A principios de los años ochenta mucha gente pensó que el siguiente paso en la evolución de la guitarra sería un instrumento híbrido con sitetizador.
Ejemplo de ello fueron el Synthaxe y el Stepp, ciertamente muy impresionantes, pero de coste elevado.
El fabricante japonés Roland creó un sistema de conectores MIDI que puede colocarse en una guitarra estándar y que permite controlar unidades MIDI extrernas con gran precisión.
A pesar del empeño que puso en ello, los guitarristas que tocan con sintetízador continúan siendo pocos.Por lo que respecta a los periféricos, como el amplificador, efectos y amplificación, los diseños ingeniosos (como el sistema de bloqueo de Floyd Rose) y la tecnología digital han producído los mejores adelantos.
En cuanto al instrumento se refiere, parece que para la gran mayoría de los intérpretes ya se ha inventado el formato perfécto, y ello quizá sea debído a que los compradores de guitarras son, por lo general, muy conservadores.
No deja de resultar extraño que el más querido y deseado instrumento sólido sea un modelo creado hace casi medio siglo.
Podría deberse a cierta nostalgia -entre quienes vean una Gretsch Double Anniversary como una asequible alternatíva a una Coupe de Ville clásica-, pero la razón podría ser más sencilla: quizá los gustos de Leo Fender, Paul Bigsby, Merle Travis y Les Paul fueran acertados desde el principio.
Fuentes: Método Completo de Guitarra - Editorial ParramónTerry Burrows
Articulo anterior de este autor: Historia de la guitarra eléctrica (parte 1)
Para recibir mas articulos como este, Subscribete gratis a Publicalpha por Email
Para: Publicalpha.com
COMPLETO (PARTE1 Y PARTE 2)
EL PASO HACIA LA GUITARRA ELÉCTRICAEn los años veinte las guitarras se usaban en jazz y para acomprañar bailes: el protagonísmo que tradicionalmente había tenído el banjo hasta entonces fue desapareciendo en favor de los modelos como la Gibson L-5. Debido al poco volumen natural de la guitarra, comparada con otros instrumentos, su utilización se limitaba por lo general al acompañamiento rítmico.
la solución apareció con el desarrollo de la pastilla magnética.Buscando cómo resolver el problema del volumen de la guitarra, Lloyd Loar, uno de los ingenieros de Gibson, empezó a experimentar con imanes, y ya en 1924 diseñó una primera pastílla que podía instalarse en una guitarra tradicional de seis cuerdas.
Gibson no supo valorar la importancia de este hecho, y Loar acabó por fundar su propia empresa, Vivitone, donde empezó a producir sus sistemas de pastíllas sensoras en los años treinta; antes ya había tenido un papel muy activo en el desarrollo de la extraordinaria L-5.
El mayor avance se produjo en 1931, cuando Paul Barth y George Beauchamp, empleados de la Compañía Nacional en California, que también había estado creando pastillas, se asociaron con Adolph Rickenbacker para formar la “Electro String Company”, la primera en comercializar instrumentos eléctricos.
Juntos crearon las guitarras de acero y aluminio fundído, conocidas como “sarténes” por su forma.LAS PRIMERAS GUITARRAS ELÉCTRICAS “AUTÉNTICAS”En 1932 Rickenbacker probó su nuevo invento con la guitarra, creando la primera guitarra eléctrica, la “Electro Spanish”.
Era un diseño básico de tapa abombada provista de la misma pastilla magnética en forma de herradura de la “sartén”.
Sin embargo, sería la famosa Gibson ES-150, lanzada en 1935, la que cautivó al guitarrista de jazz Charlie Christian, y fue precisamente él el responsable, más que ningún otro músico, d proponer la guitarra eléctrica como un instrumento musical serio.
LA ERA DE LAS GUITARRAS COMPACTASDurante los años cuarenta, varias personas sin relación alguna se dispusieron a diseñar y fabricar una guitarra eléctrica compacta.
Aunque no se sabe quién lo consiguió primero, lo cierto es que Les Paul y Paul Bigsby fueron los verdaderos pioneros.
Leo Fender fue el responsable de dar a conocer la idea.
Cómo surgió la idea
El principal problema de incorporar pastíllas a las guitarras acústicas era que, si el volumen del amplificador era demasiado alto, el sonido del altavoz hacía vibrar el cuerpo de la guitarra produciendose una molesta distorsión del sonido conocida como “feedback” o realimentación.
La solución lógica era aumentar la masa del instrumento, para reducir su capacidad de vibración; de aquí que aparecieran las guitarras eléctricas compactas (o de cuerpo sólido).No hay acuerdo respecto a quién fue el que creó la primera de ellas.
A principios de los años cuarenta el guitarrista de country-jazz Les Paul creó su propia guitarra “Log” (tronco), usando un mástil Gibson adherido a un bloque de madera de pino, sobre el cual se montaron las pastillas y el puente.
Cuando trató de vender la idea a Gibson, éste no demostró ningún interés en ese momento. Otro candidato era Paul Bigsby, quien, ayudado en el diseño por el guitarrista de country Merle Travis, creó una forma con claras influencias de los diseños de Fender.
Se fabricaron una docena de instrumentos, por lo que cabe hablar de la primera producción de guitarras eléctricas compactas.Empieza una nueva eraLeo Fender es el nombre más importante en la historia de estas guitarras. Propietario de una tienda de reparaciones de aparatos eléctricos, fundó en 1946 la “Fender Electrical Instrument Company” para la fabricación de guitarras eléctricas y amplificadores.
Dos años más tarde, juntamente con uno de sus empleados, George Fullerton, decidió crear una línea de producción de guitarras eléctricas compactas.
En 1950 su diseño vió la luz por primera vez: La “Fender Broadcaster”. Un año despues, obligado por la empresa Gretsh que fabricaba tambores “Broadcaster”, rebautizó su instrumento con el nombre de “Telecaster”.
Presa de pánico por el éxito de este primer instrumento compacto, Gibson se puso otra vez en contacto con Les Paul, de quien se había reído por sus “palos de escoba con pastillas” unos años antes, y le propuso que tomara parte en la creación de un instrumento rival.
La nueva guitarra, lanzada al mercado en 1952, llevaba su propio nombre: la Gibson Les Paul Standard, a la cual Fender respondió, dos años más tarde, con la “Stratocaster”, tal vez la más famosa de todas.
Las dos guitarras de Fender se fabrican desde entonces y siguen siendo dos de las guitarras eléctricas más populares que se hayan hecho jamás.
La de Les Paul tuvo un bajón entre 1961 y 1967, aunque la demanda de modelos clásicos la llevó a un relanzamiento exitoso.
Ésta última se continúa produciendo desde entonces, aunque las originales de finales de los años cincuenta se consideran hoy en día piezas de coleccionista, y es más probable encontrarlas en la caja fuerte de un banco que en un concierto de rock.Aunque Fender y Gibson con los fabricantes de guitarras eléctricas más famosos, también ha habído otros buenos fabricantes en Estados Unidos a lo largo de los años, nombres clásicos como Gretsch, Rickenbacker, Epiphone y Kramer en los años setenta, y Jackson y Paul Reed Smith en los ochenta.
Los fabricantes europeos Selmer, Vox, Hofner y Burns, también han dejado su huella en la historia de la guitarra.En los años ochenta, las imitaciones baratas llegaron a ser un problema; desde hacía largo tiempo, los fabricantes japoneses hacían réplicas a bajo precio de la mayoría de los modelos clásicos de Fender y Gibson.
Al principio no significaron una seria amenaza ya que eran de muy baja calidad, pero a medida que empresas como Tokai empezaron a imitarlas, surgió un problema de competencia. Esto llevó a Fender a empezar a fabricar en países como Corea y México versiones alternatívas de sus propias guitarras, premitiendo a principiantes o personas con un poder adquisitívo bajo tener guitarras Fender originales y bien fabricadas, en caso de no poder permitirse las de alta calidad fabricadas en Estados Unidos.Al mismo tiempo, algunas compañías japonesas empezaron a tener reputación por sus propios diseños.
Ibanez, por ejemplo, que junto con Steve Vai crearon los modelos Jem y Universe, es hoy día un constructor muy respetado, y sus mejores instrumentos pueden competir en calidad precio.EL FUTURO DE LA GUITARRA ELÉCTRICAHay que admitir que en los últimos 40 años ha habido pocos cambios de fondo en el mundo de la guitarra.
Los fabricantes han probado nuevas formas: la Steinberg “sin cabeza” fue popular durante un breve tiempo en los años ochenta, mientras que la guitarra acústica Ovation, con la espalda redondeada, creada a finales de los años setenta, ha permanecído como estandar de su clase.
También han probado nuevos materiales: Dan Armstrong creó instrumentos con cuerpo de plástico, y Kramer utilizó mástiles de aluminio y, aunque en ambos casos se reducía su peso, los intérpretes las siguieron prefiriendo de madera.
También se han producído cambios radicales en la manera de tocar.A principios de los años ochenta mucha gente pensó que el siguiente paso en la evolución de la guitarra sería un instrumento híbrido con sitetizador.
Ejemplo de ello fueron el Synthaxe y el Stepp, ciertamente muy impresionantes, pero de coste elevado.
El fabricante japonés Roland creó un sistema de conectores MIDI que puede colocarse en una guitarra estándar y que permite controlar unidades MIDI extrernas con gran precisión.
A pesar del empeño que puso en ello, los guitarristas que tocan con sintetízador continúan siendo pocos.Por lo que respecta a los periféricos, como el amplificador, efectos y amplificación, los diseños ingeniosos (como el sistema de bloqueo de Floyd Rose) y la tecnología digital han producído los mejores adelantos.
En cuanto al instrumento se refiere, parece que para la gran mayoría de los intérpretes ya se ha inventado el formato perfécto, y ello quizá sea debído a que los compradores de guitarras son, por lo general, muy conservadores.
No deja de resultar extraño que el más querido y deseado instrumento sólido sea un modelo creado hace casi medio siglo.
Podría deberse a cierta nostalgia -entre quienes vean una Gretsch Double Anniversary como una asequible alternatíva a una Coupe de Ville clásica-, pero la razón podría ser más sencilla: quizá los gustos de Leo Fender, Paul Bigsby, Merle Travis y Les Paul fueran acertados desde el principio.
Fuentes: Método Completo de Guitarra - Editorial ParramónTerry Burrows
Articulo anterior de este autor: Historia de la guitarra eléctrica (parte 1)
Para recibir mas articulos como este, Subscribete gratis a Publicalpha por Email
Para: Publicalpha.com
Suscribirse a:
Entradas (Atom)