todo sobre el mundo del rock

Metallica en México, 4 de junio de 2009

2009-06-27T13:05:00.000-07:00

Este fue el concierto No 23 al que he asistido, uno de los mejores después de 10 años

sin Metallica visita la Ciudad de México realizando tres conciertos, el día 4, 6 y 7 de Junio de 2009teniendo como abridores del evento a la Banda Mexicana Resorte y a la banda Estadounidense Avenged Sevenfold, yo obtuve boletos para el día 4 y 6 de Junio de 2009.

La primera vez que escuche de Metallica fue el Master of Puppets desde ese momento mis gustos musicales dieron un completo giro, ya que antes solo oía a Ramnstein, Beastie Boys y variedad de grupos, pero en ese momento me incline por gustos del Hardcore y Metal como AC DC, Black Sabbath, y rock como Led Zeppelín y Deep Purple, siendo Metallica la banda de Trash Metal que más me influyo hasta para querer aprender a tocar la guitarra.

Reseña del concierto del día 4 de junio de 2009.

La narración de los hechos tal como los presencie, llegue al Foro Sol siendo las 4:00 pm fui junto con mi hermano Marco Antonio, ya que los dos somos muy fans de Metallica quedamos en la fila 4 del “General A” de pie el inicio del concierto fue a las 7:00 pm teniendo como abridor…..

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El rock an roll en la hitoria

2009-06-15T13:59:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock ....

Sumo importante del pop-rock latinoamericano, Sumo impresionante maquinaria sonora imposible de clasificar

Mucho punk, new wave y ritmo mucha energía contenida…

Celeste carballo, fito páez, alejandro lerner que se sumaron a los grandes de la otra década charly Garcia, luis a.

Spinetta, litto nebbia, león gieco, raúl porchetto, david lebón, miguel cantilo.

Lentamente, el pop ganó espacio en la música de rock, y los grupos "modernos" fueron venciendo la resistencia del publico.

Contrariamente a lo que muchos pensaban, la llegada de la democracia tras los oscuros días de régimen militar mermó la popularidad del rock.

La intensa difusión lograda en la época de malvinas sirvió para ensanchar el margen de edad de los consumidores del género.

En 1983 resurgió el rock duro.

De la mano del viejo líder del estilo, pappo, con su grupo riff, el rock pesado se implantó como un metálico movimiento de resistencia del avance del pop.

Pero el furor no duró mucho y para el ‘84, el heavy metal comenzaba a mostrar sus primeros signos de eclipsamiento.

Sin embargo grupos como la torre y Púrpura mantuvieron viva la llama del rock and roll. los twist, virus, los abuelos... conformaron la punta del iceberg del rock moderno.

Si bien no estaba serú giran para liderar el panorama, la carrera solista de charly garcía sirvió de parámetro para medir las nuevas tendencias.

Miguel mateos y zas pudieron diferenciarse del resto con su segundo disco huevos, y el tercero, tengo que parar.

Cuatro muchachas díaz, epumer, sinessi y ruffianatti) conformaban viudas e hijas de roque enroll, una idea comercial que funcionó mejor de lo que se esperaba.

En 1985, sale al aire la radio rock & pop.

Es el primer intento de una radio que sólo se dedique al rock y resulta ser un boom de audiencia.

Con medios soda stereo grababa su segundo disco nada Personal, que iniciaba una escalada en el gusto popular.

También por aquellos días recorre el circuito rockero un grupo totalmente underground e independiente que lleva años en la escena: patricio rey y sus redonditos de ricota.

Oriundos de la ciudad de la plata y liderados por el indio solari y el guitarrista skay, tocaron durante años en salas de 200 personas sin que nadie pudiera imaginar que promediando los años 90 tocarían en estadios de fútbol para 100.000 personas manteniendo su clarísima postura de independencia.En Diciembre de 1987 muere luca prodan .

No podía controlar el alcoholismo.

Iban a internarse en una clínica para desintoxicarse, pero murió dos días antes de cobrar la suma que se lo permitiría.

Moría el hombre y nacía la leyenda.

Cuando el rock no había asimilado la perdida de luca, moría miguel abuelo.
Sólo, con pocos amigos alrededor y sin plata, dejaba este mundo cruel en marzo de 1988.

Otro nombre importante que aparece promediando los años 80 es el rosarino fito páez, que tras integrar la banda de juan carlos baglietto primero y la de charly garcía después, comenzaría una exitosa carrera solista.

Llegan también los heavies v8 y rata blanca; los rockeros con sonido stone, ratones paranoicos; los punkeros ramonianos de attaque 77;

Las pelotas y divididos, estos dos últimos nacidos de las cenizas de Sumo, tras la muerte de su lider, luca prodan.

El éxito comercial sin precedentes que consigue patricio rey y sus redonditos de ricota polariza por completo la escena del rock argentino.

A la sombra de los redondos surge un movimiento musical denominado rock barrial o rock chabón, bandas de rock con temática barrial y alusiones a las drogas, el alcohol y el rechazo a la policía y las autoridades.

Esta corriente musical se masifica y muchos de los grupos surgidos venden gran cantidad de discos y llenan grandes recintos en sus conciertos.

En esta corriente se enrolan la renga, los piojos, los caballeros de la quema, viejas locas y los más veteranos divididos, las pelotas y bersuit vergarabat.

Por otra parte, y con una repercusión comercial muchísimo menor, surge el denominado Nuevo Rock argentino, integrado por grupos y bandas de sonidos alternativos y vanguardistas:

Babasónicos, suárez, victoria abril, avant press, peligrosos gorriones y el otro yo, entre muchos otros.

También en la última década del siglo XX el mestizaje hace acto de presencia en el rock argentino: los fabulosos cadillacs se afirman como una banda de prestigio internacional.

Todos tus muertos llega incluso a estados unidos con su mezcla de reggae y punk y los auténticos decadentes siguen derrochando fiesta punk-pachanguera cada vez que se presentan en directo.
También en estos años se consolidan varios nombres propios:

Fito páez llega a vender 500.000 copias de su álbum el amor después del amor, gustavo cerati comienza su carrera en solitario tras la separación de soda stereo y andrés calamaro consigue el reconocimiento masivo tanto en argentina como en españa con su impecable alta suciedad.

Surgen bandas con propuestas y estilos diferentes:animal, con fuerte sonido metálico; fun people y su punk autogestivo; illya kuryaki & the valderramas y su original propuesta funk-hiphopera; y varios nombres cercanos a la escena electrónica...
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Quinteto británico Deep Purple

2009-06-08T13:55:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock
Es una de las más legendarias bandas de la historia del rock y pilar fundamental del Hard-Rock, uno de los géneros con mas seguidores en el mundo.
La noche caraqueña se volverá púrpura.
Que una agrupación de rock pueda alcanzar los 40 años de actividad y vigencia no es común.Deep Purple es un caso particular, una banda que ha conservado la lealtad de sus viejos fans, influenciado a una miríada de bandas alrededor del planeta y ganado nuevos adeptos a través del tiempo, aún a pesar de las idas y venidas de algunos de sus más conocidos integrantes y que su período más fértil e influyente se ubica en la primera mitad de los años 70.
Deep Purple definió el sonido clásico del Hard Rock gracias en especial a la voz de Ian Gillan y la guitarra de Ritchie Blackmore.
Con la trilogía In Rock (1970), Fireball (1971) y Machine Head (1972) se convirtió en uno de los vértices a partir del cual se desarrolló el Heavy Metal, un género del cual, paradójicamente, siempre ha guardado una distancia prudencial.
A Deep Purple se deben algunas de las más representativas canciones de la historia del rock, famosas por los legendarios riffs y solos de guitarra de Blackmore.
Las catárquicas vocalizaciones de Gillan, las densas y distintivas excursiones del órgano de John Lord y una base rítmica efectiva comandada durante 40 años por el baterista Ian Pace, único músico que ha aparecido en todos sus discos.
Canciones como “Smoke on The Water”, “Highway Star”, “Lazy”, “Space Truckin’”, “Fireball”, “When a Blind Man Cries”, “Child on Time” o el tempranero éxito de 1968, “Hush”, son columna vertebral de su historia y de la de un género popular en todo el planeta.
Luego de la primera etapa con Nick Simper (bajo) y Rod Evans (voz), en la que aun tenían influencia de la psicodelia, apareció Concerto for Group and Orquestra (1970), uno de los primeros intentos serios de una banda de rock junto a una orquesta sinfónica.
Tras él Blackmore tomó el control y el grupo emprendió la etapa más exitosa de su carrera, unos años que fueron testigos de su conversión en una de las más grandes bandas en vivo del mundo, junto a Led Zeppelín y The Rolling Stones.
De uno de esos shows surgió Made in Japan (1972), ubicado por fans y crítica en el panteón de los mejores discos en directo de todos los tiempos, el primero de una larguísima lista de álbumes en vivo editados en las siguientes décadas, muchas veces para tapar las carencias de nuevo material o simplemente para saciar el apetito de los seguidores más leales.
La historia ha dejado claro que los escenarios son el lugar ideal para Deep Purple.
La retroalimentación con el público, aunado a que en estos tiempos los conciertos son la principal fuente de ingresos para los músicos, hacen que la banda haya sobrevivido a la oxidación y a importantes deserciones como la de John Lord y Ritchie Blackmore.
Como muchas bandas longevas, Deep Purple no ha escapado a los cambios de formación, a las reconciliaciones y desencuentros cada cierto tiempo. Cuando ya habían escalado el Olimpo, Gillan y Glover abandonaron el grupo en 1973. Hoy son de nuevo el soporte del grupo.
El siguiente gran varapalo lo dio Blackmore quien después de grabar Stormbringer (1974) se retiró para formar su nueva banda Rainbow. Su reemplazante de entonces, Tommy Bolin, apenas alcanzó a grabar un disco, Come On Taste The Band (1975), luego del cual comenzó un largo período de hibernación, roto en 1984.
Fue la llegada del guitarrista Steve Morse en Purpendicular (1996), lo que trajo la estabilidad perdida. Bananas (2003) y Rapture of The Deep (2005) son dos discos dignos, los cuales han estado presentando por todo el planeta durante varios años.
La noche púrpura
Deep Purple visita Caracas en el cierre de la gira latinoamericana que incluyó conciertos en Ecuador, Mexico, Argentina, Brasil, Perú y Chile.
La formación actual incluye a uno solo de los fundadores, Ian Pace (batería), dos miembros de la etapa clasica de 1969-73, Ian Gillan (voz) y Roger Glover (bajo) y dos miembros claves en el resurgimiento de la banda, Steve Morse (guitarra) y Don Airey (teclados), quienes han tenido la inmensa responsabilidad de sustituir a los fundadores Jon Lord y Ritchie Blackmore, responsables de su sonido.
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Historia de la guitarra eléctrica

2009-06-02T13:44:00.000-07:00

Por:Giovanni BV->Visita mi blog y aprende mas de guitarra

COMPLETO (PARTE1 Y PARTE 2)

EL PASO HACIA LA GUITARRA ELÉCTRICAEn los años veinte las guitarras se usaban en jazz y para acomprañar bailes: el protagonísmo que tradicionalmente había tenído el banjo hasta entonces fue desapareciendo en favor de los modelos como la Gibson L-5.

Debido al poco volumen natural de la guitarra, comparada con otros instrumentos, su utilización se limitaba por lo general al acompañamiento rítmico.

la solución apareció con el desarrollo de la pastilla magnética.Buscando cómo resolver el problema del volumen de la guitarra, Lloyd Loar, uno de los ingenieros de Gibson, empezó a experimentar con imanes, y ya en 1924 diseñó una primera pastílla que podía instalarse en una guitarra tradicional de seis cuerdas.

Gibson no supo valorar la importancia de este hecho, y Loar acabó por fundar su propia empresa, Vivitone, donde empezó a producir sus sistemas de pastíllas sensoras en los años treinta; antes ya había tenido un papel muy activo en el desarrollo de la extraordinaria L-5.

El mayor avance se produjo en 1931, cuando Paul Barth y George Beauchamp, empleados de la Compañía Nacional en California, que también había estado creando pastillas, se asociaron con Adolph Rickenbacker para formar la “Electro String Company”, la primera en comercializar instrumentos eléctricos.

Juntos crearon las guitarras de acero y aluminio fundído, conocidas como “sarténes” por su forma.

LAS PRIMERAS GUITARRAS ELÉCTRICAS “AUTÉNTICAS”En 1932 Rickenbacker probó su nuevo invento con la guitarra, creando la primera guitarra eléctrica, la “Electro Spanish”.

Era un diseño básico de tapa abombada provista de la misma pastilla magnética en forma de herradura de la “sartén”.

Sin embargo, sería la famosa Gibson ES-150, lanzada en 1935, la que cautivó al guitarrista de jazz Charlie Christian, y fue precisamente él el responsable, más que ningún otro músico, d proponer la guitarra eléctrica como un instrumento musical serio.

LA ERA DE LAS GUITARRAS COMPACTASDurante los años cuarenta, varias personas sin relación alguna se dispusieron a diseñar y fabricar una guitarra eléctrica compacta. Aunque no se sabe quién lo consiguió primero, lo cierto es que Les Paul y Paul Bigsby fueron los verdaderos pioneros. Leo Fender fue el responsable de dar a conocer la idea.

Cómo surgió la idea

El principal problema de incorporar pastíllas a las guitarras acústicas era que, si el volumen del amplificador era demasiado alto, el sonido del altavoz hacía vibrar el cuerpo de la guitarra produciendose una molesta distorsión del sonido conocida como “feedback” o realimentación.

La solución lógica era aumentar la masa del instrumento, para reducir su capacidad de vibración; de aquí que aparecieran las guitarras eléctricas compactas (o de cuerpo sólido).No hay acuerdo respecto a quién fue el que creó la primera de ellas.

A principios de los años cuarenta el guitarrista de country-jazz Les Paul creó su propia guitarra “Log” (tronco), usando un mástil Gibson adherido a un bloque de madera de pino, sobre el cual se montaron las pastillas y el puente.

Cuando trató de vender la idea a Gibson, éste no demostró ningún interés en ese momento.

Otro candidato era Paul Bigsby, quien, ayudado en el diseño por el guitarrista de country Merle Travis, creó una forma con claras influencias de los diseños de Fender.

Se fabricaron una docena de instrumentos, por lo que cabe hablar de la primera producción de guitarras eléctricas compactas.

Empieza una nueva eraLeo Fender es el nombre más importante en la historia de estas guitarras.

Propietario de una tienda de reparaciones de aparatos eléctricos, fundó en 1946 la “Fender Electrical Instrument Company” para la fabricación de guitarras eléctricas y amplificadores.

Dos años más tarde, juntamente con uno de sus empleados, George Fullerton, decidió crear una línea de producción de guitarras eléctricas compactas.

En 1950 su diseño vió la luz por primera vez: La “Fender Broadcaster”. Un año despues, obligado por la empresa Gretsh que fabricaba tambores “Broadcaster”, rebautizó su instrumento con el nombre de “Telecaster”.

Presa de pánico por el éxito de este primer instrumento compacto, Gibson se puso otra vez en contacto con Les Paul, de quien se había reído por sus “palos de escoba con pastillas” unos años antes, y le propuso que tomara parte en la creación de un instrumento rival.

La nueva guitarra, lanzada al mercado en 1952, llevaba su propio nombre: la Gibson Les Paul Standard, a la cual Fender respondió, dos años más tarde, con la “Stratocaster”, tal vez la más famosa de todas.

Las dos guitarras de Fender se fabrican desde entonces y siguen siendo dos de las guitarras eléctricas más populares que se hayan hecho jamás.

La de Les Paul tuvo un bajón entre 1961 y 1967, aunque la demanda de modelos clásicos la llevó a un relanzamiento exitoso.

Ésta última se continúa produciendo desde entonces, aunque las originales de finales de los años cincuenta se consideran hoy en día piezas de coleccionista, y es más probable encontrarlas en la caja fuerte de un banco que en un concierto de rock.

Aunque Fender y Gibson con los fabricantes de guitarras eléctricas más famosos, también ha habído otros buenos fabricantes en Estados Unidos a lo largo de los años, nombres clásicos como Gretsch, Rickenbacker, Epiphone y Kramer en los años setenta, y Jackson y Paul Reed Smith en los ochenta.

Los fabricantes europeos Selmer, Vox, Hofner y Burns, también han dejado su huella en la historia de la guitarra.

En los años ochenta, las imitaciones baratas llegaron a ser un problema; desde hacía largo tiempo, los fabricantes japoneses hacían réplicas a bajo precio de la mayoría de los modelos clásicos de Fender y Gibson.

Al principio no significaron una seria amenaza ya que eran de muy baja calidad, pero a medida que empresas como Tokai empezaron a imitarlas, surgió un problema de competencia.

Esto llevó a Fender a empezar a fabricar en países como Corea y México versiones alternatívas de sus propias guitarras, premitiendo a principiantes o personas con un poder adquisitívo bajo tener guitarras Fender originales y bien fabricadas, en caso de no poder permitirse las de alta calidad fabricadas en Estados Unidos.Al mismo tiempo, algunas compañías japonesas empezaron a tener reputación por sus propios diseños.

Ibanez, por ejemplo, que junto con Steve Vai crearon los modelos Jem y Universe, es hoy día un constructor muy respetado, y sus mejores instrumentos pueden competir en calidad precio.

EL FUTURO DE LA GUITARRA ELÉCTRICAHay que admitir que en los últimos 40 años ha habido pocos cambios de fondo en el mundo de la guitarra.

Los fabricantes han probado nuevas formas: la Steinberg “sin cabeza” fue popular durante un breve tiempo en los años ochenta, mientras que la guitarra acústica Ovation, con la espalda redondeada, creada a finales de los años setenta, ha permanecído como estandar de su clase.

También han probado nuevos materiales: Dan Armstrong creó instrumentos con cuerpo de plástico, y Kramer utilizó mástiles de aluminio y, aunque en ambos casos se reducía su peso, los intérpretes las siguieron prefiriendo de madera.

También se han producído cambios radicales en la manera de tocar.A principios de los años ochenta mucha gente pensó que el siguiente paso en la evolución de la guitarra sería un instrumento híbrido con sitetizador.

Ejemplo de ello fueron el Synthaxe y el Stepp, ciertamente muy impresionantes, pero de coste elevado.

El fabricante japonés Roland creó un sistema de conectores MIDI que puede colocarse en una guitarra estándar y que permite controlar unidades MIDI extrernas con gran precisión.

A pesar del empeño que puso en ello, los guitarristas que tocan con sintetízador continúan siendo pocos.

Por lo que respecta a los periféricos, como el amplificador, efectos y amplificación, los diseños ingeniosos (como el sistema de bloqueo de Floyd Rose) y la tecnología digital han producído los mejores adelantos.

En cuanto al instrumento se refiere, parece que para la gran mayoría de los intérpretes ya se ha inventado el formato perfécto, y ello quizá sea debído a que los compradores de guitarras son, por lo general, muy conservadores.

No deja de resultar extraño que el más querido y deseado instrumento sólido sea un modelo creado hace casi medio siglo.

Podría deberse a cierta nostalgia -entre quienes vean una Gretsch Double Anniversary como una asequible alternatíva a una Coupe de Ville clásica-, pero la razón podría ser más sencilla: quizá los gustos de Leo Fender, Paul Bigsby, Merle Travis y Les Paul fueran acertados desde el principio.

Fuentes: Método Completo de Guitarra - Editorial ParramónTerry Burrows
Articulo anterior de este autor: Historia de la guitarra eléctrica (parte 1)
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Afinacion y cuidado de la guitarra electrica.

2009-05-26T11:31:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock ...

Las partes que se compone una guitarra electrica.

El mastil se compone de las las clavijas, clavijero, cajetilla, traste, diapasón, y marcador de posición.

El cuerpo se compone de la pastilla, puente, palanca de vibrato, controles de tono y volumen, selector de pastilla y protector.

Las cuerdas se conocen por suposición siendo la mas gruesa la 6 y la mas delgada la 1.

Cuerda # 6 da la nota ”e” (mi).
Cuerda # 5 da la nota “a” (la).
Cuerda # 4 da la nota “d” ( re).
Cuerda # 3 da la nota “g” (sol).
Cuerda # 2 da la nota “b” (si).
Cuerda # 1 da la nota “e” (mi).

La afinación.

La mejor menera de conseguir una afinación precisa de la guitarra es utilizando un afinador electronico quepuede ser adquirido en cualquier tienda de musica.

En caso de notener unafinador se puede utilisar un silbatopara afinar o un diapasón el cualda la nota “la” (a) que es el sonido de la quinta cuerda al aire.

La afinación e debe igualar apretando o aflojando las cuerda lo cual se consigue girando ligeramente en uno u otro sentido las clavijas de afinación de cada cuerda.

Una ves que tengamos por ejemplo la 5 cuerda afinada podemos tomarla como base para ir afinando cada cuerda.

Puede tomarse como referencia cualquier otra cuerda aunque lo normales utilisar la 6 o 5 e ir descendiendo de la siguiente manera.

La cuerda 6ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 5ª cuerda al aire.

La cuerda 5ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 4ª cuerda al aire.

La cuerda 4ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 3ª cuerda al aire.

La cuerda 3ª tocada en el 4ª traste te dara el mismo sonido que la 2ª cuerda al aire.

La cuerda 2ª tocada en el 5ª traste te dara el mismo sonido que la 1º cuerda al aire.

La cuerda 1º tocada al aire dara el mismo sonido que la 6ª cuerda al aire(octava).

Cuidados y limpieza.

Siempre que no se este utilizando guarde la guitarra dentro de su funda la manera mas simple de cuidar el acabado es limpiar la guitarra con un trapo sueve de algodón después de cada uso.

Esto evitara que se depositen impuresas que e acumulan a medida que se desprenden los acidos de la piel y la mantendra brillante durante mucho tiempo.

Las cuerdas deben de estar limpias si se decea un buen timbre y afinación.

La suciedad y la grasa se acumulan rapidamente altocar y la sal de la transpiracion produce corrosion si se deja aun en periodos muy breves.

Deben limpiarse después de tocar con una tela limpia sin pelusas que puede pasarse por debajo a traves del largo de las cuerda.

Su limpiesa disminuye la sensivilida al tocarlas alarga su vida util y mantiene su brillo original.

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ALGUNOS GENEROS DE LA MUSICA

2009-05-13T12:00:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

La Música es antes que todo un arte, que combina los sonidos y el silencio conforme a los principios de la melodía, la armonía y el ritmo, siendo estos sus elementos esenciales.

Al mismo tiempo, es una ciencia, por lo cual debe ser apreciada emocionalmente y comprendida intelectualmente.

Música es la combinación de sonidos agradables al oído.

Es el arte de combinar los sonidos de la voz humana o de instrumentos. Composición musical.

Arte de combinar los sonidos y los silencios, a lo largo de un tiempo, produciendo una secuencia sonora que transmite sensaciones agradables al oído, mediante las cuales se pretende expresar o comunicar un estado del espíritu.

Acid:
El estílo de música acid corresponde a la evolución del house hacia los sonidos crujientes, y repetitivos. Tomó como icono la famosa "carita feliz".

El Dj Pierre fue su inventor con el tema "Acid Trax".

Acid Jazz:

Corresponde a la combinación del jazz de siempre con ritmos de baile y rap.

Uno de los principales representantes de este estilo es el grupo US3 con una música que muestra un particular romance: el jazz, el rap y el hip-hop componen un incesto armónico que acaba en sorpresa.

Agropop:

El género viene de un pueblo de Andalucía (España) y que institucionalizó la agrupación "No me pises que llevo chanclas".

Es una mezcla de fino humor con lo más inesperado e improvisado que puede suceder en un bar de moda; es cantando con acento flamenco, pero con la universalidad inconfundible del pop.

Art-rock:

Es un término que se utiliza para hablar del rock conceptual y el rock progresivo. Es un concepto quizás ceñido a la dialéctica del rock europeo derivado del Liverpool sound.

Ambient:

Música electrónica caracterizada por la ausencia de ritmo. Es considerada una evolución del new age.

Arena Filtres:

Este género es sosegado y muy instrumentado, donde los temas son de corte sentimental a encajando perfectamente en la sociedad de los años sesenta.
Sus principales representantes son Chicago, Fleetwood, Boston, Eric Clapton, The Police y U2.

Bebop:

Surge con la segunda Guerra Mundial y fue un genero muy importante dentro de la evolución del jazz, ya que los músicos y casi todos los hombres en edad abandonan sus vidas para entregarlas en el campo de batalla.

Dejaron sus casas pero no los instrumentos para irradiar esta música al mundo. Desarrolló la poliritmia latente de la tradición jazz ,blues, la cruzó más con el Caribe y alteró significativamente el papel de instrumentos como la batería, que hasta entonces no tenían solos.

Introdujo el contrabajo como actor de peso.

Blues:

Género proveniente de los negros americanos y su contenido es básicamente social y sexual. Tiene dos variantes claramente identificadas:

el blues urbano, interpretado por voces femeninas acompañadas de piano; y el blues rural, interpretado por hombres acompañados de un banjo o guitarra.

Breakbeat:

Su ritmo está fundamentado en el hip-hop, y surgió como una corriente del techno en Gran Bretaña.

Calipso:

Es un género – rito en el que el ritmo está acompañado principalmente por percusión y voces.

Esta tradición musical está ligada a un baile en el que la utilización de las caderas es fundamental.Candombia:

Es la base del tango milonguero y surge presuntamente de la influencia de los marinos pertenecientes a una flota que Cuba tenía en el siglo XIX.

Los viajeros, además de pernoctar en Nueva Orleáns, lo hacían en el Río de La Plata en el propio Montevideo, y Buenos Aires.

Canción de protesta o propuesta:

Es el alma del blues siendo su origen y extensión. Como lo dice su nombre, es un canto de protesta ante la opresión y la injusticia social.

Cool – jazz:

Sobre la base del jazz, su particular cualidad es la de tener armonías sobrias y ritmos relajados.

Country:

Es una música vocal que se ocupa, en sus inicios, de la presentación y tratamiento de los problemas de los trabajadores y los blancos oprimidos.

Si embargo, en la tradición country hay muy poco de agresividad política colectiva.

Al contrario de la música negra, su problemática gira en torno a los efectos de la marginación social producto de la urbanización, pero con las expectativas de que con el trabajo y la voluntad individual es posible superarla.

DDance: De estilo cantado y melódico, es un género también conocido como música comercial. Su definición más amplia es la de conjunto de estilos de música de baile o electrónica.

Deep house:

Es una corriente del house mucho más calida que la tradicional.

Su principal influencia proviene del disco.

Disco:

Este género se caracteriza por la predominancia del ritmo sobre la melodía. Alcanzó su punto máximo de popularidad en los años setenta.

Eurobeat:

Este estilo, proveniente de Europa, es principalmente bailable y de melodías muy pegajosas, de instrumentación techno y con elementos del rap y el reagge.

Folk: Nació en Estados Unidos con figuras como Woody Guthrie, Pete Seeger, Bob Dylan y Joan Baez, teniendo sus raíces en las canciones populares.

Se caracteriza por la temática social y combativa de sus letras y la sencillez formal.Free

jazz:

Otorga libertad total al solista intérprete de jazz.

Garage:

Es un género hijo del disco y también del soul. Incorpora vibrantes voces cargadas de sentimiento.

Grunge:

Es un híbrido entre el rock y el punk originado en los años noventa. Su exponente máximo fue Kurt Cobain, el vocalista fallecido de la agrupación Nirvana.

HHip-Hop:

Este género es el padre del rap y su origen es principalmente urbano, su expresión máxima se da en la calle misma. Incluye expresiones tales como el graffiti y el breakdance.

House:

Este género bailable se caracteriza por un ritmo lento y la preponderancia del bajo en sus composiciones. A veces incorpora voces y/o melodías cantadas.

JJazz:

Originario de los Estados Unidos.

Concede gran importancia a la improvisación y se caracteriza por su ritmo cambiante. Surge a finales del siglo XIX de la conjunción de ritmos negroafricanos con melodías del folklore anglosajón. Sus características principales son el ritmo sincopado y la alternancia o superposición de los tiempos, el swing o balanceo que produce tensión emocional y la libertad de improvisación. En su origen recogió formas musicales tales como los espirituales y el godspel.

Música electrónica:

Se basa en tonos puros electrónicamente generados en el laboratorio.

Esta música fue desarrollada en los talleres de la radio de Colonia (Alemania) a partir de 1985, y sus exponentes se apoderaron de la música concreta en poco tiempo.

Música minimalista: El minimalismo es una corriente academicista típica de este siglo.

Se alimenta de lo sacro, de lo espiritual y se fundamenta en lo mínimo.

NNew Age: Sus raíces son el rock y el jazz.

En el tronco se injertan retoños de música étnica, electrónica y minimalista.Nueva onda: Este género, de raíces mexicanas, funde art-rock, ska, sicodélica, alternativa, gótica, metal, punk y pop.

Pop:

Se dice de la música popular ligera. Se desarrolló en los países anglosajones desde la década de los cincuenta bajo la influencia de estilos musicales negros, especialmente el rythm and blues, y de la música folk británica.

En la actualidad y desde hace décadas, constituye un importante fenómeno de comunicación de masas prácticamente en todo el mundo.

Ragtime:

Género musical de origen afro norteamericano que junto con el blues es la base del jazz. Es una música muy sincopada caracterizada por un bajo monótono. Alcanzó gran popularidad hacia 1900 gracias a la aparición de la pianola.

Rap:

Este género musical surgió en los barrios negros e hispanos neoyorquinos en los ochenta y alcanzó su apogeo en los noventa. Se caracteriza por un juego de réplicas y contrarréplicas de lenguaje combativo.

Reggae:

Estilo musical popular jamaiquino, de ritmo simple y repetitivo, que alcanzó su máxima difusión en los setenta gracias a los jamaiquinos residentes en Londres y al cantante Bob Marley.

TTango:

Fiesta y baile popular de Hispanoamérica.

Nació en los arrabales de Buenos Aires a principios del siglo XIX y con el tiempo se convirtió en el símbolo de la música argentina.

Tecno:

Es una variedad de la música pop desarrollada durante los años setenta y ochenta que utiliza instrumentos musicales electrónicos, especialmente sintetizadores.

Trance:

Esta variante del techno se originó en la ciudad alemana de Frankfurt a comienzos de los noventa, y combina ritmos rápidos con efectos ácidos.

Trancecore:

Es mucho más rápido que su padre:

el trance y se combina con el hardcore.

Trash metal:

Voces de ultratumba, casi rugidos, sobre bases guitarreras metálicas. Representó una revolución en el campo del heavy metal.

Trip-hop:

Es una evolución del hip hop (rapeo lento) que se abre a sonidos ambientales y tecnológicos, es decir, al tecno.

Trova:

Composición poética compuesta o cantada por los trovadores. Poesía o ferso. Composición poética escrita para ser cantada.

En Cuba significa mentira.

Underground:

Es una vertiente del house, que surgió en medio del ambiente musical de los clubs neoyorkinos.
También se utiliza para describir el estado inicial de cualquier género musical.

World Music:

Es el término que recopila la música tradicional de todas las naciones del mundo. Su escalada a la globalización se dio gracias a mezcla de ritmos e instrumentos modernos con la música étnica.

El principal exponente de este movimiento es Peter Gabriel.

Zarzuela:

Obra dramática y musical en la que alternativamente se habla, se canta y a veces se baila.

Las primeras representaciones de obras teatrales musicales españolas se dieron en la residencia real de La Zarzuela, en época de Felipe IV, y de ahí tomaron su nombre.
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Historia de la guitarra eléctrica

2009-05-01T13:54:00.000-07:00

Por:Giovanni BV->Visita mi blog y aprende mas de guitarra

COMPLETO (PARTE1 Y PARTE 2)

EL PASO HACIA LA GUITARRA ELÉCTRICAEn los años veinte las guitarras se usaban en jazz y para acomprañar bailes: el protagonísmo que tradicionalmente había tenído el banjo hasta entonces fue desapareciendo en favor de los modelos como la Gibson L-5. Debido al poco volumen natural de la guitarra, comparada con otros instrumentos, su utilización se limitaba por lo general al acompañamiento rítmico.

la solución apareció con el desarrollo de la pastilla magnética.Buscando cómo resolver el problema del volumen de la guitarra, Lloyd Loar, uno de los ingenieros de Gibson, empezó a experimentar con imanes, y ya en 1924 diseñó una primera pastílla que podía instalarse en una guitarra tradicional de seis cuerdas.

Gibson no supo valorar la importancia de este hecho, y Loar acabó por fundar su propia empresa, Vivitone, donde empezó a producir sus sistemas de pastíllas sensoras en los años treinta; antes ya había tenido un papel muy activo en el desarrollo de la extraordinaria L-5.

El mayor avance se produjo en 1931, cuando Paul Barth y George Beauchamp, empleados de la Compañía Nacional en California, que también había estado creando pastillas, se asociaron con Adolph Rickenbacker para formar la “Electro String Company”, la primera en comercializar instrumentos eléctricos.

Juntos crearon las guitarras de acero y aluminio fundído, conocidas como “sarténes” por su forma.LAS PRIMERAS GUITARRAS ELÉCTRICAS “AUTÉNTICAS”En 1932 Rickenbacker probó su nuevo invento con la guitarra, creando la primera guitarra eléctrica, la “Electro Spanish”.

Era un diseño básico de tapa abombada provista de la misma pastilla magnética en forma de herradura de la “sartén”.

Sin embargo, sería la famosa Gibson ES-150, lanzada en 1935, la que cautivó al guitarrista de jazz Charlie Christian, y fue precisamente él el responsable, más que ningún otro músico, d proponer la guitarra eléctrica como un instrumento musical serio.

LA ERA DE LAS GUITARRAS COMPACTASDurante los años cuarenta, varias personas sin relación alguna se dispusieron a diseñar y fabricar una guitarra eléctrica compacta.

Aunque no se sabe quién lo consiguió primero, lo cierto es que Les Paul y Paul Bigsby fueron los verdaderos pioneros.

Leo Fender fue el responsable de dar a conocer la idea.

Cómo surgió la idea

El principal problema de incorporar pastíllas a las guitarras acústicas era que, si el volumen del amplificador era demasiado alto, el sonido del altavoz hacía vibrar el cuerpo de la guitarra produciendose una molesta distorsión del sonido conocida como “feedback” o realimentación.

La solución lógica era aumentar la masa del instrumento, para reducir su capacidad de vibración; de aquí que aparecieran las guitarras eléctricas compactas (o de cuerpo sólido).No hay acuerdo respecto a quién fue el que creó la primera de ellas.

A principios de los años cuarenta el guitarrista de country-jazz Les Paul creó su propia guitarra “Log” (tronco), usando un mástil Gibson adherido a un bloque de madera de pino, sobre el cual se montaron las pastillas y el puente.

Cuando trató de vender la idea a Gibson, éste no demostró ningún interés en ese momento. Otro candidato era Paul Bigsby, quien, ayudado en el diseño por el guitarrista de country Merle Travis, creó una forma con claras influencias de los diseños de Fender.

Se fabricaron una docena de instrumentos, por lo que cabe hablar de la primera producción de guitarras eléctricas compactas.Empieza una nueva eraLeo Fender es el nombre más importante en la historia de estas guitarras. Propietario de una tienda de reparaciones de aparatos eléctricos, fundó en 1946 la “Fender Electrical Instrument Company” para la fabricación de guitarras eléctricas y amplificadores.

Dos años más tarde, juntamente con uno de sus empleados, George Fullerton, decidió crear una línea de producción de guitarras eléctricas compactas.

En 1950 su diseño vió la luz por primera vez: La “Fender Broadcaster”. Un año despues, obligado por la empresa Gretsh que fabricaba tambores “Broadcaster”, rebautizó su instrumento con el nombre de “Telecaster”.

Presa de pánico por el éxito de este primer instrumento compacto, Gibson se puso otra vez en contacto con Les Paul, de quien se había reído por sus “palos de escoba con pastillas” unos años antes, y le propuso que tomara parte en la creación de un instrumento rival.

La nueva guitarra, lanzada al mercado en 1952, llevaba su propio nombre: la Gibson Les Paul Standard, a la cual Fender respondió, dos años más tarde, con la “Stratocaster”, tal vez la más famosa de todas.

Las dos guitarras de Fender se fabrican desde entonces y siguen siendo dos de las guitarras eléctricas más populares que se hayan hecho jamás.

La de Les Paul tuvo un bajón entre 1961 y 1967, aunque la demanda de modelos clásicos la llevó a un relanzamiento exitoso.

Ésta última se continúa produciendo desde entonces, aunque las originales de finales de los años cincuenta se consideran hoy en día piezas de coleccionista, y es más probable encontrarlas en la caja fuerte de un banco que en un concierto de rock.Aunque Fender y Gibson con los fabricantes de guitarras eléctricas más famosos, también ha habído otros buenos fabricantes en Estados Unidos a lo largo de los años, nombres clásicos como Gretsch, Rickenbacker, Epiphone y Kramer en los años setenta, y Jackson y Paul Reed Smith en los ochenta.

Los fabricantes europeos Selmer, Vox, Hofner y Burns, también han dejado su huella en la historia de la guitarra.En los años ochenta, las imitaciones baratas llegaron a ser un problema; desde hacía largo tiempo, los fabricantes japoneses hacían réplicas a bajo precio de la mayoría de los modelos clásicos de Fender y Gibson.

Al principio no significaron una seria amenaza ya que eran de muy baja calidad, pero a medida que empresas como Tokai empezaron a imitarlas, surgió un problema de competencia. Esto llevó a Fender a empezar a fabricar en países como Corea y México versiones alternatívas de sus propias guitarras, premitiendo a principiantes o personas con un poder adquisitívo bajo tener guitarras Fender originales y bien fabricadas, en caso de no poder permitirse las de alta calidad fabricadas en Estados Unidos.Al mismo tiempo, algunas compañías japonesas empezaron a tener reputación por sus propios diseños.

Ibanez, por ejemplo, que junto con Steve Vai crearon los modelos Jem y Universe, es hoy día un constructor muy respetado, y sus mejores instrumentos pueden competir en calidad precio.EL FUTURO DE LA GUITARRA ELÉCTRICAHay que admitir que en los últimos 40 años ha habido pocos cambios de fondo en el mundo de la guitarra.

Los fabricantes han probado nuevas formas: la Steinberg “sin cabeza” fue popular durante un breve tiempo en los años ochenta, mientras que la guitarra acústica Ovation, con la espalda redondeada, creada a finales de los años setenta, ha permanecído como estandar de su clase.

También han probado nuevos materiales: Dan Armstrong creó instrumentos con cuerpo de plástico, y Kramer utilizó mástiles de aluminio y, aunque en ambos casos se reducía su peso, los intérpretes las siguieron prefiriendo de madera.

También se han producído cambios radicales en la manera de tocar.A principios de los años ochenta mucha gente pensó que el siguiente paso en la evolución de la guitarra sería un instrumento híbrido con sitetizador.

Ejemplo de ello fueron el Synthaxe y el Stepp, ciertamente muy impresionantes, pero de coste elevado.

El fabricante japonés Roland creó un sistema de conectores MIDI que puede colocarse en una guitarra estándar y que permite controlar unidades MIDI extrernas con gran precisión.

A pesar del empeño que puso en ello, los guitarristas que tocan con sintetízador continúan siendo pocos.Por lo que respecta a los periféricos, como el amplificador, efectos y amplificación, los diseños ingeniosos (como el sistema de bloqueo de Floyd Rose) y la tecnología digital han producído los mejores adelantos.

En cuanto al instrumento se refiere, parece que para la gran mayoría de los intérpretes ya se ha inventado el formato perfécto, y ello quizá sea debído a que los compradores de guitarras son, por lo general, muy conservadores.

No deja de resultar extraño que el más querido y deseado instrumento sólido sea un modelo creado hace casi medio siglo.

Podría deberse a cierta nostalgia -entre quienes vean una Gretsch Double Anniversary como una asequible alternatíva a una Coupe de Ville clásica-, pero la razón podría ser más sencilla: quizá los gustos de Leo Fender, Paul Bigsby, Merle Travis y Les Paul fueran acertados desde el principio.

Fuentes: Método Completo de Guitarra - Editorial ParramónTerry Burrows
Articulo anterior de este autor: Historia de la guitarra eléctrica (parte 1)
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LETRA DE PARANOICO DE BLACK SABBAT EN INGLES Y ESPAÑOL

2009-04-09T13:42:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

FINISHED WITH MY WOMAN ´CAUSE SHE COULDN´T HELP ME WITH MY MINDPEOPLE THINK I´M INSANE BECAUSE I AM FROWNING ALL THE TIME
ALL DAY LONG I THINK OF THINGS BUT NOTHING SEEMS TO SATISFYTHINK I´LL LOSE MY MIND IF I DON´T FIND SOMETHING TO PACIFY
CAN YOU HELP ME?OCCUPY MY BRAIN?

Letras4U.com » letras traducidas al españolWOAH YEAH

I NEED SOMEONE TO SHOW ME THE THINGS IN LIFE THAT I CAN´T FINDI CAN´T SEE THE THINGS THAT MAKE TRUE HAPPINESS, I MUST BE BLIND
MAKE A JOKE AND I WILL SIGH AND YOU WILL LAUGH AND I WILL CRYHAPPINESS I CANNOT FEEL AND LOVE TO ME IS SO UNREAL
AND SO AS YOU HEAR THESE WORDS TELLING YOU NOW OF MY STATEI TELL YOU TO ENJOY LIFE I WISH I COULD BUT IT´S TOO LATE.

LO DEJÉ CON MI MUJER PORQUE ELLA NO PODÍA AYUDARME CON MI MENTELA GENTE PIENSA QUE ESTOY LOCO PORQUE ESTOY FRUNCIENDO EL CEÑO TODO EL RATO

TODO EL DÍA PIENSO EN COSAS PERO NADA PARECE SATISFACERMECREO QUE PERDERÉ LA CABEZA SI NO ENCUENTRO ALGO PARA APACIGUARLA
¿PUEDES AYUDARME?¿OCUPAR MI MENTE?

Letras4U.com » letras traducidas al españolWOAH YEAH

NECESITO A ALGUIEN QUE ME ENSEÑE LAS COSAS EN LA VIDA QUE YO NO PUEDO ENCONTRARNO PUEDO VER LAS COSAS QUE DAN LA VERDADERA FELICIDAD, DEBO ESTAR CIEGO

HAZ UN CHISTE Y SUSPIRARÉ Y TÚ REIRÁS Y YO LLORARÉLA FELICIDAD NO LA PUEDO SENTIR Y EL AMOR PARA MÍ ES TAN IRREAL

Y ASÍ COMO OYES ESTAS PALABRAS QUE TE DIGO AHORA DE MI ESTADOTE DIGO QUE DISFRUTES DE LA VIDA, DESEARÍA QUE YO PUDIERA PERO ES DEMASIADO TARDE.

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POPULARIDAD NO ES LO MISMO QUE LA CALIDAD EN EN EL ANCHO MUNDO DEL ROCK...

2009-03-24T15:45:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

A ciencia cierta no se puede decir cual es la mejor banda. la mayoria piensa que Mejor BANDA es la MAS POPULAR. y en esta epoca esta mas que demostrado que POPULARIDAD no es los MISMO que CALIDAD!!!!

Lo siento por los amgos Beatlemaniacos pero esta banda fue mas Popularidad que calidad..
vamos pues

Mira el ROCK no es tan fácil de Clasificar en especial cuando el mismo basicamente tiende dos caras.

la parte comercial la que normalemente llamamos POP-ROCkHay otras vertientes que no entran en ese Formato.Estan la linea no comercial que emplea varias denominaciones incluyendo lo que llamamos "Underground".

A ver si me entiendes..

El Formato POP implica que la cancion debe tener una estructura de Verso-CORO-VERSO-CORO.. el cual se repita unas cuantas veces, Estas canciones no superan los 5 mins.

En esta epoca incluso se obliga al artista a editar mas la cancion, debe tener no más de 4 minutos...

Por Ejemplo La cancion "Bat out of Hell" de Jim Steinman y Meatloaf originalmente duraba 40 minutos pero la redujeron a 12 minutos..

Es muy Obvio que esa cancion es MUCHO mejor que todas las que los otros colegas Cybernautas han propuesto..

Pero saben algo "niños" esa no es la mejor banda del ROCK..

Segun mi criterio estas serian algunas mejores de todos los tiempos..

Lo mas justo es clasificarla de acuerdo a su ESTILO o formato musical...

Es decir si es hard rock, Heavy Metal , si es Soft Rock, Adulto contemporaneo, Psicodelica, Sinfonica y Progresiva.

cada una es Excelente Banda.

YES

Genesis,King Crimson,Moody Blues,Rush,IRON MAIDE,Pink Floyd,Jethro Tull Ozzie Osborne & Black Sabbath The Grand Funk Railroad.

Reinassance,Led Zeppelin,ChicagoCrossby, Stills, Nash and Young.

Emerson, LAKE & Palmer,The Allman Brothers Band,Jimi hendrix and The experience,Cream.
MAGMA,Mahavishnu Orchestra,The Who,Uriah Heep,The Doors,Iron Butterfly,Lynyrd Skynerd,Blood Sweat & TearsQueen.

hay mucho mas pero no me caben, esta bandas tienen liricas complejas, acompañadas de largos desarrollos en los que se introducuden cambios de ritmo y de tiempo eso los elementos del ROCK Sifónico.

Cada letra de estas camciones hablan de practicamente de un universo, se compararian a un soundtrack para una pelicula como el señor de los anillos o algo parecido..
Creo que la mas tecnica de todas y la que tienen Piezas musicales mas Intrisecas es EMERSON, LAKE & PALMER..

Pero si esa no es la mejor te por seguro que esta entre las 5 mejores de todos los tiempos...

Muchas de sus canciones no tienen Estribillo es mas bien un suite en donde nada se repitete recomiendo que escuches las mencionadas mas arriba y consigas sus letras en Internet.

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LOS GENEROS QUE NOS LEGO EL ROCK AND ROLLL

2009-03-17T17:40:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

El origen etimológico proviene de la palabra MUSA, que en idioma griego antiguo aludía a un grupo de personajes míticos femeninos, que inspiraban a los artistas.

Orígenes de los géneros musicalesLos géneros musicales occidentales tienen sus orígenes en Grecia, donde desempeñó un papel moralizador y pedagógico desde la época en que se escribieron los textos homéricos (s. X a.C.).

En el primer milenio de la era cristiana, la música fue cultivada exclusivamente por la iglesia.
Hacia finales del siglo VI se refundió el llamado antiguo romano, y a este canto, adoptado de forma oficial por la iglesia católica, se le llamó desde entonces canto gregoriano extendiéndose por los diversos países europeos.

En el siglo IX, ya aparecen referencias al órganum, que era una forma medieval de escritura polifónica basada en una melodía (canto llano) sobre la que se superponía otra melodía.

A finales del siglo XI florece la lírica galante (no religiosa) de los trovadores provenzales, que inmediatamente se extiende al norte, los troveros en Francia y los minnesinger en Alemania y luego a Italia, España y Portugal.

A principios del 1200 surge el motete (canto a varias voces con distintas letras).

En el siglo XIV floreció en Francia y se extendió a Italia el ars nova, con repertorio profano (rondós, baladas, y madrigales), apareciendo músicos como Phillippe de Vitry o Francesco Landino.

En el 1400 se desarrolla la polifonía en la escuela franco-flamenca, a la que pertenecen Guillaume Dufay, Guilles Binchois y su máximo representante, Josquin des Prés.

El renacimiento se inició como una prolongación de la etapa anterior, así nacieron los repertorios instrumentales.

La música se enriqueció verdaderamente en el periodo barroco con la ópera, la cantata, y el oratorio. Tres fueron los centros musicales:

Italia, Alemania y Francia.

Figuras señeras de la música, como Vivaldi, Haendel y Bach, aparecen en este periodo.
El clasicismo, fue el periodo que le siguió, abarcando la segunda mitad del siglo XVIII, destacando las figuras alemanas de Gluck, Haydn y Mozart.

El periodo clásico aport´el mejoramiento de la técnica en todos sus aspectos.

En el siglo XIX, el romanticismo musical significó una libertad compositiva, desarrollándose los grandes géneros sinfónicos, abundando genios como:

Beethoven, Schubert, [[Schumann], [Chopin]] y Liszt. En un romanticismo tardío (si lo tomamos con humor), los nacionalismos hicieron su entrada en la música, destacando como representantes Brahms, [Dvorak]], Tchaikovski, Grieg, [Verdi]] y Wagner.

La ruptura con el romanticismo y la incorporación de innovaciones, se produjo en el último cuarto de siglo, con compositores como Debussy, Mahler, entre otros.En el siglo XX, Schöenberg aporta el atonalismo, imponiéndose las vanguardias estéticas:

impresionismo, expresionismo, neoclasicismo, etc. Compositores dignos de mencionar son:
Stravinski, Bártok, Prokófiev, Manuel de Falla.

Cabe señalar la importancia de las emisoras de radio sobre la evolucion y difusión de los generos musicales en el mundo

Ska: Este género surgió en Jamaica en los años sesenta y funde estilos como el Mento, el Calipso, el Swing y el Boogie.

Es un género irreverente, contagioso y que ideológicamente está fundamentado en la lucha contra el racismo.

Sicodélica: Variante de la música pop, desarrollada en los años setenta por grupos y solistas como The Doors, Greatful Dead o Syd Barret, que trataba de plasmar melódicamente experiencias síquicas o alucinatorias. Soul:

Estilo musical estadounidense surgido en la década de los sesenta, derivado del rythm and blues y otras formas de la música negra.

Está caracterizado por su ritmo sincopado y la importancia que en su ejecución tienen los instrumentos de viento.

Se desarrolló en Detroit en torno a dos compañías discográficas: Atlantic Records y Tamla Motown, y sus principales intérpretes fueros Aretha Franklin, Wilson Pickett, The Supremes y The Vandellas.

Swing: Estilo musical del jazz caracterizado por su ritmo bailable, interpretado por grandes bandas y vocalistas. Estuvo en boga en los Estados Unidos en la década de los treinta.

Rhythm and Blues (R&B): Música popular negra de los cuarenta que dio origen al rock and roll.
El ritmo es fundamental.

Rock: En forma genérica, se le da este nombre a diversos estilos musicales ligeros desarrollados desde los años cincuenta en adelante, y derivados en mayor o menor medida del rock and roll.

Rock alternativo: Es una manifestación underground, posiblemente contracultural, por consiguiente no es del común de la vitrina de cualquier discotienda. Intenta presentar lo nuevo, o por lo menos combina y recrea con cierto ingenio formas roqueras conocidas.

Rock and Roll:

En el moneto en el que el rythm and blues y el country and western empezaron a fusionarse a partir de los cincuenta, nació el rock and roll, llamado originalmente race músico sepia music.
Cuando se abandonaron estas dos últimas definiciones – para evitar el estigma racial de la vieja clasificación – se eligieron para el nuevo nombre las dos palabras más repetidas de los temas del rythm and blues:

rock y roll.

Rock mestizo:

Se originó de los procesos de hibridación al cual está sometido el latino en general.
México fue su cuna y cuenta hoy con fieles exponentes, entre ellos destacan: Café Tacuba, botellita de Jérez, Maná y Maldita Vecindad.

Rock progresivo: Esta música tiene sus orígenes en el art rock de los setenta, rock sinfónico, sicodélica, rock clásico, folk y muchas otras formas de música.

En los últimos 20 años se ha utilizado la palabra progresivo para describir la música que producen las bandas colegiales y el pop alternativo entre otros.

Rock sinfónico: Es una corriente del rock casi exclusiva de Londres. Sus exponentes producen un rock con impresionantes arreglos creando ese ambiente sinfónico, de música trabajada, de sonidos serios.

Sus principales representantes han sido Marillion, Yes, Génesis y Queen.

Punk: Se dice del movimiento musical de origen británico surgido a finales de los años sesenta y de sus manifestaciones en la moda y las costumbres.

Sus principales representantes fueron los Sex Pistols, autores de un rock primario y vital.

Sus seguidores son partidarios de una ideología anárquica y en ocasiones violenta; usan cabellos chillones, y ropa de cuero.

A mitad de los noventa vuelve el punk con menos crestas aunque sí con pelos de colores.

El trío Green Day, fuel el responsable de un nuevo punk más melódico y menos chillón.

Más recientemente, podemos encontrar a la joven cantante Pink, con una propuesta nueva para este género.

Etno – rock: Está íntimamente ligado al fenómeno del Word Music y Peter Gabriel lo ha alimentado.

Se caracteriza por la utilización de voces pertenecientes a etnias.

Acid rock:

Como su nombre lo indica es un rock ácido, un poco estridente, que juega con las experimentaciones sicodélicas. Jimmy Hendrix y el Pink Floyd son sus principales representantes en la década de los noventa.

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El Tri de México en el rock

2009-03-03T19:05:00.000-08:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del

rock Considerados todo un símbolo de la movida rockera latinoamericana.

El Tri de México aparece a fines de los años 60, con el mítico Alex Lora a la cabeza del grupo llamado originalmente “Three Souls in my Mind”.

Si bien al comienzo se dedicaron a componer temas en inglés, fue en su tercera producción que comenzaron a hacer sus canciones en español.

Pues la gran mayoría de su público era latino y ellos deseaban enviar en sus composiciones mensajes que esperaban que entendieran sus seguidores.

Un concierto que hizo historia en México.

Fue el que se realizó en el Festival de Avándaro a donde concurrieron más de 300 mil personas, constituyendo todo un récord en la historia del país azteca y también para la agrupación.

Luego de más de 15 años en los escenarios y de mucho batallar abriéndose paso en todas las clases sociales, y habiéndose convertido en un gran fenómeno musical, deciden cambiar el nombre de la agrupación por aquel con el que todos sus seguidores los identificaban:

El Tri.Su primer disco de oro les llegó en el año 1985 gracias a su álbum “Simplemente”, de donde sale el tema característico de la banda: “Triste Canción de Amor”, un gran hit del rock en español, aunque un gran éxito les esperaba también con su tema “Vicioso del Rocanrol”.

El Tri ha logrado desarrollar una importante carrera en los Estados Unidos, donde las colonias latinas le han dado el importante respaldo que le ha valido ganarse adeptos estadounidenses a través de sus constantes presentaciones en New York, Los Angeles, San Francisco, Chicago, Houston, California, entre otros.

Tienen una impresionante discografía y han sido reconocidos con casi todos los honores de la industria musical, así como por su enorme legión de seguidores.

Alex Lora ha sabido plasmar a través de sus temas la realidad latina; sus reiteradas denuncias a la injusticia y a la corrupción, así como a la opresión de las clases minoritarias y el abandono de los niños, que son temas recurrentes en este gran comunicador y cronista.

Su sensibilidad social se ha puesto de manifiesto en más de una oportunidad regalando incluso sillas de ruedas a muchos necesitados, y se ha ganado el amor de los seguidores de su retadora música, así como de aquellos que sólo lo conocen por su enorme solidaridad con el desamparado.

Una muestra del talento de

El Tri, así como de su tema bandera puede ser apreciado en el siguiente videoclip.

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EL GENERO DEL ROCK ALTERNATIVO

2009-02-19T14:03:00.000-08:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para mas informacion sobre el genero del rock

El término rock alternativo, también conocido en ocasiones como indie, hace referencia a un conjunto de géneros de música rock que nacieron en los años 80 y alcanzaron sus mayores cotas de popularidad en los años 90, así como a todos los subgéneros que han surgido a partir de ellos desde entonces.

Estos términos se acuñaron en los 80 para describir la música de los grupos influidos por el punk rock que grababan sus discos en discográficas independientes y que no se ajustaban a la música mainstream de la época.

Entre los diversos géneros que han surgido en la escena independiente desde los años 80, cabe destacar el grunge, el indie pop o el britpop, entre muchos otros.

Estos estilos tienen en común la herencia del espíritu del punk y de los géneros que surgieron a partir de él a finales de los 70.

Aunque la denominación hace referencia al rock, algunos de los subgéneros que engloba también reciben la influencia de otros estilos como el pop, el folk, la música electrónica o el jazz entre otros.

En ocasiones el término se ha empleado equivocadamente a partir de los 90 como una expresión comodín para denominar, paradójicamente, al rock en general.

Durante los 80, el éxito comercial de algunos grupos de rock alternativo que no abandonaron sus planteamientos originales como R.E.M. o The Cure, supuso que no se diera tanta importancia a grabar para una discográfica independiente o tener éxito únicamente en circuitos underground, como a ser una alternativa a la música comercial.

En los 90 debido al éxito en todo el mundo de Nirvana y de corrientes musicales como el Grunge y el Britpop, varios grupos etiquetados bajo esta denominación llegaron obtener un éxito masivo.

Admito que yo he usado este término sin saber realmente lo que es...

Bandas como Linkin Park o Foo Fighters son las que yo considero como Rock Alternativoy la verdad es que yo pensaba que el Rock Alternativo no tenía nada que ver con cualquier género dentro del Punk

Ahora me gustaría que opinaran de esto, para quitarme estas dudas .

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El Tri de México en el rock

2009-02-13T18:28:00.000-08:00

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rockConsiderados todo un símbolo de la movida rockera latinoamericana.

El Tri de México aparece a fines de los años 60, con el mítico Alex Lora a la cabeza del grupo llamado originalmente “Three Souls in my Mind”.

Si bien al comienzo se dedicaron a componer temas en inglés, fue en su tercera producción que comenzaron a hacer sus canciones en español.

Pues la gran mayoría de su público era latino y ellos deseaban enviar en sus composiciones mensajes que esperaban que entendieran sus seguidores.

Un concierto que hizo historia en México.

Fue el que se realizó en el Festival de Avándaro a donde concurrieron más de 300 mil personas, constituyendo todo un récord en la historia del país azteca y también para la agrupación.

Luego de más de 15 años en los escenarios y de mucho batallar abriéndose paso en todas las clases sociales, y habiéndose convertido en un gran fenómeno musical, deciden cambiar el nombre de la agrupación por aquel con el que todos sus seguidores los identificaban:

El Tri.Su primer disco de oro les llegó en el año 1985 gracias a su álbum “Simplemente”, de donde sale el tema característico de la banda: “Triste Canción de Amor”, un gran hit del rock en español, aunque un gran éxito les esperaba también con su tema “Vicioso del Rocanrol”.

El Tri ha logrado desarrollar una importante carrera en los Estados Unidos, donde las colonias latinas le han dado el importante respaldo que le ha valido ganarse adeptos estadounidenses a través de sus constantes presentaciones en New York, Los Angeles, San Francisco, Chicago, Houston, California, entre otros.

Tienen una impresionante discografía y han sido reconocidos con casi todos los honores de la industria musical, así como por su enorme legión de seguidores.

Alex Lora ha sabido plasmar a través de sus temas la realidad latina; sus reiteradas denuncias a la injusticia y a la corrupción, así como a la opresión de las clases minoritarias y el abandono de los niños, que son temas recurrentes en este gran comunicador y cronista.

Su sensibilidad social se ha puesto de manifiesto en más de una oportunidad regalando incluso sillas de ruedas a muchos necesitados, y se ha ganado el amor de los seguidores de su retadora música, así como de aquellos que sólo lo conocen por su enorme solidaridad con el desamparado.Una muestra del talento de

El Tri, así como de su tema bandera puede ser apreciado en el siguiente videoclip.

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SEXO DROGAS Y ROCK ESO DICE MICK JAGGER EN SUS ROLAS.

2009-02-10T13:49:00.000-08:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

Aun cuando no nacio en el seno de una familia de artistas su papa Basil Joseph Jagger era maestro de educación fisica y su madre Eva Scutt ama de casa mick fue estudiante talentoso que consiguió una beca completa en la prestigiada London Schoolde of Economics la cual abandono para dedicarse al rock.

En los primeros años de su vida conocio en la escuela a otro de integrante legendario delos Stones Keith Richards.

Juntos comensaron a desarrolar su talento como musicos hasta que a los principios de los años 60 fundaron la banda que los haria legendarios.

Ademas de conocerlo por su musica se sabe perfectamente que Jagger ha tenido miles de amantes sin embargo entre los romances mas sonados estan aquellas relacciones que le han costado verdaderas fortunas .

A finales de los 60 se caso por primera vez con la desconocida Marianne Faithfull de quien se divorcio después de haber perdido a su bebe .

A ella le siguió Rosa Peres Moreno de Macis una nicaragüense de la alta sociedad y con quien procreo a una niña llamada Jade.

Al mismo tiempo Jagger tuvo otra hija con la actriz Marsha Hunt .

En 1977 Mick conocio a Jerry Hall mujer con la que tendria tres hijos y cuyo divorcio a principio de los 90 le costaria 45 millones de dolares.

Pero mas allla de lo que rodea su vida el verdadero valor de Jagger esta en su legado como musico y compositor asi como en el sorpredente hecho de que sus 65 años de vida sigue produciendo musica y posee la energia suficiente para dar conciertos por todo el mundo.

Que viva por siempre MICK JAGGER y su musica.

Sexo drogas rock y Rolling Stones.

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Revela investigación que los conciertos de rock “envejecen” las obras de arte

2009-02-03T18:17:00.000-08:00

Por: Frankie

Científicos del Museo Hermitage dan a conocer resultados preliminares de la pesquisa.

Cada 10 conciertos por arriba de 82 decibeles agregan un año a la edad de las piezas.

Conciertos de rock que se realizan en mansiones señoriales dañan obras de arte con vibraciones sonoras que las “envejecen”, revela una investigación en Rusia.

Científicos del Museo Hermitage, de San Petersburgo, han examinado la forma en que conciertos de los Rolling Stones, Paul McCartney y otros en la adyacente Plaza de Invierno han afectado sus colecciones en los tres años pasados.

Los hallazgos, aún inéditos, podrían afectar el futuro de los conciertos de rock realizados en mansiones señoriales, según los científicos. Los resultados preliminares del estudio de tres años, que se examinan en el Instituto de Restauración Artística Grabar, en Moscú, muestran que cada 10 conciertos por arriba de 82 decibeles agregan un año a la edad de una obra.

Mijail Piotrovksi, director del Hermitage, declaró a The Independent que se debe advertir a instituciones de todo el mundo que los altos niveles de sonido pueden reducir la duración de una obra de arte. “Los resultados iniciales indican que el nivel de sonido en las salas que miran hacia la Plaza de Invierno no puede rebasar de 80 a 82 decibeles.

Me parece que es un asunto serio, y no sólo para Rusia”, aseveró.

Piotrovski añadió que es probable que edificios, libros y estatuas también sufran daño por los conciertos que se llevan a cabo en mansiones campestres y galerías.

Por esa preocupación llegó a un acuerdo con los Rolling Stones de mantener bajo el sonido durante su concierto en la plaza, para proteger obras de los siglos XIX y XX de artistas como Cezanne y Matisse, ubicadas en las alas adyacentes del palacio. Dijo que se perturbó cuando el concierto de Paul McCartney, en 2004, hizo temblar las ventanas del museo.

“El concierto de los Stones no pasó de 85 decibeles, que es bastante fuerte. Tuvimos que concentrar el sonido en cierta dirección. Ponemos a nuestro personal a medir el sonido durante los conciertos. Si se sobrepasa el límite, podemos hacer algo al respecto.

“Tuvimos algunos conciertos terribles con grupos rusos de rock –añadió–. No se deben realizar más de uno o dos conciertos al año en la plaza. Entendemos que es un lugar abierto, pero se debe poner límites. Cinco conciertos de música clásica están bien”, dijo.Andrew Johnson y Arifa Akbar, © The Independent, Traducción: Jorge Anaya

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HISTORIA DEL ROCK EN COLOMBIA 1ra PARTE

2009-01-29T13:05:00.000-08:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

rock colombiano alude a la música rock que se ha producido en Colombia desde finales de los años ‘50 hasta la actualidad. Desde su origen abarca diferentes manifestaciones y tendencias musicales, las cuales se han agrupado en una sola categoría.

En muchas fases de su desarrollo, el rock colombiano ha adquirido una identidad propia, ya sea por las temáticas que aborda o por los instrumentos o ritmos que ha adoptado, afines a la cultura del país.

La música rock se dio a conocer en Colombia a través del cine y la radio.

Se tiene como fecha de nacimiento del rock en Colombia el año 1957, cuando se estrena en el Teatro El Cid de Bogotá la película Al compás del reloj, la cual incluía música de Bill Haley.

Aunque hay que anotar que esa misma película fue proyectada en Cali dos años antes, registrándose destrozos por parte del público en el teatro donde se proyectó.

El nuevo ritmo fue ampliamente difundido, abriendo el camino para la organización de los primeros conjuntos rocanroleros, conciertos y concursos de baile, destacándose la presentación que en 1962 hizo Bill Haley en el Teatro Colombia (actual Teatro Jorge Eliécer Gaitán).

Sin embargo, esta primera moda del rock and roll fue fugaz y muchos de estos grupos pioneros viraron hacia la música tropical como fue el caso de Los Teenagers, Los Black Stars o Los Daro Boys.

También algunos cantantes que se formaron bajo el nuevo ritmo, como Lucas o Gustavo “El Loco” Quintero, modificaron su repertorio y se convirtieron en interpretes de baladas o música bailable.

En ese contexto, por influencia de grupos y solistas de México y Argentina, del inicio de la beatlemanía y de la difusión cada vez mayor de discos de rock, se organizaron nuevas bandas que años después serán reconocidas por los medios.

La primera generación [editar]Es a partir de 1964 cuando aparecen las primeras producciones discográficas dedicadas totalmente al repertorio rockero.

Los que inician este nuevo ciclo son Los Pelukas y Los Daro Jets, ambas agrupaciones de Bogotá.
A partir de 1965 se dieron a conocer los principales grupos de los años ‘60: The Speakers, Los Ampex, Los Flippers y Los Yetis, este último proveniente de Medellín.

Estas cuatro agrupaciones iniciaron su carrera copiando y traduciendo temas de bandas británicas y norteamericanas como Los Beatles, The Animals, The Trashmen o Los Rolling Stones. Sin embargo, con los años compusieron temas propios y viraron su propuesta musical hacia sonidos más experimentales.

Estos grupos fueron ampliamente reconocidas en todo el país, gracias a su permanente aparición en radio y televisión, junto con su presencia en el espectáculo “Milo A Go-Go”, un ciclo de conciertos que se realizó en las principales ciudades del país, donde alternaban baladistas y bandas de rock.

En los años ‘60 se destacaron otros grupos que intentaron conectar al rock con la psicodelia y con sonidos más fuertes. Estos grupos fueron The Young Beats, The Time Machine (ambos integrados por Roberto Fiorilli), Los 2+2 y The Walflower Complextion.

Al finalizar esta década se redujo notablemente el interés de la prensa masiva por el rock, haciendo que se redujeran los grupos, las grabaciones y los conciertos.

En esta misma época, algunos grupos sobrevivientes sorprendieron con propuestas cada vez más originales y maduras, las cuales se vieron reflejadas en los álbumes En el maravilloso mundo de Ingesón de The Speakers y Mi parque de Los Flippers.

Los años ‘70 coinciden con el crecimiento del movimiento hippie y ese cambio se ve reflejado en la música rock.

En esta época se iniciaron los festivales al aire libre, destacándose el festival de la Vida en el Parque Nacional (1970), los conciertos en Lijacá (sector del norte de Bogotá), el Festival de Ancón a las afueras de Medellín (1971) y los conciertos realizados en 1971-72 en las poblaciones de Melgar, Silvia y Yumbo.

En esos años aparecen grupos experimentales influenciados por bandas internacionales de garage rock, el rock progresivo o el jazz, al tiempo que aparecieron grupos cuyo sonido se fusiona con algunos ritmos autóctonos colombianos.

En esa primera línea se identifican las bandas Siglo Cero, La Banda Nueva, Terrón de Sueños, Hope y La Banda del Marciano.

Sólo las dos primeras dejaron registro grabado de su trabajo, destacándose La Banda Nueva por su elepé de 1973

La gran feria (nombre tomado de una composición de Bela Bartok), considerado por algunos críticos hasta finales de los años ‘80 como el mejor álbum de la historia del rock colombiano.

En esta etapa también sobrevivieron Los Flippers al grabar un elepé y varios sencillos, consolidándose como el proyecto más persistente y profesional de su generación.

La propuesta de fusionar el rock con ritmos autóctonos se reflejó en el trabajo de grupos como La Columna de Fuego, Malanga y Génesis.

La Columna de Fuego (grupo liderado por Roberto Fiorilli) fue el primer intento de juntar a músicos de rock con músicos de las costas colombianas (anticipándose dos décadas al desarrollo de ese fenómeno en el país); realizaron una gira por Europa y dejaron un elepé donde combinan elementos del funk, la cumbia y el currulao.

Malanga (grupo de donde salió Chucho Merchán) es la respuesta colombiana al “rock latino” o rock fusionado con la música del Caribe que popularizó Santana.

El ciclo de esta primera generación lo cierra Génesis, proyecto liderado por Humberto Monroy, el cual pretendió llevar la propuesta del folk rock al contexto colombiano, componiendo temas alusivos a la realidad del país e incorporando instrumentos y canciones locales a sus grabaciones y presentaciones en vivo.

Su etapa de mayor popularidad se dio en 1974-75 gracias al éxito de los temas “Don Simón” Y “Cómo decirte cuanto te amo” (original de Cat Stevens).

El grupo realizó ocho producciones discográficas (cifra excepcional para la época) y sobrevivió hasta la muerte de Monroy en 1992.

Otros grupos destacados de los años 70, que lamentablemente no dejaron registro grabado fueron Aeda, La Caja de Pandora, Gran Sociedad del estado y Los Apóstoles del Morbo.

Para 1975 el rock colombiano entra en un relativo letargo, debido a la reducción del público, la estigmatización por parte de la sociedad y el desinterés de la industria musical.

La mayoría de músicos emigran a España, Inglaterra y Estados Unidos y se inicia una etapa de silencio.

Final de los 70 y primeros años 80 ]A finales de los años ‘70 el rock colombiano entra en una etapa de letargo.

Sin embargo, algunos músicos intentan mantener el nivel alcanzado a principios de la década.
En este periodo se destacan los grupos Cascabel de Bogotá (orientado al sonido progresivo y latino) y Judas de Medellín (hard rock).

También debe mencionarse el grupo Crash (activo entre 1976 y 1984), formado por el hawaiano Randy, el cual reunió a diferentes figuras de la primera generación rockera como Eduardo Acevedo, Ernie Becerra y Augusto Martelo.

Otras bandas de la época, aunque pasan desapercibidas, tendrán cierto grado de figuración como La Banda del Pelícano, Últimos Tiempos o Compañía Ilimitada (por entonces un conjunto estudiantil).

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El concierto de Def Leppard en México

2009-01-22T13:57:00.000-08:00

Por: Juan Carlos Piña Mejía- Visita mi Blog para mas bitácoras de conciertos en México.

2008, las reseñas del disco dicen que no suenan a lo de antes que estan en decadencia pero en realidad no importa ya que marcaron una pauta en la escena del Rock y Metal.

17 de Noviembre de 2005, Auditorio Nacional-Mexico, D.F.

El sexto concierto al que asistí fue el de Def Leppard (Leopardo Sordo) es una banda británica de los ochenta tan influyente en sus inicios en el genero “New Wave Of British Heavy Metal”, en sus inicios en 1980 “Bringin’ On The Heartbreak” fue uno de los primeros videos de metal en MTV en 1982, se les critico de ser muy populares después del disco “Histeria” que fue su disco que los catapulto a los charts de Billboard, en mi caso es uno de los discos favoritos ya que tiene esa energía que cualquier banda busca.

Poco después de las 20:30 horas la agrupación, que alcanzó el éxito en la década de los años 80, apareció en el escenario para agradecer a los presentes y expresar su gusto por esta visita, en la que dejaron constancia de sus poco más de 25 años de carrera, gente emocionada como nunca.
Los cinco músicos que acercaron el heavy metal a la radio revivieron viejas glorias al lado de sus amigos, como ellos mismos llamaron al público mexicano, conformado por diferentes generaciones.

Temas como “Action”, “Let’s get rocked”, “Make love”, “Foolin” e “Hysteria” abrieron el festín musical, con un foro muy sencillo, en el que utilizaron de fondo la portada de su más reciente producción musical “Rock of ages”, la banda hizo un breve espacio para dar las gracias y decir: “Es bueno estar en México después de tanto tiempo, gracias por esperarnos”.”Promises”, “No matter”, “Love bites”, Armaggedon”, “Gods of war”, “Rock on”, “Photograph”, “Animal”, “Rock of ages”, “Slang” y “Sugar” fueron otros de los cortes que sonaron en el “Coloso de Reforma”, que esa noche volvieron a cimbraron con la música de la agrupación.

Recientemente Def Leppard lanzo el disco Songs From The Sparkle Lounge en Abril- (
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Que es el Punk Rock?

2009-01-19T12:16:00.000-08:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

El punk es una subcultura social de origen urbano.

Apareció a mediados de los los setenta para regresar el rock a sus orígenes.

Se caracterizaba, en especial en sus inicios, por su actitud independiente y amateur, demostrando que el rock era, para y de los jóvenes, no exclusivamente de los grandes virtuosos superestrellas.

Su música es un tipo de rock, sencillo, con melodías simples de duraciones cortas, pocos arreglos e instrumentos, y por lo general veloces composiciones.

Normalmente las personas que integran este movimiento defienden los principios de igualdad y equidad.

Muchos apoyan tanto el comunismo como el anarquismo, además de otras corrientes ideológicas.
Las letras de la música punk van generalmente ligadas a estas ideologías.

En sus inicios el punk fue una música muy simple y cruda. Sin embargo, el género se ha combinado con muchos otros, y a medida de que ha pasado el tiempo ha ido evolucionando.

Aunque sigue siendo una música relativamente fácil de tocar, se ha vuelto más rápida y las melodías con la guitarra han mejorado.

Musicalmente, el punk se define por canciones simples, usa letras con orientaciones políticas y sociales, sin orquestaciones ni grandes pretensiones.

Usa un ritmo rápido y agresivo propicio para un baile denominado pogo.

Se basa en empujones y golpes entre los que bailan, generando un ambiente caótico.

La guitarra se caracteriza por sus veloces rasgueos muteados, es decir, silenciados parcialmente con la palma de la mano, dando un efecto conocido como palm mute (enmudecer con la palma, en español).

El bajo por lo general sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos pero agresivos.
Origen del término punk

El término inglés punk no tiene un significado claro.

Es un término despectivo cuyo significado puede variar, aplicándose a objetos (significando algo así como basura) o a personas (significando vago, despreciable, o también basura, escoria).

El autor William Burroughs escribió en la época que: punk significa alguien que le gusta "recibir por el culo".

Y Sid Vicious lo definió de esta forma: "Los punks (gamberros) delinquen, delinquir te lleva a la carcel y en la carcel te dan por el culo.

Así que podríamos definir punk como alguien que le gusta recibir por el culo".

Historia del punk

Después de la Segunda Guerra Mundial la gente que sobrevivió estaba sumida en la miseria.
Muchas estructuras de Londres habían sido destruidas, así que muchos huérfanos sin hogar se unieron en pequeñas pandillas y se refugiaron en las alcantarillas de Londres, dando origen a su denominación de Underground.

A finales de los años 60s, una corriente de jóvenes de Gran Bretaña y otros países industrializados consideraban que el rock había pasado de ser un medio de expresión.

Para los jóvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los músicos de ese entonces.

Las obras discográficas de bandas de rock a principios de los 70s llevaban meses de grabación, grandes orquestaciones y millones de dolares como inversión.

Sin mencionar lo costoso y elaborado que resultaban las majestuosas y pomposas giras y presentaciones en vivo, las cuales exigían enormes escenarios.

Apoyos lujosos que iban desde iluminación y escenografía, hasta fuegos pirotécnicos.
Todo esto alejaba el rock de la gente común, y pronto el status de rockero dejo de ser identificable con la vida cotidiana del joven promedio.

Una primera corriente de nuevas bandas buscó regresar al rock a sus bases primitivas, a la simplicidad y el minimalismo.

Muchos se abanderaron bajo el mote de Garage, tomando como principal influencia el sonido de guitarras impuesto por lo que en Estados Unidos se llamó.

Invasión inglesa (The Kinks, The Beatles, The Rolling Stones, etc), recrudeciendo más el sonido y con composiciones menos profesionales.

Estos grupos después serían bautizadas como parte del movimiento proto-punk, ya que estas, junto con otras bandas y estilos serían quienes ya fuera con su sonido o sus ideales (la actitud de "hazlo tú mismo" comenzaban a asomarse en algunos de ellos) terminarían de darle forma a lo que conocemos como punk.

Mientras que en los setenta, bandas como Led Zeppelin, The Who, Pink Floyd, o Queen -entre muchas mas- llevaban al extremo sus producciones y presentaciones, subiéndose al estatus de estrellas.

En el underground, bandas como Television, The Velvet Underground, y los Stooges, ya en los sesenta le habían dado vuelo a un nuevo género que estallando una década después cambió la historia del rock por completo.

En 1974, en Nueva York, cuatro chicos de clase media urbana se unirían en la que algunos consideran la primera banda punk: The Ramones.

Sus canciones, melodías de no más de tres acordes, con composiciones sencillas, sin solos o grandes arreglos, cuyas letras tratarían temas comunes y de su vida cotidiana, y en especial su actitud anti-moda.

Sería la definición perfecta del naciente género punk, y una pauta a seguir para las bandas por venir.

Por su parte en Inglaterra se terminaría de crear el punk, si bien no tanto musicalmente, sí sucedería socialmente.

Encabezados por los antilíderes Sex Pistols, la juventud de clase obrera tomaría la guitarra el bajo y la batería como armas y medios de expresión para gritar al mundo su repudio al orden social.

Tal como después sucedería en muchos otros países, en Inglaterra pronto los grupos tomaron influencias de otros géneros, dándole un toque característico y especial al punk británico.

El cual tomaría influencas del glam rock, con sus pequeños riffs y su indumentarias.

Y del reggae y ska jamaiquinos, el cual es notable en especial en The Clash, considerado junto con los Sex Pistols el principal grupo británico de punk.

Así pronto Nueva York se convertiría junto con Londres en la cuna del punk, atrayendo a miles de jovenes que hasta entonces no sentían que pudiesen encajar con un mundo que se pintaba ajeno a su sentir.

Con el tiempo el género tomaría diferentes caminos y en su paso evolucionaría en muchos subgéneros.

Algunos determinados por características musicales, otros simplemente por sus letras o las ideologías que respaldaban.

La filosofía punk

La filosofía punk puede resumirse en "Házlo tu mismo". Rechaza los dogmas, y no busca una única verdad. Cuestiona todo lo que rodea, con un desprecio por las modas y la manipulación mediática.

También está en contra del consumismo y llama a la gente a no dejarse engañar y a pensar por si mismos.

Esto es lo que diferencia a los verdaderos punks de aquellos que solo copian su estética, como los que a partir de 2002 se unieron al nuevo boom punk.

Donde los adolescentes usan la estética, descartando la filosofía, como el caso de Avril Lavigne, siendo categorizadas por algunos dentro del subgénero Happy punk, Pop punk o Neo Punk.
Entre las ideologías que suelen ir asociadas al punk se encuentran el anarquismo, el antimilitarismo y el antifascismo (por la diferencia de clases y racial).

La filosofía punk se centra en la libertad, la igualdad, buscando liberarse de la opresión y de la autoridad, así como de los estigmas sociales.

Subgéneros y estilos relacionados

La estructura sencilla del punk no permitió que se quedara inmóvil, pues pronto se hubiera secado.

Así, las bandas, buscando hacer algo diferente o simplemente su propia evolución, fueron agregando elementos que darían paso a la creación de nuevos sonidos y nuevos estilos.
Por otra parte pronto el punk se politizaría, para bien o para mal y tomaría tendencias que también los definiría como subramas del punk.

Muchos de los grupos se movían de uno a otro género, pues en repetidas ocasiones la línea que divide un estilo de otro se basaba en detalles mínimos, pudiendo hoy en día bandas que encajan en el perfil de más de dos subgéneros. Como en todos los casos.

Existe gente que no considera que existan subgéneros y clasifica todo como punk; y otros que exageran la ramificación del género creando algunas definiciones en base a pequeñeces que a la larga llevan a confusiones entre uno y otro género.

Entre estos subgnéros podemos identificar los siguientes:

Ska-Punk: Es la rama del punk combinada con el ska, con ritmos rápidos y uso de instrumentos como trompetas o saxofones.

Metalcore:

Es la rama del punk que se combina con el metal, acelerando este último, llegando a un ritmo rápido pero a la vez con alta armonía y diversidad de sonidos.

Hardcore: este género es el más amplio de todos.

Elvis Presley, primer ídolo del rock & roll

Nacido en el seno de una familia de granjeros de Mississippi (1935), el joven Elvis Aron Presley iba a convertirse con apenas veinte años en una leyenda viva de la música de la época.

Inició su carrera discográfica grabando en los estudios Sun dos baladas populares como regalo de cumpleaños para su madre. Durante los años 1954 y 1955 realizó nuevas grabaciones.

Con un estilo que mezclaba la música country y del rhythm & blues de los vocalistas negros, y que habría de proporcionarle cierto renombre como cantante local.

Inicialmente representado por Scotty Mooe y después por Bob Neal, su carrera despegò con la llegada del Coronel Tom Parker.

Tras estos comienzos, firmó en 1956 con la RCA, compañía con la que alcanzaría proyección nacional. Su primer gran tema fue "Heartbreak Hotel" (1956).

Ese mismo año vieron la luz canciones como "I Want You, I Need You, I Love You", "Don't Be Cruel", "Hound Dog" y "Love Me Tender", que marcaron el comienzo de una auténtica revolución.

El estilo desenfadado de Presley y sus contorsiones sobre el escenario fueron los catalizadores necesarios para que el rock & roll triunfara entre la juventud blanca y despertara el interés de las compañías discográficas.

El escándalo y la provocación sirvieron también como herramienta de trabajo en su lanzamiento.
Se revelaba como un vocalista excepcional que combinaba desenfreno y ternura y había calado en la sensibilidad del blues como ningún otro blanco hasta entonces.
Era, para sus fans, fundamentalmente adolescentes, el rey indiscutible de algo que se empezaba a llamar rock & roll.
Sus espléndidas cualidades vocales y sus rítmicas y provocativas contorsiones le granjearon la adoración del público.

Con su cabello engominado, sus largas patillas y una peculiar vestimenta de tonos estridentes y profusión de adornos, puso de moda una nueva estética que sería imitada por multitud de seguidores.

Hasta la llegada de Elvis, los fenómenos de histerismo colectivo alrededor de un ídolo habían sido meros ensayos, ahora había nacido un símbolo, y ese símbolo contaba con una importante organización comercial que permitiría su difusión por todos los rincones del planeta.

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Diferencias entre el rock y el rock and rolll rocanrol, rock y música rock

2009-01-14T11:52:00.000-08:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

El término rock deriva del vocablo rock and roll, pero hoy día ha evolucionado y el concepto de rock conserva dos significados distintos según la Real Academia de la Lengua Española:

Cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll.

que se corresponde con el género musical contemporáneo denominado música rock.

Un género musical característico y popularizado en los años 50, que comparte con la acepción del género musical rock and roll.

Baile de pareja que se ejecuta con esta música. Véase rock and roll.

El término rock and roll ha englobado desde siempre todos los géneros musicales que derivan de él al ser la única vertiente y término predominante.

Pero posteriormente, debido a la creciente popularidad de muchos de esos géneros derivados, se ha creado un término que es puramente contemporáneo para englobarlos.

Con la misma función que venía cumpliendo el término rock and roll, y que se diferencia a partir de la contracción derivada de éste rock.

Por lo que rock and roll es el sinónimo histórico de música rock y todos los géneros englobados en música rock derivan de él de forma directa o indirecta.

De esta forma, el término rock deriva del término rock and roll, pero hoy día conserva dos significados según la Real Academia de la Lengua Española.

Un género musical característico y popularizado en los 50 que se corresponde con la definición de rock and roll y cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll.

Que sería por tanto la definición del género contemporáneo música rock, y que ha cumplido anteriormente el término rock and roll.

En la práctica, hoy día existen muchos artistas dentro de la música rock que, sin realizar ese género de los 50, denominan a su música rock and roll o se sienten identificados con el mismo.

Por otro lado, el diccionario de la lengua española en su vigésima segunda edición recoge el término rock and roll como voz inglesa a modo de anglicismo.

Sin embargo en el avance de la vigésima tercera edición el artículo ha sido enmendado tomando rocanrol como término en español derivado del inglés.

En la década de 1950, en Estados Unidos, los adolescentes buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones.

Por primera vez, una música se dirigía directamente a ellos el rock and roll.

En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces.

A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacían presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se materializó en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial.

Por otro lado también la influencia de los músicos blancos a través del género musical denominado country y la aparición de la guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, padre del rock and roll.

Uno de sus precursores fue Muddy Waters en 1949.

El término rock and roll empezó a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues.

El cual denotaba en demasía las luchas raciales para la época, y aunque en esencia los dos géneros musicales representaban lo mismo se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la música que no mencione el conflicto racial.

El rock and roll o rocanrol emergió como un género musical definido en Estados Unidos en la década de 1950.

Los inicios del rock and roll combinan elementos del blues, boogie woogie, y jazz con influencias de la música folclórica Apalache, gospel, country y western especializado.

Muddy Waters muchas veces ha sido acreditado como el músico que pavimentó el camino hacia el rock and roll.

Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets.

Especialmente con Crazy man crazy (1954) y su gran éxito Rock around the clock (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon.

Otros consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo del rock and roll a 1954, año en el que Presley editó su primer disco.

Entre los músicos destacados de la época se pueden citar a Little Richard, Bo Diddley, Fats Domino, Buddy Holly, Gene Vincent entre otros.

A partir de los años 60 el rock and roll tuvo un importante desarrollo y evolución que se expresó a través de una gran cantidad de bandas y variedad de ritmos y estilos que convirtió el rock and roll en un fenómeno cultural y musical que se extendió alrededor del mundo.

El estilo es una conjunción rítmica que se cimenta esencialmente sobre la música negra.

La popularización del rock and roll sirvió para que muchos músicos, pudiesen expresarse y llegar a difundirse en medios locales y nacionales.

Esa es la historia de muchos rockeros negros, como el mismo Chuck Berry, quien plasma la realidad social de su entorno en la canción Johnny B. Goode.

El rock surge mediado el siglo en Estados Unidos. Considerado sinónimo de la "música del siglo XX.

El rock pierde con los años el marcado carácter anglosajón que tiene en sus orígenes para transformarse en un lenguaje universal y sometido a continuo cambio.

Al surgir de un modo espectacular y desarrollarse en principio como un fenómeno de masas que trastornó la vida y los ideales de Norteamérica, no puede considerarse como un movimiento musical en sentido estricto.

Sus raíces son tan plurales que sintetizan las principales ramas de la llamada música popular estadounidense, sobre todo el blues, el rhythm and blues, el gospel y el country and western.

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Origen del término 'punk'

2009-01-07T15:14:00.000-08:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

El término inglés 'punk' no tiene un significado claro.

Es un término despectivo cuyo significado puede variar, aplicándose a objetos significando algo así como basura o a personas significando vago, despreciable, o también basura, escoria.

El autor William Burroughs escribió en la época que: 'punk' significa alguien que le gusta "recibir por el culo".

Y Sid Vicious lo definió de esta forma: "Los punks (gamberros) delinquen, delinquir te lleva a la cárcel y en la cárcel te dan por el culo.

Así que podríamos definir punk como alguien que le gusta recibir por el culo. Después de la Segunda Guerra Mundial la gente que sobrevivió estaba sumida en la miseria.

Muchas estructuras de Londres habían sido destruidas, así que muchos huérfanos sin hogar se unieron en pequeñas pandillas y se refugiaron en las alcantarillas de Londres, dando origen a su denominación de Underground.

A finales de los años 60s, una corriente de jóvenes de Gran Bretaña y otros países industrializados consideraban que el rock había pasado de ser un medio de expresión para los jóvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los músicos de ese entonces.

Las obras discográficas de bandas de rock a principios de los 70s llevaban meses de grabación, grandes orquestaciones y millones de dolares como inversión; sin mencionar lo costoso y elaborado que resultaban las majestuosas y pomposas giras y presentaciones en vivo.

Las cuales exigían enormes escenarios, apoyos lujosos que iban desde iluminación y escenografía, hasta fuegos pirotécnicos. Todo esto alejaba el rock de la gente común, y pronto el status de rockero dejó de ser identificable con la vida cotidiana del joven promedio.

Una primera corriente de nuevas bandas buscó regresar al rock a sus bases primitivas, a la simplicidad y el minimalismo.

Muchos se abanderaron bajo el mote de Garage, tomando como principal influencia el sonido de guitarras impuesto por lo que en Estados Unidos se llamó invasión inglesa (The Kinks, The Beatles, The Rolling Stones, etc.

Recrudeciendo más el sonido y con composiciones menos profesionales.

Estos grupos después serían bautizadas como parte del movimiento proto-punk, ya que estas, junto con otras bandas y estilos serían quienes ya fuera con su sonido o sus ideales la actitud de hazlo tú mismo comenzaban a asomarse en algunos de ellos terminarían de darle forma a lo que conocemos como punk.

Mientras que en los setenta, bandas como Led Zeppelin, The Who, Pink Floyd, o Queen -entre muchas más- llevaban al extremo sus producciones y presentaciones, subiéndose al estatus de estrellas.

En el underground, bandas como MC5, The Velvet Underground, y los Stooges, ya en los sesenta le habían dado vuelo a un nuevo género que estallando una década después cambió la historia del rock por completo.

En 1974, en Nueva York, cuatro chicos de clase media urbana se unirían en la que algunos consideran la primera banda punk: The Ramones.

Sus canciones, melodías de no más de tres acordes, con composiciones sencillas, sin solos o grandes arreglos, cuyas letras tratarían temas comunes y de su vida cotidiana, y en especial su actitud anti-moda, sería la definición perfecta del naciente género punk, y una pauta a seguir para las bandas por venir. Por su parte en Inglaterra se terminaría de crear el punk, si bien no tanto musicalmente, sí sucedería socialmente.

Encabezados por los antilíderes Sex Pistols, la juventud de clase obrera tomaría la guitarra el bajo y la batería como armas y medios de expresión para gritar al mundo su repudio al orden social.

Tal como después sucedería en muchos otros países, en Inglaterra pronto los grupos tomaron influencias de otros géneros, dándole un toque característico y especial al punk británico;

El cual tomaría influencias del glam rock, con sus pequeños riffs y su indumentarias; y del reggae y ska jamaiquinos, el cual es notable en especial en The Clash, considerado junto con los Sex Pistols el principal grupo británico de punk.

Así pronto Nueva York se convertiría junto con Londres en la cuna del punk, atrayendo a miles de jóvenes que hasta entonces no sentían que pudiesen encajar con un mundo que se pintaba ajeno a su sentir.

Con el tiempo el género tomaría diferentes caminos y en su paso evolucionaría en muchos subgéneros, algunos determinados por características musicales, otros simplemente por sus letras o las ideologías que respaldaban.

En España, ya por 1976, había empezado a tocar La Banda Trapera del Río, pioneros del punk del país.

A partir de los años 1980 en adelante encontramos bandas como Eskorbuto, Manolo Kabezabolo y La Polla Records. En Argentina una de las primeras bandas de punk rock fueron

Los Violadores, alrededor de 1980. A fines de los años '80 nace Attaque 77 y Flema uno de los grupos más representativos del género.

En la década de los 90´ nacen bandas tales como Cadena Perpetua, Superuva.y nihilismo titulando su estilo como ´´Punk rock espinosa´´ Los grupòs más conocidos en la Argentina, fueron.

Los siete mandamientos , Los herederos de jesus, que marcaron un antes y un después en la cultura religiosa argentina.

En Chile la banda punk más antigua es Fiskales Ad-Hok En Uruguay las bandas de punk rock más importantes son Buitres Despuès de la Una BDDL1 y Trotsky Vengarán (TKY VGN), cuyos vocalistas son hermanos.

Otra de las bandas importantes de este pais es La Sangre De Veronica o (LSDVK). También se destacan bandas como Graffolitas, Mandala Punk y Nada Que Hacer. En ciudades del interior de este país, se está volviendo al movimiento under de bandas de punk rock.

La filosofía punk

La filosofía punk puede resumirse en Házlo tu mismo.

Rechaza los dogmas, y no busca una única verdad.

Cuestiona todo lo que rodea, con un desprecio por las modas y la manipulación mediática.

También está en contra del consumismo y llama a la gente a no dejarse engañar y a pensar por sí mismos. Entre las ideologías que suelen ir asociadas al punk se encuentran el anarquismo, el antimilitarismo y el antifascismo (por la diferencia de clases y racial).

La filosofía punk se centra en la libertad, la igualdad, buscando liberarse de la opresión y de la autoridad, así como de los estigmas sociales.

Ahora el punk a evolucionado a otro nivel, se esta dejando de solo comunicar la conciencia oralmente y se a pasado a actuar, haciendo obras sociales y llegando hacer cosas sin necesidad del apoyo del gobierno.

En muchas partes del mundo se estan uniendo los punks para estos fines ayudar los necesitados y actuar para poder vivir algun dia mejor. Algunas personas, como muchos de los que a partir de la década de 2000 se unieron al nuevo boom punk blink-182, Good Charlotte, etc.

Usan la estética, descartando la filosofía (poseurs), siendo categorizados usualmente dentro del subgénero Happy punk, el Pop punk o el Neo Punk.

Estos grupos suelen provocar el rechazo de los que se consideran auténticos punks. [escribe] Subgéneros y estilos relacionados

La estructura sencilla del punk no permitió que se quedara inmóvil, pues pronto se hubiera secado.

Así, las bandas, buscando hacer algo diferente o simplemente su propia evolución, fueron agregando elementos que darían paso a la creación de nuevos sonidos y nuevos estilos. Por otra parte pronto el punk se politizaría, para bien o para mal y tomaría tendencias que también los definiría como subramas del punk.

Muchos de los grupos se movían de uno a otro género, pues en repetidas ocasiones la línea que divide un estilo de otro se basaba en detalles mínimos, pudiendo hoy en día bandas que encajan en el perfil de más de dos subgéneros.

Como en todos los casos, existe gente que no considera que existan subgéneros y clasifica todo como punk; y otros que exageran la ramificación del género creando algunas definiciones en base a pequeñeces que a la larga llevan a confusiones entre uno y otro género.

QUE COMFUSION NOOO

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Desde 1954 en que naciera este género musical.

2009-01-02T15:41:00.000-08:00

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cientos de autores han querido clasificarlo como un fenómeno popular, pasajero y sin trascendencia cultural; pero a diferencia de lo que normalmente se conoce como música pop ¿Qué es lo que le hace peculiar e inperecedero? Por una parte, el término Rock& Roll del idioma inglés, se traduce como "piedra (eslabón inicial) ...

y rollo" (consecuencia de ideas), reales gracias a la inventiva de una sociedad anglosajónica, transformada por dos guerras mundiales, e influenciada por el folklore del resto del Mundo.

Ambos términos se unieron para responder a las preguntas existencialistas, así como se justifican grandes ciencias del conocimiento como la Filosofía, el Álgebra e incluso la Administración.

¿Quién soy? ¿qué es lo que hago aquí? ¿y cual es la razón de ser de las cosas que me rodean? Podemos pensar por tanto que coexisten por la perpetuidad de la especie humana en la segunda mitad del siglo XX, la cual ha sobrevivido a la amenaza de la guerra nuclear.

Muchos podríamos suponer que "rock&roll" significa "muevanse y agítenlo" como si se tratara de un baile aborigen más viejo que la escritura.

La verdad es que el movimiento rockero es tan tuevo como el proceso de desarrollo de los paises del tercer mundo y debido a ello merece cierto respeto por parte de las comunidades latinas, islámicas y orientales; las letras de ciertas canciones representan críticas bien fundamentadas.

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Las Costumbres punk

2008-12-27T13:49:00.000-08:00

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El Punk, en sus inicios, introdujo una serie de chocantes costumbres nuevas.

Parte de ellas se fueron atemperando en los años 1980.

La automutilación con finalidad estética. Los punks perforaban sus mejillas y aletas nasales con imperdibles, lo cual provocaba dolor e infecciones.

La exhibición de símbolos nazis.

Los punks de la primera oleada vestían copias de chaquetas de uniformes alemanes de la Segunda Guerra Mundial.

Más tarde, la moda se simplificó simplemente en portar svásticas.

El uso de estos símbolos no respondía a ninguna identificación con el nazismo, sino simplemente se portaban con al hábito de provocar.

Algunos locales Punk llegaron a colgar banderas nazis con el mismo propósito.

El escupir a los músicos en los conciertos. Esta costumbre se inició en los conciertos de Johnny Rotten, según el director de "La gran estafa del Rock and Roll": "Cuando Rotten por fin salió al escenario, parecía Agincourt.

Salieron esas bolas de mocos por los aires que dejaron a John como si fuera Medusa."

Siouxsie enfermó de conjuntivitis, después de que un esputo le alcanzase en un ojo.

Joe Strummer sufrió de fiebre glandular después de tragar involuntariamente un esputo.

El baile pogo.

Este baile, consiste en darse empujones y golpes al ritmo de la música, provocó numerosos accidentes y heridas, dada su naturaleza caótica.

La estética punk buscaba rehuir de todas las convenciones aceptadas, por lo que los punks adoptaron elementos tales como cortes de pelo intencionalmente mal hechos (que derivaron en las típicas crestas), teñidos capilares en colores inusuales (rojo, verde, azul), botas demasiado grandes y sin atar y ropa rota y sucia.

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Historia del rock nacional 1ra parte

2008-12-08T13:43:00.000-08:00

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Los comienzos de Rock Argentino se pueden remontar a 1963, cuando Sandro y Los de Fuegos grababa una serie de estupendos covers de Rock clásicos, en castellano, luego Sandro inclina su destino como baladista.

Desde 1964 y como en resto del mundo, la Argentina es sacudida por el fenómeno "Beatles".

Muchos grupos se lanzaron a imitarlos y se destacan los uruguayos de "Los Shakers", que tenían un inusual talento, pero todas sus canciones eran en inglés.

Los jóvenes argentinos no podían estar al margen, y unidos se reunían en reductos como "La Cueva" o el bar "La Perla del Once", o mismo en los canteros de Plaza Francia. Algunos de los bohemios que estaban era Moris, Javier Martinez y Tanguito (el primer mito).

Así en 1966 se edita el primer simple del Rock Argentino "Rebelde" del grupo Los Beatniks donde estaba Moris.

Pero "La balsa" de Los Gatos, grabado en 1967, fue el primer éxito del género y demostraron que se podía cantar rock en castellano.

Los Gatos un grupo rosarino editan el primer LP del Rock Argentino, este grupo edita 5 discos y se separan, comenzando la carrera solista de Litto Nebbia y Pappo forma Pappo's Blues.

Miguel Abuelo y Pipo Lernoud organizaron un grupo muy especial Los Abuelos de la Nada que solo grabó unos temas.

En 1968 Mandioca se convierte en el primer sello discográfico dedicado al Rock Nacional. Este sello edita "30 minutos de vida" de Moris, luego se va a España donde alguno de sus éxitos convencieron a muchos rockeros españoles a cantar en su idioma.

En 1970 aparece el primer disco de Almendra donde estaba el tema "Muchacha ojos de papel", pero Almendra dura poco después de un disco doble se separan.

Luis Alberto Spinetta forma Pescado Rabioso banda que dominó la escena del rock pesado, con un sonido áspero.

Los otro integrantes forman Color Humano y Aquelarre que acercó su inquietud por la experimentación en el terreno de la fusión de estilos.

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MUERE BATERISTA DE JIMI HENDRIX

2008-12-02T15:29:00.000-08:00

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EL ULTIMO SOBREVIVIENTE DE LA BANDA THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE, MITCH MITCHELL.

FUE ENCONTRADO MUERTO HACE UNOS DIAS EN LA HABITACION.

DEL HOTEL EN OREGON, ESTADOUNIDOS, INFORMO UN FORENSE DEL CONDADO.......

Mitch Mitchell ha sido encontrado muerto el miércoles 12 de noviembre en la habitación de un hotel en Portland (Oregon) a la edad de 62 de años.

El batería británico era el último sobreviviente de la mítica banda de los años sesenta liderada por Jimi Hendrix, The Jimi Hendrix Experience.

El músico estaba terminando una gira que le llevaba por 18 ciudades de Estados Unidos con el Experience Hendrix Tour, llevando a cabo así un tributo a la música del grupo del cual era el último superviviente tras la muerte en 1970 de Jimi Hendrix, líder del grupo, en extrañas circunstancias a los 27 años truncando un prometedor futuro, y del bajista, Noel Redding, que murió en 2003 a los 57 años de edad.

Las causas de la muerte parecen ser naturales pero se llevará cabo una autopsia para confirmar qué ha sido definitivo en la muerte de este bateria que también había tocado con artistas como John Lennon, Eric Clapton o Keith Richards por poner algún ejemplo.

Janie Hendrix, jefe ejecutivo de Experience Hendrix afirma en la nota de prensa colgada en la web tributo a Jimi Hendrix que “Estamos todos devastados tras oír que Mitch ha muerto”, “Fue un hombre maravilloso, un músico brillante y un verdadero amigo.

Su papel en la formación del sonido de la ‘Jimi Hendrix Experience’ no puede ser subestimado”, añadió al respecto.

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2008-11-30T19:51:00.000-08:00

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Es una de las más legendarias bandas de la historia del rock y pilar fundamental del Hard-Rock, uno de los géneros con mas seguidores en el mundo.

La noche caraqueña se volverá púrpura.

Que una agrupación de rock pueda alcanzar los 40 años de actividad y vigencia no es común.
Deep Purple es un caso particular, una banda que ha conservado la lealtad de sus viejos fans, influenciado a una miríada de bandas alrededor del planeta y ganado nuevos adeptos a través del tiempo, aún a pesar de las idas y venidas de algunos de sus más conocidos integrantes y que su período más fértil e influyente se ubica en la primera mitad de los años 70.

Deep Purple definió el sonido clásico del Hard Rock gracias en especial a la voz de Ian Gillan y la guitarra de Ritchie Blackmore.

Con la trilogía In Rock (1970), Fireball (1971) y Machine Head (1972) se convirtió en uno de los vértices a partir del cual se desarrolló el Heavy Metal, un género del cual, paradójicamente, siempre ha guardado una distancia prudencial.

A Deep Purple se deben algunas de las más representativas canciones de la historia del rock, famosas por los legendarios riffs y solos de guitarra de Blackmore.

Las catárquicas vocalizaciones de Gillan, las densas y distintivas excursiones del órgano de John Lord y una base rítmica efectiva comandada durante 40 años por el baterista Ian Pace, único músico que ha aparecido en todos sus discos.

Canciones como “Smoke on The Water”, “Highway Star”, “Lazy”, “Space Truckin’”, “Fireball”, “When a Blind Man Cries”, “Child on Time” o el tempranero éxito de 1968, “Hush”, son columna vertebral de su historia y de la de un género popular en todo el planeta.

Luego de la primera etapa con Nick Simper (bajo) y Rod Evans (voz), en la que aun tenían influencia de la psicodelia, apareció Concerto for Group and Orquestra (1970), uno de los primeros intentos serios de una banda de rock junto a una orquesta sinfónica.

Tras él Blackmore tomó el control y el grupo emprendió la etapa más exitosa de su carrera, unos años que fueron testigos de su conversión en una de las más grandes bandas en vivo del mundo, junto a Led Zeppelín y The Rolling Stones.

De uno de esos shows surgió Made in Japan (1972), ubicado por fans y crítica en el panteón de los mejores discos en directo de todos los tiempos, el primero de una larguísima lista de álbumes en vivo editados en las siguientes décadas, muchas veces para tapar las carencias de nuevo material o simplemente para saciar el apetito de los seguidores más leales.

La historia ha dejado claro que los escenarios son el lugar ideal para Deep Purple.

La retroalimentación con el público, aunado a que en estos tiempos los conciertos son la principal fuente de ingresos para los músicos, hacen que la banda haya sobrevivido a la oxidación y a importantes deserciones como la de John Lord y Ritchie Blackmore.

Como muchas bandas longevas, Deep Purple no ha escapado a los cambios de formación, a las reconciliaciones y desencuentros cada cierto tiempo. Cuando ya habían escalado el Olimpo, Gillan y Glover abandonaron el grupo en 1973. Hoy son de nuevo el soporte del grupo.

El siguiente gran varapalo lo dio Blackmore quien después de grabar Stormbringer (1974) se retiró para formar su nueva banda Rainbow. Su reemplazante de entonces, Tommy Bolin, apenas alcanzó a grabar un disco, Come On Taste The Band (1975), luego del cual comenzó un largo período de hibernación, roto en 1984.

Fue la llegada del guitarrista Steve Morse en Purpendicular (1996), lo que trajo la estabilidad perdida. Bananas (2003) y Rapture of The Deep (2005) son dos discos dignos, los cuales han estado presentando por todo el planeta durante varios años.

La noche púrpura

Deep Purple visita Caracas en el cierre de la gira latinoamericana que incluyó conciertos en Ecuador, Mexico, Argentina, Brasil, Perú y Chile.

La formación actual incluye a uno solo de los fundadores, Ian Pace (batería), dos miembros de la etapa clasica de 1969-73, Ian Gillan (voz) y Roger Glover (bajo) y dos miembros claves en el resurgimiento de la banda, Steve Morse (guitarra) y Don Airey (teclados), quienes han tenido la inmensa responsabilidad de sustituir a los fundadores Jon Lord y Ritchie Blackmore, responsables de su sonido.

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EL TRI DE MEXICO EN EL ROCK....

2008-11-25T19:06:00.000-08:00

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Considerados todo un símbolo de la movida rockera latinoamericana.

El Tri de México aparece a fines de los años 60, con el mítico Alex Lora a la cabeza del grupo llamado originalmente “Three Souls in my Mind”.

Si bien al comienzo se dedicaron a componer temas en inglés, fue en su tercera producción que comenzaron a hacer sus canciones en español.

Pues la gran mayoría de su público era latino y ellos deseaban enviar en sus composiciones mensajes que esperaban que entendieran sus seguidores.

Un concierto que hizo historia en México.

Fue el que se realizó en el Festival de Avándaro a donde concurrieron más de 300 mil personas, constituyendo todo un récord en la historia del país azteca y también para la agrupación.

Luego de más de 15 años en los escenarios y de mucho batallar abriéndose paso en todas las clases sociales, y habiéndose convertido en un gran fenómeno musical, deciden cambiar el nombre de la agrupación por aquel con el que todos sus seguidores los identificaban:

El Tri.Su primer disco de oro les llegó en el año 1985 gracias a su álbum “Simplemente”, de donde sale el tema característico de la banda: “Triste Canción de Amor”, un gran hit del rock en español, aunque un gran éxito les esperaba también con su tema “Vicioso del Rocanrol”.

El Tri ha logrado desarrollar una importante carrera en los Estados Unidos, donde las colonias latinas le han dado el importante respaldo que le ha valido ganarse adeptos estadounidenses a través de sus constantes presentaciones en New York, Los Angeles, San Francisco, Chicago, Houston, California, entre otros.

Tienen una impresionante discografía y han sido reconocidos con casi todos los honores de la industria musical, así como por su enorme legión de seguidores.

Alex Lora ha sabido plasmar a través de sus temas la realidad latina; sus reiteradas denuncias a la injusticia y a la corrupción, así como a la opresión de las clases minoritarias y el abandono de los niños, que son temas recurrentes en este gran comunicador y cronista.

Su sensibilidad social se ha puesto de manifiesto en más de una oportunidad regalando incluso sillas de ruedas a muchos necesitados, y se ha ganado el amor de los seguidores de su retadora música, así como de aquellos que sólo lo conocen por su enorme solidaridad con el desamparado.Una muestra del talento de

El Tri, así como de su tema bandera puede ser apreciado en el siguiente videoclip.

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En colores con Hello Seahorse y su nuevo disco “Hoy a las ocho”

2008-11-24T18:34:00.000-08:00

debandasyrockversos.blogspot.com - > los mejores artículos sobre lo que quieres oir de tus bandas preferidas

Una dulce voz desde el vientre de Denise, una batería de trueno con Bonnz, la orquestal sinfonía de síntesis del Burgos en sus pianos y la guitarra mágica de Julio.

Súmenlo y resultarán los Hello Seahorse, con su rock independiente tanto como alegre para el corazón según unos tanto como para llorar lagrimas melancólicas según otros.

En efecto, una música genial con los dos lados de la moneda impresos.

Lista para atenderlos según sea el caso de sus desahogos en el momento.

Bien. Lo que le ha venido bien a la banda Hello Seahorse, son sus increíbles amistades.

Nada más chequen sus videos (recomendando el primer sencillo de “Hoy a las ocho”), son de una excelente calidad, tanto en formato como en presentación.

Esto, a simple vista, creado por la mano en el acto de un profesional como lo es Alfonso Flores Durón.

El otro es un chavo de Canadá, Mark Lawson, el ingeniero que mezcló su segundo disco.

Y otro amiguito al parecer fue su fotógrafo, buenísimo el condenado, quien puso mucho de su parte y así también sumándosele más miembros a la cuadrilla de producción de MUN.

Con rolas en descarga desde su Myspace, tanto de su nueva discografía, como de las versiones acústicas de las mismas (es necesario contar con un código regalado solo en sus conciertos y demás eventos para concebirlas), rolas también de su primer disco y algunos videos, la banda se ha hecho de un buen espacio entre los oídos de los fanáticos.

Resultándole esto como una buena promoción, dándose a conocer sin hacer gastar a sus oyentes. A, y no necesariamente todas sus canciones son solo para los fieles que acudan a sus funciones, si no también para los curiosos con sed de nueva sangre.

Algunas de sus interpretaciones si están listas para ser bajadas al alcance de un click.

Sobre si preparan álbum ¡Por supuesto! Los Hello Seahorse, están trabajando en eso. Y claro como lo es su costumbre, con ayuda de algunos hombros experimentados en esa pesada carga. Esta vez será Yamil Rezc, baterista de Chetes.

Eso sí, que la nueva producción ahora si es disco físico. Así que si nos decimos tan fieles a sus éxitos como decimos, nos toca preparar la cartera e ir a pedirlo a las tiendas disqueras. Y tengan fe, pues esperaremos un sonido más evolucionado, algo oscuro, nos cuentan, pero aún con el sello y la esencia de Hello Seahorse.

Súbanle al volumen de las bocinas escuchando los discos de sus bandas preferidas, buena música y descontrol, debandasyrockversos.blogspot.com

Articulo anterior de este autor: ¡Ya se hacen pedidos de mascotas al gusto!
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la banda de los angeles del infierno

2008-11-20T14:58:00.000-08:00

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Banda formada por Robert Alvarez y Santi Rubio a mediados de los 80's en la hermosa ciudad de San Sebastián (Euzkadi) y cuya formación inicial fue la siguiente:

Juan Gallardo:

Voz Robert Alvarez: Guitarra solista Manu Garcia:

Guitarra rítmica Santi Rubio: Bajo Iñaki Munita:

Batería Tras tocar junto a formaciones de la talla de AC/DC, MOTORHEAD, SAXON etc.
nuestros cinco "Angelitos" emprenden vuelo por si solos con un disco que muchos han calificado como LA BIBLIA DEL ROCK EN ESPANOL.

Pacto Con El Diablo" donde nos encontramos con el super tema Maldito Sea Tu Nombre que también marca su debut con la compañía del conejo de la suerte Warner Music con la cual han editado todos sus discos hasta la fecha.

Un año mas tarde vendría DIABOLICCA disco con tremenda fuerza tanto en sus textos como en su música.

La banda comienza a girar sin descanso por la península ibérica debido al gran éxito de canciones como Moriré Con Las Botas Puestas o Al Otro Lado Del Silencio .

De tocar en lugares para mil o dos mil personas esta banda paso en poco tiempo a hacerlo para 15, 20 o incluso 60.000 personas...

En el año 1986 aparece un mini LP llamado INSTINTO ANIMAL en el cual se puede ver una clara evolución de la banda hacia nuevas formas de entender el ROCK por aquellos entonces.
Esta grabación dio paso a JOVEN PARA MORIR un disco donde podemos escuchar preciosas canciones como Pensando En Ti.

Después de un cambio de baterista cosa bastante habitual en la banda nos llega el super exitoso 666 que bate todos los récords de ventas de la banda hasta entonces.

Este disco penetra también en el mercado norteamericano y a raíz de este hecho los Angeles vieron toda su discografía editarse en este país.

Es en esos momentos que la formación recibe sus primeros discos de PLATINO nada menos.
Unos meses mas tarde Angeles Del Infierno tras acabar su tour por España inician una gira por.
México país que los acoge de una manera increíble y al cual ellos quieren de corazón, ]de ahí siguen sus conciertos por.

Estados Unidos, llegando a tocar en el famoso Hollywood Palace con gentes hasta en el techo.
Mas adelante Warner Music edita una recopilación de canciones llamada LO MEJOR DE ANGELES DEL INFIERNO para luego dar paso a un gran álbum grabado en Connecticut (EU) esta vez y no como los anteriores los cuales casi todos fueron grabados en la Isla de Ibiza, a excepción de "666" que fue grabado en Madrid.

Este nuevo álbum se llamaría A Cara O Cruz el cual es brillante tanto por la composición de sus temas como por el sonido logrado con ayuda del también productor/ ingeniero/ arreglista de gentes como Meat Loaf, Cher o hasta Duran Duran. Stephan Galfas.

De todos modos la banda siempre contó con la colaboración de ingenieros de renombre internacional como Brad Davis (King Crimson), Dennis Herman, Mark Dodson (Judas Priest), Mark Dearnley (AC/DC) etc.

A partir de este disco la banda se dedica en cuerpo y alma a rodar y afianzarse mucho más en México así como en Estados Unidos.

Según algunos allegados al grupo, algunas diferencias con su compañía discográfica no se había editado nuevo material del grupo desde este ultimo disco aunque se editó otra recopilación en el 97 llamada LO MEJOR DE ANGELES DEL INFIERNO 1984-1993".

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La historia del Rock Nacional

2008-11-18T13:41:00.000-08:00

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Estamos en 1982 con los militares dando sus últimos coletazos.

En un manotazo de ahogado, el general Galtieri invade las Islas Malvinas intentando dar un golpe de efecto en la población y salvar su permanencia en el poder.

Argentina entra en guerra con Inglaterra y los militares prohiben la difusión de la música en inglés en todos los medios del país.

El rock argentino resulta el gran beneficiado de la locura militar ya que las radios empiezan a programar masivamente rock argentino ante la imposibilidad de radiar rock anglosajón.

Juan Carlos Baglietto fue la sorpresa, abriéndoles las puertas a músicos del interior postergados hasta el momento por el pulpo porteño.

rosarino y su banda en la que estaban Fito Paez, Silvina Garré y Rúben goldín bajaron a Bs.

El famoso y polémico Festival de la Solidaridad

Latinoamericana confirmó el alcance masivo del rock argentino y sus artistas.

La admisión sólo requería de la donación de ropa de abrigo.

Los músicos preferían la paz que la guerra y su intención era solidarizarse con los soldados que sufrían en Malvinas.

La apertura política decretada por el Proceso significó el momento de auge de la canción contestataria.

Y era lógico.

El gobierno de facto había silenciado muchos sentimientos y la gente estaba ávida de escuchar y los músicos ávidos de escuchar verdades.

Pero los músicos de rock perseguidos, censurados, reprimidos, golpeados y temidos por la dictadura militar comenzaban a apuntar sus artillerías hacia nuevos horizontes musicales.

Y así, sin querer, se destapa una verdadera olla a presión. Surgen grupos por todos lados.

La inevitable caída de la dictadura trae ganas de divertirse y resurge la escena musical.
Empiezan a sonar los nombres de.

Los Twist que graban su álbum debut durante un fin de semana con la producción de Charly García, Virus liderados por el carismático Federico Moura,

Los Violadores primera banda punk de Argentina en editar un disco, Abuelos de la Nada nueva versión del proyecto musical de Miguel Abuelo, con Daniel Melingo y Andrés Calamaro como integrantes, Soda Stereo que se convertiría con el paso del tiempo en el grupo más

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El metal de los años ‘90

2008-11-16T20:35:00.000-08:00

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La última década del milenio fue muy productiva para el heavy metal nacional.

En la Argentina siempre existieron bandas de metal: Billy Bond y la Pesada del Rock en los ‘60; Pescado Rabioso y Pappo’s Blues en los ‘70; V8, Riff y otras bandas undergrounds en los ‘80.

Pero estas nunca habían estado al frente del rock argentino, sino que generalmente eran eclipsadas por otros géneros, sea el acústico, el rock progresivo o las bandas de los ‘80.

Esto cambió en los ‘90.

A comienzos de la década, Rata Blanca, Horcas, Hermética y Logos tenían carreras más que respetables. Rata Blanca tenía proyección internacional.

Menos populares en el exterior y archirrivales de Rata Blanca (ambas formadas en 1987 cuando se separó V8) Hermética era, sin embargo, la más popular en casa.

Horcas y Logos contaron con cierto éxito (aunque reducido a la escena del género), pero las bandas de metal más populares de los ‘90 fueron sin duda Rata Blanca y Hermética.
Los ‘90 también vieron el surgimiento de A.N.I.M.A.L.

Acosados Nuestros Indios Murieron Al Luchar.

En sus canciones defendían a las comunidades aborígenes y el nacionalismo, mientras que también criticaban al actual orden mundial.Su sonido combinaba el hardcore, el heavy metal y el trash. También en los ‘90 surgieron los hard rockers de La Renga, otra de las bandas de heavy más populares.

Otro grupo importante de la década fue Tren Loco, quienes viajaron a Japón y ganaron el segundo puesto en un concurso de bandas en el estadio Budokan en Tokio.

En el metal underground aparecieron bandas como Alakrán, Jason, Jezabel, Logos y Jeriko, entre otras.

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Breve historia del rock satánico

2008-11-15T18:05:00.000-08:00

Por Angel de Luz -> VER PUBLICACION COMPLETA

La relación entre el rock y el satánico proviene desde los mismos orígenes del movimiento musical en la década de los cincuenta, donde precursores como Elvis Presley o Jerry Lee Lewis fueron duramente atacados por la Iglesia Católica de difundir el mensaje del maligno.

El blues ya había sido objeto de persecución por la mayoría blanca norteamericana que consideraba aquella música como peligrosa para la moral wasp (White, Anglo, Saxon, Protestant).

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ANABANTHA Y SU ROCK GOTICO

2008-11-12T13:40:00.000-08:00

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es una banda de metal gótico originaria de México, Distrito Federal.

Sus raíces se remontan al año de 1997 con un proyecto llamado SENTIDO PESAME.

Esta alineación esta formada por Duan Marie en la voz y Vlad Landeros en los teclados.

Un año duró el proyecto con este nombre, naciendo canciones muy importantes como: Vampiro, Sentido Pésame, Santa Agonía, Historia de Terror, Necrofilia y muchas más.

Para 1998 la banda cambia de nombre a TRANSDELLIC Trans = más allá; Dellos = visible lo que uniéndolas significa Más allá de lo visible.

Cabe destacar en aquel tiempo la valiosa participación e inigualable amistad de “Jimmy Gallozo” (Batería).

Durante este periodo la banda grabó su primer Demo llamado “Llanto de Libertad”.

Ya para el año 2000, la banda decide debutar con el nombre de ANABANTHA en el disco "Tributo a Luzbel", donde interpretan la canción “Déjate Ser”.

Un año después, ya con el nombre de ANABANTHA y la oscuridad latente en su alma, componen y graban canciones como.

Hojas Secas, Estigmas, Ay de la Noche y Sangre, entre otras.

La alineación en esta etapa fue donde “Vlad Landeros” toma posesión de la batería.
De esta alineación, nace en el 2001 su primer Disco Oficial, llamado “Letanías Capítulo I”, producción creada en una sola noche.

En el 2002, ANABANTHA sufre una Metamorfosis donde Duan y Vlad traen hasta nosotros el Demo titulado “Sin Decir Adiós” con canciones como:

Talismán, Ángel de Hielo, Siniestro Corazón, Paraísos y Nocturna.

En el 2003 se comienza a escribir y agrabar el Demo de Letanías Capítulo II con canciones como:
Crucifíicame, Posesión y Espasmos del Veneno.

En 2004 graban su Demo “Acústico”, con canciones como; Deja Vú, Desaparecer.

El Crepúsculo, La Flor, Manantial, más algunos tributos al poeta Pablo Neruda.

Poema No.20, y Agua Sexual". Y de el poeta maldito H.P. Lovecraft.El Ser Bajo la Luz de la Luna.
Ya en 2005 es precisamente cuando se inicia la grabación de su disco Sin Decir Adiós.

Que tiene la peculiaridad de ser editado primero como un disco de promoción con 9 temas y después como un disco doble (Español e Inglés).

Esta producción contiene temas como; Deja vu, Ángel de Hielo, Talismán, Madrugadas, Desaparecer, Paraísos, entre otras.

Además de incluir un cover de la banda de los setentas Shocking Blue llamado "Never Marry a Railroad Man" (Nunca te cases con un ferrocarrilero).

En ese mismo año editan su segunda producción en estudio “Letanías Capítulo Prohibido”, que incluye temas como; El altar de las pasiones desoladoras, Ay de la Noche, Sangre, Tu Me Matas, Velo Negro, entre otras.

ANABANTHA

El 2006 ha sido un año de cambios y de consolidación para ANABANTHA. En este año se realiza un excelente trabajo con una de las disqueras más grandes y reconocidas de México “Discos y Cintas Denver”.

A partir de esta negociación se realizó una nueva grabación de un disco emblemático de ANABANTHA, nos referimos a. Letanías Capítulo I, en donde, además de mejorar la grabación original e incluir temas clásicos como.

Vampiro, Anabantha, Santa Agonía y Déjame Ir, se incluyen dos temas inéditos; Historia de Terror y Penitencia.

Igualmente se reedita la producción Letanías Capítulo Prohibido con 2 bonus tracks En Vivo.

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A temblar, los Gallows llegaron con su punk tenebroso y su orquesta de los lobos

2008-11-11T15:45:00.000-08:00

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Infestados con la nueva sangre de este hardocre/punk, los Gallows brindan una vez más por sus hazañas discográficas y su buen éxito entre el publico con su último álbum Orchestra of Wolves. Y es impresionante, pues ya los altos sellos y corporaciones han decidido invertir en la propagación de la música de la agrupación.

Warnesr Bros. vio en esta banda a la próxima estrella negra de su minita de oro. Se ha dado el lujo de promoverlos y financiar sus discos y videos de las próximas 4 entregas a cambio de un millón de libras esterlinas $ ˛ $

Un buen motivo para que los chicos nos den una muestra de lo que es el agradecimiento para con sus fans. Que suene su voz, sus guitarras y su batería como nunca muchachos.

No nos preocupemos por eso. Ya saben como se las gastan los Gallows en sus conciertos. Estos músicos son especialistas en montar shows espectaculares y dinámicos, además de ser conocidos por sus giras sin descanso alrededor de diferentes países. ; )

Y sin contar, ya hablando de sus presentaciones, de la vez que Frank Carter, el vocalista, fue tatuado a media actuación del Reading Festival, y sin interrumpir la música, dejando pasmados a todos los asistentes, quienes no dejaron de gritar sus canciones por el resto de la noche.

Volviendo a su nuevo disco, Orchestra of Wolves, culpable de que Disney cancelara su presentación en el House of Blues de Anaheim después de oírlo 8 ] tengo que decir que una vez más la calidad técnica de los guitarristas se deja ver mejor que nunca.

En especial con el juego que hacen con la voz solemne de Frank. Es un rock especial, sucio en la manera de decir atractivamente lóbrego, escrito con letras y canciones delirantes y a la hora del show, apasionantes. Y si que Stu Gili-Ross en el bajo, Lee Barrat en la batería y Steph Carter como segunda y su guitarra ponen de su parte en la fama de la cofradía.

Sobre los nuevos trabajos de la banda, Gallows no ha dicho más que sacará a la venta en el 2009 su nuevo disco. Estos ingleses en verdad que se agarran a componer, en realidad que la música es su único apetito.

Lastimosamente, Frank no ha dejado ocultar que lo suyo son los tatuajes y que la banda Gallows solamente es un pasatiempo. El conjunto podría dejar de existir si se volviera algo más serio. Nadie le entiende, y ni lo haremos, así que explotémoslos ahora que la agrupación tiene vida.

No entristezcan sus orejas, por que de hombres así todo se puede esperar. Quien sabe. Súbanle al volumen de las bocinas escuchando los discos de sus bandas preferidas, buena música y descontrol, debandasyrockversos.blogspot.com
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No os preocupéis más, ya potabilizan agua del mar pero ¿por qué la falta de fama de la noticia?
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La filosofía punk

2008-11-10T10:05:00.000-08:00

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La filosofía punk puede resumirse en "Házlo tu mismo". Rechaza los dogmas, y no busca una única verdad.

Cuestiona todo lo que rodea, con un desprecio por las modas y la manipulación mediática.

También está en contra del consumismo y llama a la gente a no dejarse engañar y a pensar por si mismos.

Esto es lo que diferencia a los verdaderos punks de aquellos que solo copian su estética, como los que a partir de 2002 se unieron al nuevo boom punk, donde los adolescentes usan la estética, descartando la filosofía, como el caso de Avril Lavigne, siendo categorizadas por algunos dentro del subgénero Happy punk, Pop punk o Neo Punk.

Entre las ideologías que suelen ir asociadas al punk se encuentran el anarquismo, el antimilitarismo y el antifascismo (por la diferencia de clases y racial).

La filosofía punk se centra en la libertad, la igualdad, buscando liberarse de la opresión y de la autoridad, así como de los estigmas sociales.

Subgéneros y estilos relacionados

La estructura sencilla del punk no permitió que se quedara inmóvil, pues pronto se hubiera secado. Así, las bandas, buscando hacer algo diferente o simplemente su propia evolución, fueron agregando elementos que darían paso a la creación de nuevos sonidos y nuevos estilos.

Por otra parte pronto el punk se politizaría, para bien o para mal y tomaría tendencias que también los definiría como subramas del punk.

Muchos de los grupos se movían de uno a otro género, pues en repetidas ocasiones la línea que divide un estilo de otro se basaba en detalles mínimos, pudiendo hoy en día bandas que encajan en el perfil de más de dos subgéneros.

Como en todos los casos, existe gente que no considera que existan subgéneros y clasifica todo como punk; y otros que exageran la ramificación del género creando algunas definiciones en base a pequeñeces que a la larga llevan a confusiones entre uno y otro género.
Entre estos subgnéros podemos identificar los siguientes:

Ska-Punk: Es la rama del punk combinada con el ska, con ritmos rápidos y uso de instrumentos como trompetas o saxofones.

Metalcore: Es la rama del punk que se combina con el metal, acelerando este último, llegando a un ritmo rápido pero a la vez con alta armonía y diversidad de sonidos. Hardcore: este género es el más amplio de todos.

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Revela investigación que los conciertos de rock “envejecen” las obras de arte

2008-11-08T13:19:00.000-08:00

Por: Frankie

Científicos del Museo Hermitage dan a conocer resultados preliminares de la pesquisa.

Cada 10 conciertos por arriba de 82 decibeles agregan un año a la edad de las piezas.

Conciertos de rock que se realizan en mansiones señoriales dañan obras de arte con vibraciones sonoras que las “envejecen”, revela una investigación en Rusia.

Científicos del Museo Hermitage, de San Petersburgo, han examinado la forma en que conciertos de los Rolling Stones, Paul McCartney y otros en la adyacente Plaza de Invierno han afectado sus colecciones en los tres años pasados.

Los hallazgos, aún inéditos, podrían afectar el futuro de los conciertos de rock realizados en mansiones señoriales, según los científicos. Los resultados preliminares del estudio de tres años, que se examinan en el Instituto de Restauración Artística Grabar, en Moscú, muestran que cada 10 conciertos por arriba de 82 decibeles agregan un año a la edad de una obra.

Mijail Piotrovksi, director del Hermitage, declaró a The Independent que se debe advertir a instituciones de todo el mundo que los altos niveles de sonido pueden reducir la duración de una obra de arte.

“Los resultados iniciales indican que el nivel de sonido en las salas que miran hacia la Plaza de Invierno no puede rebasar de 80 a 82 decibeles. Me parece que es un asunto serio, y no sólo para Rusia”, aseveró.

Piotrovski añadió que es probable que edificios, libros y estatuas también sufran daño por los conciertos que se llevan a cabo en mansiones campestres y galerías.

Por esa preocupación llegó a un acuerdo con los Rolling Stones de mantener bajo el sonido durante su concierto en la plaza, para proteger obras de los siglos XIX y XX de artistas como Cezanne y Matisse, ubicadas en las alas adyacentes del palacio. Dijo que se perturbó cuando el concierto de Paul McCartney, en 2004, hizo temblar las ventanas del museo.

“El concierto de los Stones no pasó de 85 decibeles, que es bastante fuerte.
Tuvimos que concentrar el sonido en cierta dirección. Ponemos a nuestro personal a medir el sonido durante los conciertos. Si se sobrepasa el límite, podemos hacer algo al respecto.

“Tuvimos algunos conciertos terribles con grupos rusos de rock –añadió–.

No se deben realizar más de uno o dos conciertos al año en la plaza. Entendemos que es un lugar abierto, pero se debe poner límites. Cinco conciertos de música clásica están bien”, dijo.Andrew Johnson y Arifa Akbar, © The Independent, Traducción: Jorge Anaya

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Historia del punk

2008-11-07T17:53:00.000-08:00

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Después de la Segunda Guerra Mundial la gente que sobrevivió estaba sumida en la miseria. Muchas estructuras de Londres habían sido destruidas, así que muchos huérfanos sin hogar se unieron en pequeñas pandillas y se refugiaron en las alcantarillas de Londres, dando origen a su denominación de Underground.

A finales de los años 60s, una corriente de jóvenes de Gran Bretaña y otros países industrializados consideraban que el rock había pasado de ser un medio de expresión para los jóvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los músicos de ese entonces.

Las obras discográficas de bandas de rock a principios de los 70s llevaban meses de grabación, grandes orquestaciones y millones de dolares como inversión; sin mencionar lo costoso y elaborado que resultaban las majestuosas y pomposas giras y presentaciones en vivo, las cuales exigían enormes escenarios, apoyos lujosos que iban desde iluminación y escenografía, hasta fuegos pirotécnicos.

Todo esto alejaba el rock de la gente común, y pronto el status de rockero dejó de ser identificable con la vida cotidiana del joven promedio.

Una primera corriente de nuevas bandas buscó regresar al rock a sus bases primitivas, a la simplicidad y el minimalismo.

Muchos se abanderaron bajo el mote de Garage, tomando como principal influencia el sonido de guitarras impuesto por lo que en Estados Unidos se llamó invasión inglesa (The Kinks, The Beatles, The Rolling Stones, etc), recrudeciendo más el sonido y con composiciones menos profesionales.

Estos grupos después serían bautizadas como parte del movimiento proto-punk, ya que estas, junto con otras bandas y estilos serían quienes ya fuera con su sonido o sus ideales (la actitud de "hazlo tú mismo" comenzaban a asomarse en algunos de ellos) terminarían de darle forma a lo que conocemos como punk.

Mientras que en los setenta, bandas como Led Zeppelin, The Who, Pink Floyd, o Queen -entre muchas más- llevaban al extremo sus producciones y presentaciones, subiéndose al estatus de estrellas; en el underground, bandas como MC5, The Velvet Underground, y los Stooges, ya en los sesenta le habían dado vuelo a un nuevo género que estallando una década después cambió la historia del rock por completo.

En 1974, en Nueva York, cuatro chicos de clase media urbana se unirían en la que algunos consideran la primera banda punk: The Ramones. Sus canciones, melodías de no más de tres acordes, con composiciones sencillas, sin solos o grandes arreglos, cuyas letras tratarían temas comunes y de su vida cotidiana, y en especial su actitud anti-moda, sería la definición perfecta del naciente género punk, y una pauta a seguir para las bandas por venir.

Por su parte en Inglaterra se terminaría de crear el punk, si bien no tanto musicalmente, sí sucedería socialmente.

Encabezados por los antilíderes Sex Pistols, la juventud de clase obrera tomaría la guitarra el bajo y la batería como armas y medios de expresión para gritar al mundo su repudio al orden social.

Tal como después sucedería en muchos otros países, en Inglaterra pronto los grupos tomaron influencias de otros géneros, dándole un toque característico y especial al punk británico; el cual tomaría influencias del glam rock, con sus pequeños riffs y su indumentarias; y del reggae y ska jamaiquinos, el cual es notable en especial en The Clash, considerado junto con los Sex Pistols el principal grupo británico de punk.

Así pronto Nueva York se convertiría junto con Londres en la cuna del punk, atrayendo a miles de jóvenes que hasta entonces no sentían que pudiesen encajar con un mundo que se pintaba ajeno a su sentir.

Con el tiempo el género tomaría diferentes caminos y en su paso evolucionaría en muchos subgéneros, algunos determinados por características musicales, otros simplemente por sus letras o las ideologías que respaldaban.

En España, ya por 1976, había empezado a tocar La Banda Trapera del Río, pioneros del punk del país. A partir de los años 1980 en adelante encontramos bandas como Eskorbuto, Manolo Kabezabolo y La Polla Records. En Argentina una de las primeras bandas de punk rock fueron Los Violadores, alrededor de 1980.

A fines de los años '80 nace Attaque 77 y Flema uno de los grupos más representativos del género.En la década de los 90´ nacen bandas tales como Cadena Perpetua, Superuva.
y nihilismo titulando su estilo como ´´Punk rock espinosa´´ Los grupòs más conocidos en la Argentina, fueron: "Los siete mandamientos ", "Los herederos de jesus", que marcaron un antes y un después en la cultura religiosa argentina.

En Chile la banda punk más antigua es Fiskales Ad-Hok En Uruguay las bandas de punk rock más importantes son Buitres Despuès de la Una (BDDL1) y Trotsky Vengarán (TKY VGN), cuyos vocalistas son hermanos.

Otra de las bandas importantes de este pais es La Sangre De Veronica o (LSDVK).

También se destacan bandas como Graffolitas, Mandala Punk y Nada Que Hacer. En ciudades del interior de este país, se está volviendo al movimiento under de bandas de punk rock.

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Conoce a unos metaleros pesados y siniestros, Job For a Cowboys

2008-11-06T21:55:00.000-08:00

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Presumiendo a gritos su Death Metal, estos señorones de Arizona arrasan de apoco con otras bandas del momento y su genero metal. Son sádicos en el escenario, de bocas fuertes y sonido estallante. Tonos que prenden y enamoran a su público desde la primera escuchada.
Desde luego tiene que ver mucho el carácter de los chavos. Son diablos experimentados, serios y las letras y compases pesados de sus canciones no son para nada son graciosos. Eso los promueve un millón. Poseen todas las características originales de un grupo metalero. Son como sus fanáticos quieren que sean.
Después de que Job For a Cowboys hubo empezado con un metal rítmico y progresivo, han alcanzado tras sus cinco años en escena una experiencia y una fama sumamente extendidas. Dando también una música revolucionada en su género, algo góticos pero sin perder el metal.
La banda comenzó originalmente con otros integrantes. Fue Davy, vocalista de la agrupación, quien se cargo el peso de la agrupación desde el principio, quien decidió lanzarse como banda con los guitarristas Arcurio y Bhadriraju. A ellos se les unió el bajista Riggs y un baterista llamado Sellers.
Último que termino fuera del conjunto después del primer material que lanzaron. Aquel disco, Head-Bangers, que casi los disparo a la fama inmediatamente. Lo que le permitió a la banda compartir el escenario y su música con otras agrupaciones ya bien paradas.
Doom, su segundo disco, casi los consagraba. Fueron sus rolas, Entombment of a Machine y Knee Deep, el modo en la banda era rápidamente identificada y lo que levantó su nombre. De allí para adelante su éxito comenzó a crecer entre el público norteamericano, desde Backerfield, California, hasta las Vegas, Nevada.
Fue Rice, como el nuevo poder de la batería y Thompson, como la nueva guitarra, quienes se incorporaron a la gloria de Job For a Cowboys. Génesis fue llamado el disco tercero y actualmente en gira de la banda, encargando a la disquera Metal Blade Records de su publicación.
Oye algo de la banda. No descepsiona. Cumple totalmente con su género. He, pero sobre todo, súbanle al volumen de las bocinas escuchando los discos de sus bandas preferidas, buena música y descontrol, debandasyrockversos.blogspot.com
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El Punk Rock 1a parte

2008-11-05T14:45:00.000-08:00

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El punk es una subcultura social de origen urbano.

Apareció a mediados de los los setenta para regresar el rock a sus orígenes.

Se caracterizaba, en especial en sus inicios, por su actitud independiente y amateur, demostrando que el rock era, para y de los jóvenes, no exclusivamente de los grandes virtuosos superestrellas.

Su música es un tipo de rock, sencillo, con melodías simples de duraciones cortas, pocos arreglos e instrumentos, y por lo general veloces composiciones.

Normalmente las personas que integran este movimiento defienden los principios de igualdad y equidad. Muchos apoyan tanto el comunismo como el anarquismo, además de otras corrientes ideológicas.

Las letras de la música punk van generalmente ligadas a estas ideologías.

Características

En sus inicios el punk fue una música muy simple y cruda. Sin embargo, el género se ha combinado con muchos otros, y a medida de que ha pasado el tiempo ha ido evolucionando.
Aunque sigue siendo una música relativamente fácil de tocar, se ha vuelto más rápida y las melodías con la guitarra han mejorado.

Musicalmente, el punk se define por canciones simples, usa letras con orientaciones políticas y sociales, sin orquestaciones ni grandes pretensiones.

Usa un ritmo rápido y agresivo propicio para un baile denominado pogo. Se basa en empujones y golpes entre los que bailan, generando un ambiente caótico.

La guitarra se caracteriza por sus veloces rasgueos muteados, es decir, silenciados parcialmente con la palma de la mano, dando un efecto conocido como palm mute (enmudecer con la palma, en español).

El bajo por lo general sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía.

La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos pero agresivos.

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En colores con Hello Seahorse y su nuevo disco “Hoy a las ocho

2008-11-04T16:16:00.000-08:00

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Una dulce voz desde el vientre de Denise, una batería de trueno con Bonnz, la orquestal sinfonía de síntesis del Burgos en sus pianos y la guitarra mágica de Julio. Súmenlo y resultarán los Hello Seahorse, con su rock independiente tanto como alegre para el corazón según unos tanto como para llorar lagrimas melancólicas según otros.

En efecto, una música genial con los dos lados de la moneda impresos. Lista para atenderlos según sea el caso de sus desahogos en el momento.

Bien. Lo que le ha venido bien a la banda Hello Seahorse, son sus increíbles amistades. Nada más chequen sus videos (recomendando el primer sencillo de “Hoy a las ocho”), son de una excelente calidad, tanto en formato como en presentación. Esto, a simple vista, creado por la mano en el acto de un profesional como lo es Alfonso Flores Durón.

El otro es un chavo de Canadá, Mark Lawson, el ingeniero que mezcló su segundo disco. Y otro amiguito al parecer fue su fotógrafo, buenísimo el condenado, quien puso mucho de su parte y así también sumándosele más miembros a la cuadrilla de producción de MUN.

Con rolas en descarga desde su Myspace, tanto de su nueva discografía, como de las versiones acústicas de las mismas (es necesario contar con un código regalado solo en sus conciertos y demás eventos para concebirlas), rolas también de su primer disco y algunos videos, la banda se ha hecho de un buen espacio entre los oídos de los fanáticos.

Resultándole esto como una buena promoción, dándose a conocer sin hacer gastar a sus oyentes. A, y no necesariamente todas sus canciones son solo para los fieles que acudan a sus funciones, si no también para los curiosos con sed de nueva sangre.

Algunas de sus interpretaciones si están listas para ser bajadas al alcance de un click.

Sobre si preparan álbum ¡Por supuesto! Los Hello Seahorse, están trabajando en eso. Y claro como lo es su costumbre, con ayuda de algunos hombros experimentados en esa pesada carga. Esta vez será Yamil Rezc, baterista de Chetes.

Eso sí, que la nueva producción ahora si es disco físico.

Así que si nos decimos tan fieles a sus éxitos como decimos, nos toca preparar la cartera e ir a pedirlo a las tiendas disqueras. Y tengan fe, pues esperaremos un sonido más evolucionado, algo oscuro, nos cuentan, pero aún con el sello y la esencia de Hello Seahorse.

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Chac Mool fue una de las bandas que de alguna forma ayudo a reforzar la imagen de rock en su genero de México para el mundo.

2008-11-03T10:43:00.000-08:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

Corría el año de 1984 cuando Chac Mool, banda de rock, casi pop, con intentos fallidos por asemejarse a King Crimson, por lo que sus contemporáneos le consideraban una banda de rock progre lo cuál me da escalofríos solo de pensarlo pero no por ello mostraban al mundo que en nuestro país se hacia rock competitivo, y más en esa época ochentera.

Ignoro la cantidad de discos que tiene o tenía para entonces la banda, pero esta es mi particular experiencia sobre este disco.

Caricia Digital es el nombre de este álbum, que grabaron en 1984 y ahora remasterizado en 2001 se presenta nuevamente en las tiendas.

Era cuando los sintetizadores empezaban a formar parte de los sonidos dentro del rock y eran tan inaceptados por los amantes del rock como lo es ahora los sonidos electrónicos para algunos aferrados de los sonidos básicos del rock tradicional.

Mucha gente acepta y mucha no que de repente se hagan secuencias en rolas de rock y muchísimas veces más los consumidores ni cuenta se dan de lo que esta pasando en una rola, pero que les gusta por su sonido final.

Que es precisamente por lo que muchas bandas de rock nacional están cruzando en este momento al integrar secuencias, scratches de dj's, sonidos electrónicos en bases de percusiones, etcétera.

Chac Mool, en los años 80, era eso, la manera de mantenerse actualizado a los sonidos de ese momento, tratando de aportar una idea original de acuerdo a los requerimientos comerciales de ese momento.

Época en la que muchas bandas apenas podían salir de las malas costumbres de los años 70, cuando la creatividad musical en nuestro país era nula, y sólo se ocupaban de hacer covers o refritos de rolas que funcionaban en Estados Unidos.

pedrada para Guzmán y Costa, sin ellos pudimos tener historia de rock mucho, pero mucho antes). Chac Mool fue una de las bandas que de alguna forma ayudo a reforzar la imagen de rock en su genero de México para el mundo.

Como muchas bandas de rock en los ochentas, fueron capaces de hacer con sus diferentes géneros.

Hoy en día estamos cruzando por esos momentos - que deben ser en todas las épocas por siempre - esos momentos de refritos donde todas las bandas quieren sonar primero a Nirvana.

Después a Limp Bizkit, y todo el tiempo se están haciendo copias de cosas que funcionan en otros lados y de hecho se empiezan hacer copias de cosas que de principio ni siquiera tienen una propuesta verdadera, como es el sonido de la banda Linkig Park.

La cual es una banda inventada en la casa discográfica y para colmo hay bandas que empiezan a querer sonar como parte de algo que de inicio no es verdadero.

Son los altibajos del desarrollo musical en todo el mundo.

Cuál boomerang la historia será cíclica, porque ahora Mars Volta nos muestra los sonidos de Led Zeppelín en versión update. En realidad no se trata de encontrar el hilo negro de la música, sólo se trata de hacer las cosas netas y si en este momento hay una corriente o tendencia.

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El concierto de U2 en México, gira Vértigo

2008-11-02T21:20:00.000-08:00

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15 de Febrero de 2006-Estadio Azteca-Mexico, Distrito Federal.- Este concierto fue el septimo al que he asistido en mi existencia uno de los más esperados después del concierto realizado en el

Foro Sol con la gira Pop Mart el 3 de diciembre de 1997, el boletaje se agoto en 2 horas, por suerte tuve la oportunidad de encontrar boletos fui junto con mi hermano, ansiaba por ver a U2 en vivo la primera vez que oí a U2 fue porque compre el best of 1980-1990, ya que en la radio comercial pasaban siempre las mismas canciones “One”, “Where the Street Have no name” sencillamente la ultima banda que marco una historia en el Rock.

Asistí antes de las 20:00 p.m al concierto que por mi sorpresa la asistencia había llegado desde las 5:00 pm de la tarde ya que oí los rumores de la gente, simplemente me quede junto con mi hermano en las escaleras en la parte alta del estadio, la gente no cabía en el estadio, entonces empezó el concierto con la canción “City of Blinding Lights” canción perfecta para el D.F, para después continuar con la expresiva canción de “Vértigo” y continuar con canciones emblemáticas en especial “New Year’s Day”, “Sunday Bloody Sunday”, “Pride in the Name of Love”, “Where the Streets Have No Name” y “One”.

En lo personal la cancion que mas me cautivo fueron las canciones “Pride in the Name of Love”, y “Where the Streets Have No Name” ya que la primera viene de un contexto sobre la vida de Martin Luther King y la segunda porque fue el primer video que vi en MTV donde intentaron hacer algo similar al video de los BEATLES con la cancion “Get Back”.

Woooww que concierto, después de 9 años que U2 no había venido a México, Bono se disculpo por habernos dejado abandonados tanto tiempo. El estadio Azteca uno de los más grandes del mundo albergó a más de 80,000 espectadores, aquello fue de localidades agotadas y que no cabía ni un alfiler, pero valió la pena, yo fui uno de los 4000 afortunados. Un despliegue magnífico de música y tecnología !!!! U2, México es tu casa y eres bienvenido siempre !!!
SETLIST
City of Blinding LightsVertigoElevationMysterious WaysEnd of the WorldNew Year’s DayStill Haven’t FoundBeautiful DayOriginal of the SpeciesSometimesLove and PeaceSunday Bloody SundayBullet The Blue SkyMiss SarajevoPride in the Name of LoveWhere the Streets Have No NameOneZoo StationThe FlyWith or Without YouAll Because of YouYahweh40

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Historia de la guitarra eléctrica

2008-11-01T15:26:00.000-07:00

Por:Giovanni BV->Visita mi blog y aprende mas de guitarra

COMPLETO (PARTE1 Y PARTE 2)

EL PASO HACIA LA GUITARRA ELÉCTRICAEn los años veinte las guitarras se usaban en jazz y para acomprañar bailes: el protagonísmo que tradicionalmente había tenído el banjo hasta entonces fue desapareciendo en favor de los modelos como la Gibson L-5.

Debido al poco volumen natural de la guitarra, comparada con otros instrumentos, su utilización se limitaba por lo general al acompañamiento rítmico.

la solución apareció con el desarrollo de la pastilla magnética.Buscando cómo resolver el problema del volumen de la guitarra, Lloyd Loar, uno de los ingenieros de Gibson, empezó a experimentar con imanes, y ya en 1924 diseñó una primera pastílla que podía instalarse en una guitarra tradicional de seis cuerdas.

Gibson no supo valorar la importancia de este hecho, y Loar acabó por fundar su propia empresa, Vivitone, donde empezó a producir sus sistemas de pastíllas sensoras en los años treinta; antes ya había tenido un papel muy activo en el desarrollo de la extraordinaria L-5.

El mayor avance se produjo en 1931, cuando Paul Barth y George Beauchamp, empleados de la Compañía Nacional en California, que también había estado creando pastillas, se asociaron con Adolph Rickenbacker para formar la “Electro String Company”, la primera en comercializar instrumentos eléctricos.

Juntos crearon las guitarras de acero y aluminio fundído, conocidas como “sarténes” por su forma.LAS PRIMERAS GUITARRAS ELÉCTRICAS “AUTÉNTICAS”En 1932 Rickenbacker probó su nuevo invento con la guitarra, creando la primera guitarra eléctrica, la “Electro Spanish”.

Era un diseño básico de tapa abombada provista de la misma pastilla magnética en forma de herradura de la “sartén”. Sin embargo, sería la famosa Gibson ES-150, lanzada en 1935, la que cautivó al guitarrista de jazz Charlie Christian, y fue precisamente él el responsable, más que ningún otro músico, d proponer la guitarra eléctrica como un instrumento musical serio.

LA ERA DE LAS GUITARRAS COMPACTASDurante los años cuarenta, varias personas sin relación alguna se dispusieron a diseñar y fabricar una guitarra eléctrica compacta. Aunque no se sabe quién lo consiguió primero, lo cierto es que Les Paul y Paul Bigsby fueron los verdaderos pioneros. Leo Fender fue el responsable de dar a conocer la idea.

Cómo surgió la ideaEl principal problema de incorporar pastíllas a las guitarras acústicas era que, si el volumen del amplificador era demasiado alto, el sonido del altavoz hacía vibrar el cuerpo de la guitarra produciendose una molesta distorsión del sonido conocida como “feedback” o realimentación.

La solución lógica era aumentar la masa del instrumento, para reducir su capacidad de vibración; de aquí que aparecieran las guitarras eléctricas compactas (o de cuerpo sólido).No hay acuerdo respecto a quién fue el que creó la primera de ellas. A principios de los años cuarenta el guitarrista de country-jazz Les Paul creó su propia guitarra “Log” (tronco), usando un mástil Gibson adherido a un bloque de madera de pino, sobre el cual se montaron las pastillas y el puente.

Cuando trató de vender la idea a Gibson, éste no demostró ningún interés en ese momento. Otro candidato era Paul Bigsby, quien, ayudado en el diseño por el guitarrista de country Merle Travis, creó una forma con claras influencias de los diseños de Fender.

Se fabricaron una docena de instrumentos, por lo que cabe hablar de la primera producción de guitarras eléctricas compactas.Empieza una nueva eraLeo Fender es el nombre más importante en la historia de estas guitarras.

Propietario de una tienda de reparaciones de aparatos eléctricos, fundó en 1946 la “Fender Electrical Instrument Company” para la fabricación de guitarras eléctricas y amplificadores.

Dos años más tarde, juntamente con uno de sus empleados, George Fullerton, decidió crear una línea de producción de guitarras eléctricas compactas. En 1950 su diseño vió la luz por primera vez: La “Fender Broadcaster”.

Un año despues, obligado por la empresa Gretsh que fabricaba tambores “Broadcaster”, rebautizó su instrumento con el nombre de “Telecaster”.

Presa de pánico por el éxito de este primer instrumento compacto, Gibson se puso otra vez en contacto con Les Paul, de quien se había reído por sus “palos de escoba con pastillas” unos años antes, y le propuso que tomara parte en la creación de un instrumento rival.

La nueva guitarra, lanzada al mercado en 1952, llevaba su propio nombre:

la Gibson Les Paul Standard, a la cual Fender respondió, dos años más tarde, con la “Stratocaster”, tal vez la más famosa de todas.

Las dos guitarras de Fender se fabrican desde entonces y siguen siendo dos de las guitarras eléctricas más populares que se hayan hecho jamás.

La de Les Paul tuvo un bajón entre 1961 y 1967, aunque la demanda de modelos clásicos la llevó a un relanzamiento exitoso.

Ésta última se continúa produciendo desde entonces, aunque las originales de finales de los años cincuenta se consideran hoy en día piezas de coleccionista, y es más probable encontrarlas en la caja fuerte de un banco que en un concierto de rock.

Aunque Fender y Gibson con los fabricantes de guitarras eléctricas más famosos, también ha habído otros buenos fabricantes en Estados Unidos a lo largo de los años, nombres clásicos como Gretsch, Rickenbacker, Epiphone y Kramer en los años setenta, y Jackson y Paul Reed Smith en los ochenta. Los fabricantes europeos Selmer, Vox, Hofner y Burns, también han dejado su huella en la historia de la guitarra.

En los años ochenta, las imitaciones baratas llegaron a ser un problema; desde hacía largo tiempo, los fabricantes japoneses hacían réplicas a bajo precio de la mayoría de los modelos clásicos de Fender y Gibson.

Al principio no significaron una seria amenaza ya que eran de muy baja calidad, pero a medida que empresas como Tokai empezaron a imitarlas, surgió un problema de competencia. Esto llevó a Fender a empezar a fabricar en países como Corea y México versiones alternatívas de sus propias guitarras, premitiendo a principiantes o personas con un poder adquisitívo bajo tener guitarras Fender originales y bien fabricadas, en caso de no poder permitirse las de alta calidad fabricadas en Estados Unidos.

Al mismo tiempo, algunas compañías japonesas empezaron a tener reputación por sus propios diseños.

Ibanez, por ejemplo, que junto con Steve Vai crearon los modelos Jem y Universe, es hoy día un constructor muy respetado, y sus mejores instrumentos pueden competir en calidad precio.EL FUTURO DE LA GUITARRA ELÉCTRICAHay que admitir que en los últimos 40 años ha habido pocos cambios de fondo en el mundo de la guitarra.

Los fabricantes han probado nuevas formas: la Steinberg “sin cabeza” fue popular durante un breve tiempo en los años ochenta, mientras que la guitarra acústica Ovation, con la espalda redondeada, creada a finales de los años setenta, ha permanecído como estandar de su clase.
También han probado nuevos materiales:

Dan Armstrong creó instrumentos con cuerpo de plástico, y Kramer utilizó mástiles de aluminio y, aunque en ambos casos se reducía su peso, los intérpretes las siguieron prefiriendo de madera.

También se han producído cambios radicales en la manera de tocar.

A principios de los años ochenta mucha gente pensó que el siguiente paso en la evolución de la guitarra sería un instrumento híbrido con sitetizador.

Ejemplo de ello fueron el Synthaxe y el Stepp, ciertamente muy impresionantes, pero de coste elevado.

El fabricante japonés Roland creó un sistema de conectores MIDI que puede colocarse en una guitarra estándar y que permite controlar unidades MIDI extrernas con gran precisión. A pesar del empeño que puso en ello, los guitarristas que tocan con sintetízador continúan siendo pocos.Por lo que respecta a los periféricos, como el amplificador, efectos y amplificación, los diseños ingeniosos (como el sistema de bloqueo de Floyd Rose) y la tecnología digital han producído los mejores adelantos.

En cuanto al instrumento se refiere, parece que para la gran mayoría de los intérpretes ya se ha inventado el formato perfécto, y ello quizá sea debído a que los compradores de guitarras son, por lo general, muy conservadores.

No deja de resultar extraño que el más querido y deseado instrumento sólido sea un modelo creado hace casi medio siglo.

Podría deberse a cierta nostalgia -entre quienes vean una Gretsch Double Anniversary como una asequible alternatíva a una Coupe de Ville clásica-, pero la razón podría ser más sencilla: quizá los gustos de Leo Fender, Paul Bigsby, Merle Travis y Les Paul fueran acertados desde el principio.
Fuentes: Método Completo de Guitarra - Editorial ParramónTerry Burrows

Articulo anterior de este autor: Historia de la guitarra eléctrica (parte 1)
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El Rock Perdió su Roll 1a parte.

2008-10-31T16:22:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

Comienzan los años 60's y mientras en Norteamérica se lucían los solístas rockeros y duetos de soul en.

Europa surgió la competencia a base de cuartetos como los Beatles y quintetos como los Rolling Stones.

The Silver Beatles aparecieron por vez primera tocando en centros nocturnos del puerto de Liverpool en 1957 conformado originalmente por el protestante John Lennon creador del grupo el católico Paul McArtney el anglicano George Harrison y un plebello sin trascendencia llamado Pit Best que en 1960 fuese reemplazado por Richard Starkey Ringo Starr quedando así la legendaria alineación del cuarteto de Liverpool The Beatles.

Fueron estos ingleses la chispa que encendió el fenómeno Invasión Británica en la cual se incluyen los siguientes grupos algunos disueltos antes determinar la década y otros creando su propio estilo.

1962 debutan The Rolling Stones lidereados por Mick Jagger y Keith Richards, con el disco the England Second New Hits Makers.

1963 el quinteto The Spectres hace lo suyo con el sencillo I´m who have nothing después interpretada en español

Por Enrique Guzmán.

En 1968 cambian de nombre al popular Status Quo.

1964 Aparecen los Kinks you really got me Erick Burdon & the Animals house of the rising sun y The Who my generation.

1965 Pink Floyd pioneros del rock progresivo debutan con el disco More algunos ingenuos piensan que el primer disco fué The Pipper at The Gates of Down de 1966.
No logran fama sino hasta 1973 con Dark side of the Moon.

1966 The Moody Blues y Procol Harum, ambos grupos exploran la sinfonía para aplicarla al soft rock.

1967 Jimy Hendrix padre del hard rock en Estados Unidos y el Mundo influye a Deep Purple y Black Sabbath ambos de Inglaterra.

1968 Surge Led Zeppelin que en los años 70´s llevó el hard rock a la cumbre de popularidad en todo el Mundo contó con el mejor baterista de su década.

1969 Genesis el peor de su época liderado por Peter Gabriel no consigue fama sino hasta los años ochenta.

Dado que las presentaciones inglesas en ciudades como Nueva York y Pholadelphia iban seguidas de suicidios y vandalismo los condados americanos emprendió una campaña anti-británica por lo que se culpó a los Beatles de ser los Anticristo que a fin de cuentas sirvió como pretexto para promocionar a las estrellas americanas que participaban del mismo delito.

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Revolución y evolución del nuevecito Guitar Hero: World Tour

2008-10-30T19:33:00.000-07:00

Ven a bloogames -> el blog con las noticias más frescas del fantastico mundo de los videojuegos

Hablemos de algo, la verdad, el Guitar Hero III fue solamente un Guitar Hero II pero dotado de sus innovadoras rock batallas, nada en especial, y Guitar Hero II fue un Guitar Hero I pero con más canciones. ¿Deberíamos esperar una evolución así de lenta y trágica con Guitar Hero: World Tour? Mis chavos, yo no lo esperaría.

¿Por qué? La pregunta de los 90 000 ¿Por que poner en las manos de unos desarrolladores de videojuegos con su estudio en un vecindario de quien sabe donde de los EUA lo que será nuestra próxima infernal locura escenarica con una guitarra?

Su portavoz nos ha adelantado contentamente ese por que.

World Tour alzará las notas muchísimo más allá de lo que podrán soportar su uñillas y sus cuerdas, música mejorada, experiencia de juego más realista, trucos, atajos y artimañas más chidas.

Veamos un ejemplo en el caso de un solo de guitarra.

Llegado el momento de lucirse, bastará ahora usar el slide bar para tocarlo.

Función que se activará cuando un camino violeta se aparezca entre los trastes.

Otra invención del juego, es cuando te aparezca ahora un camino ondulado.

Señal de que ahora tu calidad de músico y rasgador de guitarra, pueden hacer lo que quieran mientras tanto.

A y no les hablado de la verdadera revolución del videojuego.

Ahora Guitar Hero se ha independizado de la guitarra.

El título ha pasado a ser más juego de toda una banda.

Ahora la guitarra y el bajo podrán ser acompañados de una batería y una voz.

Misma capacidad que se incorporara a la vida roquera del personaje que crees.

Podrás instruirlo en las arriesgadas notas de la guitarra y a él mismo lo puedes poner a tocar batería. Acciones, claro, bien asalariado por dinero y con esto rango.

Además, viendo esto de los personajes del juego, ahora tendremos casi ilimitada fuente de personalización.

Igual, comenzaremos con un modelo, pero podemos inflarlo de músculos, de grasa, de llenarlo de cadenas y picos, de tatuarle hasta el alma, de maquillarlo e incluso de escoger algún modo de festejo loco después de rockear con el corazón.

Que del mismo modo con los personajes, igualmente se hará con los instrumentos musicales.

Se dispondrá de toda una gama de accesorios, colores y formas.

Guitar Hero no contará con muchos patrocinadores de guitarras, pero si de buenas corporaciones de baterías y demás instrumentos.

Además para meterse con este rollo de los patrocinadores de guitarras, si lo último que le faltan a Guitar Hero son las demandas.

Atentos con los siguientes artículos y sigan pendientes con más noticias. Saludos y deseos de buenos ratos con sus videojuegos, bloogames.blogspot.com

Articulo anterior de este autor: Acomódense para “La Carrera De La Muerte”, una película en la que el que se muera pierde
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El genero del rock alternativo

2008-10-29T11:54:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para informarte mas sobre el genero del rock

El rock alternativo también conocido en ocasiones como indie hace referencia a un conjunto de géneros de música rock.

Que nacieron en los años 80 y alcanzaron sus mayores cotas de popularidad en los años 90 .

Estos términos se acuñaron en los 80 para describir la música de los grupos influidos por el punk rock que grababan sus discos en discográficas independientes y que no se ajustaban a la música mainstream de la época.

Entre los diversos géneros que han surgido en la escena independiente desde los años 80 cabe destacar el grunge el indie pop o el britpop entre muchos otros.

Estos estilos tienen en común la herencia del espíritu del punk y de los géneros que surgieron a partir de él a finales de los 70.

Aunque la denominación hace referencia al rock algunos de los subgéneros que engloba también reciben la influencia de otros estilos como el pop el folk la música electrónica o el jazz entre otros.

En ocasiones el término se ha empleado equivocadamente a partir de los 90 como una expresión comodín para denominar paradójicamente al rock en general.

Durante los 80 el éxito comercial de algunos grupos de Rock alternativo que no abandonaron sus planteamientos originales.

Como R.E.M. o The Cure supuso que no se diera tanta importancia a grabar para una discográfica independiente o tener éxito únicamente en circuitos underground
En los 90 debido al éxito en todo el mundo de Nirvana y de corrientes musicales como el Grunge y el Britpop.

Varios grupos etiquetados bajo esta denominación llegaron obtener un éxito masivo.

Bandas como Linkin Park o Foo Fighters son las que yo considero como Rock Alternativo.

Rock Alternativo si tiene que ver con el género dentro del Punk.

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Una banda Hard core punk y emo, Emery aún sigue con sus giras

2008-10-28T12:16:00.000-07:00

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¿Que ha pasado últimamente con esta banda y su original screamo? Pues mucho y eso a pesar que aún suena la música y se ven los videos de su último disco. Aquellas rolas del I’m only man de octubre del 2007. Ya tiempo atrás, pero aún susceptible con sus letras y melodías a la orden del público.

Pues sí, parece que estos chicos disfrutan mucho de sus conciertos. Aún cantan la The Party Song, muy prendida canción y su poderoso From Crib to Coffin. Si que les gustan mucho interpretarlas por que ni se han dado el tiempecito de componer. No es que ya nos aburran pero queremos nuevos temas.

Démosles tiempo, piensan darse a conocer por todo el globo antes de su cuarta discografía. Apenas estamos en sus primeros 7 años de música. Tal vez se tienen algo bien guardadito. Algunas buenas canciones inspiradas en su gira, a lo mejor. Producto de esos alientos de notas y composiciones que se dan al natural en un atardecer antes de un concierto.

Ya conocen sus melodías. Muy a su estilo por el uso y enfatisación de los correctos instrumentos según la rola. Su gran repertorio de voces, algo cool, pues los cinco se dan el lujo de cantar. Además de lo singularico de la banda, rolas tocadas por la voz de Dios.

Punto que Emery no ha negado en ningún momento. Son cristianos, así que están muy influidos por la familia, los valores humanos y las buenas obras. Vamos, dos de sus integrantes uno es Josh, el tecladista, y el otro es Devin, guitarrista, han puesto sus manos de músicos a la orden de un pasatiempo voluntarioso.

El primero graba un blog, estilo detras de cámaras, de lo que viven las estrellas de Emery todos los días en su gira. El segundo imparte clases de guitarra y vocalización a algunos mocillos afortunados de Illinois EU.

Los integrantes de la banda nos dan sus razones del por que de la prolongación de la gira de su I’m Only Man. Dijeron que era por que habían disfrutado este último disco más que los otros dos pasados, el primero The Weak’s End del 2004 y el segundo The Question del siguiente año con sus cien mil copias vendidas.

Aparte de su íntima relación con otras bandas, con las que han compartido escenario, The Almost, Pierce the Veil, As cities burn, entre otras, y los importantes festivales a los que han sido invitados, Cornerstone Festival, Rock the Park y otros, Emery debe su fama a la responsabilidad para con sus fans.

Los chavos gustan de presentar su música en toda cuanta ciudad los demande. Esto aplaudible para un banda de tan poderoso y solicitado sonido como lo son ellos. Súbanle al volumen de las bocinas escuchando los discos de sus bandas preferidas, buena música y descontrol, debandasyrockversos.blogspot.com

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Diferencias entre el rock y el rock and rolll

2008-10-27T11:44:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para saber mas sobre el genero de rock que mas te guste

El término rock deriva del vocablo rock and roll.

pero hoy día ha evolucionado y el concepto de rock conserva dos significados distintos según la Real Academia de la Lengua Española.

Cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and rollque se corresponde con el género musical contemporáneo denominado música rock.

música rock.

Un género musical característico y popularizado en los años 50, que comparte con la acepción del género musical rock and roll.

rock and roll. Baile de pareja que se ejecuta con esta música.

Rock and roll, rocanrol, rock y música rock
El término rock and roll ha englobado desde siempre todos los géneros musicales que derivan de él al ser la única vertiente y término predominante.

Pero posteriormente, debido a la creciente popularidad de muchos de esos géneros derivados, se ha creado un término que es puramente contemporáneo para englobarlos, con la misma función que venía cumpliendo el término rock and roll, y que se diferencia a partir de la contracción derivada de éste (rock).

Por lo que rock and roll es el sinónimo histórico de música rock y todos los géneros englobados en música rock derivan de él de forma directa o indirecta.

De esta forma, el término rock deriva del término rock and roll, pero hoy día conserva dos significados según la Real Academia de la Lengua Española.

un género musical característico y popularizado en los 50 (que se corresponde con la definición de rock and roll ) y cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll, que sería, por tanto, la definición del género contemporáneo música rock, y que ha cumplido anteriormente el término rock and roll.

En la práctica, hoy día existen muchos artistas dentro de la música rock que, sin realizar ese género de los 50, denominan a su música "rock and roll" o se sienten identificados con el mismo.
Por otro lado, el diccionario de la lengua española en su vigésima segunda edición recoge el término rock and roll como voz inglesa a modo de anglicismo, sin embargo en el avance de la vigésima tercera edición el artículo ha sido enmendado tomando rocanrol como término en español derivado del inglés.

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A temblar, los Gallows llegaron con su punk tenebroso y su orquesta de los lobos

2008-10-26T18:38:00.000-07:00

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Infestados con la nueva sangre de este hardocre/punk, los Gallows brindan una vez más por sus hazañas discográficas y su buen éxito entre el publico con su último álbum Orchestra of Wolves. Y es impresionante, pues ya los altos sellos y corporaciones han decidido invertir en la propagación de la música de la agrupación.

Warnesr Bros. vio en esta banda a la próxima estrella negra de su minita de oro. Se ha dado el lujo de promoverlos y financiar sus discos y videos de las próximas 4 entregas a cambio de un millón de libras esterlinas $ ˛ $

Un buen motivo para que los chicos nos den una muestra de lo que es el agradecimiento para con sus fans. Que suene su voz, sus guitarras y su batería como nunca muchachos.

No nos preocupemos por eso. Ya saben como se las gastan los Gallows en sus conciertos. Estos músicos son especialistas en montar shows espectaculares y dinámicos, además de ser conocidos por sus giras sin descanso alrededor de diferentes países. ; )

Y sin contar, ya hablando de sus presentaciones, de la vez que Frank Carter, el vocalista, fue tatuado a media actuación del Reading Festival, y sin interrumpir la música, dejando pasmados a todos los asistentes, quienes no dejaron de gritar sus canciones por el resto de la noche.

Volviendo a su nuevo disco, Orchestra of Wolves, culpable de que Disney cancelara su presentación en el House of Blues de Anaheim después de oírlo 8 ] tengo que decir que una vez más la calidad técnica de los guitarristas se deja ver mejor que nunca.

En especial con el juego que hacen con la voz solemne de Frank. Es un rock especial, sucio en la manera de decir atractivamente lóbrego, escrito con letras y canciones delirantes y a la hora del show, apasionantes. Y si que Stu Gili-Ross en el bajo, Lee Barrat en la batería y Steph Carter como segunda y su guitarra ponen de su parte en la fama de la cofradía.

Sobre los nuevos trabajos de la banda, Gallows no ha dicho más que sacará a la venta en el 2009 su nuevo disco. Estos ingleses en verdad que se agarran a componer, en realidad que la música es su único apetito.

Lastimosamente, Frank no ha dejado ocultar que lo suyo son los tatuajes y que la banda Gallows solamente es un pasatiempo. El conjunto podría dejar de existir si se volviera algo más serio. Nadie le entiende, y ni lo haremos, así que explotémoslos ahora que la agrupación tiene vida.

No entristezcan sus orejas, por que de hombres así todo se puede esperar. Quien sabe. Súbanle al volumen de las bocinas escuchando los discos de sus bandas preferidas, buena música y descontrol, debandasyrockversos.blogspot.com
Articulo anterior de este autor: No os preocupéis más, ya potabilizan agua del mar pero ¿por qué la falta de fama de la noticia?
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el tri de mexico alex lora

2008-10-25T12:34:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para saber mas sobre el genero de rock que mas te guste

Considerados todo un símbolo de la movida rockera
latinoamericana.

El Tri de México aparece a fines de los años 60, con el mítico Alex Lora a la cabeza del grupo llamado originalmente “Three Souls in my Mind”.

Si bien al comienzo se dedicaron a componer temas en inglés, fue en su tercera producción que comenzaron a hacer sus canciones en español, pues la gran mayoría de su público era latino y ellos deseaban enviar en sus composiciones mensajes que esperaban que entendieran sus seguidores.

Un concierto que hizo historia en México

fue el que se realizó en el Festival de Avándaro, a donde concurrieron más de 300 mil personas, constituyendo todo un récord en la historia del país azteca y también para la agrupación.

Luego de más de 15 años en los escenarios y de mucho batallar abriéndose paso en todas las clases sociales, y habiéndose convertido en un gran fenómeno musical, deciden cambiar el nombre de la agrupación por aquel con el que todos sus seguidores los identificaban:

El Tri.

Su primer disco de oro les llegó en el año 1985 gracias a su álbum “Simplemente”, de donde sale el tema característico de la banda: “Triste Canción de Amor”, un gran hit del rock en español, aunque un gran éxito les esperaba también con su tema "Vicioso del Rocanrol".

El Tri

ha logrado desarrollar una importante carrera en los Estados Unidos, donde las colonias latinas le han dado el importante respaldo que le ha valido ganarse adeptos estadounidenses a través de sus constantes presentaciones en New York, Los Angeles, San Francisco, Chicago, Houston, California, entre otros.

reconocidos

Tienen una impresionante discografía y han sido reconocidos con casi todos los honores de la industria musical, así como por su enorme legión de seguidores.

Alex Lora.

Ha sabido plasmar a través de sus temas la realidad latina; sus reiteradas denuncias a la injusticia y a la corrupción, así como a la opresión de las clases minoritarias y el abandono de los niños, que son temas recurrentes en este gran comunicador y cronista.

Su sensibilidad social.

Se ha puesto de manifiesto en más de una oportunidad regalando incluso sillas de ruedas a muchos necesitados, y se ha ganado el amor de los seguidores de su retadora música, así como de aquellos que sólo lo conocen por su enorme solidaridad con el desamparado.

Una muestra del talento de El Tri, así como de su tema bandera puede ser apreciado en todos sus conciertos es la de
"trite cancion de amor"

alex lora el tri de mexico

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Los chicos de “Le Baron” vuelan por los cielos

2008-10-25T09:21:00.000-07:00

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No hace mucho de que los chavos de esta banda nos regalaran una muestra de lo que puede llegar a ser su talento. Nada más echen ojo: Nominados a artista promesa de los premios MTV 2008(ya pueden votar por ellos). En serio que les han caído excelentemente este último par de años.

Pero de donde nace este rock indie. Que los mueve para crear tan excelente música como su aclamada rola “Inmóvil” (ya en acústica también) y todo el demás arsenal como “Soldado John”, “Exilio” y demás. Que melodías entran por sus oídos en sus ratos de vagancia, quienes los inspiran.

Por que a Lalo, a Mau, a Olmo y a la chiquita Nan, también les gusta escuchar discos y ver videos para pasar el rato. A la nuestra voz y guitarra (Lalo) le influyen mucho los discos de The Beatles y los Caifanes. Por los dedos que orquestan la guitarra de Mau también atraviesa la música de Radiohead y los Doves.

A Nan se le ve comúnmente con discos de Oracular Spectacular y Sounds of Silver y al parecer a Olmo no le entra otra cosa que The Bees.

Poderosas y tremendas son sus influencias. No obstante, el crédito de la fama que de apoco envuelve más y muchos más oídos de fanáticos, es totalmente suyo y proveniente de sus conciertos y sus letras. Quines más que ellos cuatro para poder haberlo hecho.

Un momento, nos les gustaría saber cuando fue la primera vez que cada uno de ellos toco su primer instrumento o decidió que esto de la música sería lo que haría hasta el final de sus días. Nada más así si de casualidad se supiera. Sepan que el primer contacto del guitarrista Lalo con este instrumento de cuerdas fue un requinto olvidado en su casa.

A Mau le invadieron el alma por primera vez las notas de Hendrix cuando determinó quedarse pegado a una guitarra y a una muletilla. Olmo ya lo sabía desde más pequeño, pero un regalo de navidad fue lo que desencadeno su locura por los tambores. Nani era tecladista y había aceptado entrar en la banda, bueno a la agrupación le hacia falta un bajo y asunto resuelto.

Esas han sido sus historias y los momentos que han cambiado sus vidas. Brindemos pues por la buena música, las letras y los videos que legan a esta generación de rock.

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Articulo anterior de este autor: Venga Final Fantasy: Dissidia, lo que le sigue del uno contra uno
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que genero de rock te gusta 1a parte

2008-10-24T17:59:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para saber mas sobre el genero de rock que mas te guste

Blues:

Género proveniente de los negros americanos y su contenido es
básicamente social y sexual. Tiene dos variantes claramente identificadas: en el blues urbano interpretado por voces femeninas
acompañadas de piano; y el blues rural interpretado por
hombres acompañados de un banjo o guitarra.

Canción de protesta o propuesta:

Es el alma del blues siendo su origen y extensión. Como lo dice su nombre, es un canto de protesta ante la
opresión y la injusticia social.
Ragtime: Género musical de origen afro norteamericano que junto con el
blues es la base del jazz. Es una música muy sincopada caracterizada por un bajo
monótono. Alcanzó gran popularidad hacia 1900 gracias a la aparición de
la pianola.

Rock alternativo:

Es una manifestación underground posiblemente contracultural
por consiguiente no es del común de la vitrina de cualquier
discotienda. Intenta presentar lo nuevo o por lo menos combina y recrea
con cierto ingenio formas roqueras conocidas.

Rock and Roll:

En el moneto en el que el rythm and blues y el country and
western empezaron a fusionarse a partir de los cincuenta
nació el rock and roll llamado originalmente race músico
sepia music. Cuando se abandonaron estas dos últimas definiciones para
evitar el estigma racial de la vieja clasificación se
eligieron para el nuevo nombre las dos palabras más repetidas
de los temas del rythm and blues rock y roll.

Acid rock:

Como su nombre lo indica es un rock ácido un poco estridente
que juega con las experimentaciones sicodélicas. Jimmy Hendrix y el Pink Floyd son sus principales

representantes en la década de los noventa.

Arena Filtres:

Este género es sosegado y muy instrumentado, donde los temas
son de corte sentimental a encajando perfectamente en la
sociedad de los años sesenta. Sus principales representantes
son Chicago, Fleetwood, Boston, Eric Clapton, The Police y
U2.

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la historia del rock adn roll

2008-10-23T17:13:00.000-07:00

por: <-oiluj rasec el rocker->visita mi blog para saber mas sobre el genero de rock que mas te guste

En la década de 1950, en Estados Unidos, los adolescentes buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones.

Por primera vez una música se dirigía directamente a ellos el rock and roll.

En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces.

A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacían presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se materializó en el blues el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial.

Por otro lado también la influencia de los músicos blancos a través del género musical denominado country y la aparición de la guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues padre del rock and roll.

Uno de sus precursores fue Muddy Waters en 1949.

El término rock and roll empezó a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues el cual denotaba en demasía las luchas raciales para la época y aunque en esencia los dos géneros musicales representaban lo mismo se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la música que no mencione el conflicto racial.

cita requerida

El rock and roll o rocanrol emergió como un género musical definido en Estados Unidos en la década de 1950. Los inicios del rock and roll combinan elementos del blues, boogie woogie y jazz con influencias de la música folclórica Apalache, gospel country y western especializado.
Muddy Waters muchas veces ha sido acreditado como el músico que pavimentó el camino hacia el rock and roll.

Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954 con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets especialmente con Crazy man crazy 1954 y su gran éxito Rock around the clock (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon.

Otros consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo del rock and roll a 1954 año en el que Presley editó su primer disco.

Entre los músicos destacados de la época se pueden citar a Little Richard-Bo Diddley-Fats Domino-Buddy Holly-Gene Vincent entre otros.

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El concierto de los Rolling Stones en México, gira “A bigger bang” tour

2008-10-23T14:33:00.000-07:00

-Por Juan Carlos Piña Mejía- Visita Mi Blog para más bitacoras de Conciertos.

Domingo 26 de Febrero de 2006, Foro Sol, México- Distrito Federal.-Este fue el octavo concierto que he asistido uno de los mejores tanto por la entrega en el escenario como por las canciones de los Rolling Stones ya tienen un largo camino recorrido; si bien han pasado varias modas y ellos continúan con su carrera, sus Satánicas Majestades así denominados a partir de los años sesentas, se presentaron con su gira “A Bigger Bang Tour”.

El concierto fue impactante lastima que hacia frío, creo que estábamos a 10 grados centígrados ese día, yo había ido con mi padre y mi hermano al concierto estábamos en las gradas de hasta atrás, los Rolling tardaron en salir fue un concierto de muchas emociones primero por ver como Mick Jagger correr por todo el escenario como un chavo de 15 años era de admirar que todavía tuviera esa energía, anteriormente había ido a ver a U2 nada parecido por lo hecho por Bono en el escenario, ya que hacia rutinas de ejercicio con baile, Keith Richards con su incomparable estilo de tocar blues ya que el afina su guitarra muy diferente a otros guitarristas; así como el incomparable Charlie Watts en la bateria y el guitarrista Ronnie Wood.

Las manera de tocar las canciones estuvieron increíbles, uno quisiera oír todas pero es imposible ya que tiene un amplio repertorio, mis canciones favoritas del concierto fueron “It’s Only Rock ‘n’ Roll”, “You Got Me Rocking”, “Angie” , “Rain Fall Down”, “Sympathy For The Devil”, “Start Me Up”, “Brown Sugar” y “Satisfaction”, algo de reprochar del concierto es que las imágenes que utilizaron en algunas canciones parecían imágenes de Windows Media, a mitad del concierto se colocaron en el inicio del andador que daba hacia el centro del Foro, el cual se desplazo una parte del escenario hacia el centro del Foro Sol, momento increíble porque aun estando lejos se veía muy bien, la gente se emociono y coreo las canciones, debido al frío que hacia; mucha gente no se movía, pero valió la pena la gente al final del Encore solicito otra canción pero los Rolling no tienen que demostrar nada y se fueron después de un estallido en el escenario, rápidamente salieron hacia su limusina.

En este tipo de conciertos uno se da cuenta que la música no tiene edad ya que no es atemporal mientras sea buena música, en el caso de los Rolling Stones que no tiene rivales como anteriormente como con lo Beatles, en esta epoca son los que mas recaudan dinero en el mundo sus ganancias ascienden a los 88 millones de dólares y resulta de la venta de discos, las entradas a conciertos y otros negocios relacionados con su imagen eso solo en el 2007, esperemos que sigan dando de que hablar.

SetlistForo Sol Autódromo

Hermanos Rodríguez México –Distrito Federal.Jumpin’ Jack FlashIt’s Only Rock ‘n’ RollYou Got Me RockingOh No, Not You AgainTumbling DiceAngieRain Fall DownMidnight RamblerGimmie ShelterThis Place Is EmptyHappy
B StageMiss YouRough JusticeGet Off Of My CloudHonky Tonk Women
Sympathy For The DevilStart Me UpBrown Sugar
EncoreYou Can’t Always Get What You WantSatisfaction

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